Дизайн контрольная работа. Контрольная работа по дисциплине Графический дизайн Звездная ночь Винсент Ван Гог
 Скачать 2.36 Mb.
|
|
Министерство науки и высшего образования Российской Федерации Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение высшего образования «Ивановский государственный энергетический университет имени В.И. Ленина» Факультет экономики и управления Кафедра менеджмента и маркетинга КОНТРОЛЬНАЯ РАБОТАпо дисциплине: «Графический дизайн» «Звездная ночь» Винсент Ван Гог.  Картина "Звездная ночь" (рис.1) - это одна из наиболее известных работ Винсента Ван Гога, которая была написана им в 1889 году. Рис.1 Картина "Звездная ночь" Винсента Ван Гога. В картинах этой серии Ван Гог пытался передать свои эмоции и впечатления от живописной природы вокруг себя. Известно, что Ван Гог считал, что цвет может выразить эмоции лучше, чем линия или форма, и на этой картина он использовал свою яркую и эмоциональную палитру, чтобы передать свои чувства. "Звездная ночь" - это одна из самых знаменитых картин Винсента Ван Гога, написанная им в 1889 году, в период его пребывания в психиатрической лечебнице во Франции. Картина находится в Музее Модерна в Нью-Йорке. Картина имеет необычную композицию, где сильно выделяется звездное небо, которое занимает большую часть картины и создает ощущение глубины и пространства. Эффект глубины подчеркивается контрастом между темными и светлыми областями на картинах. Общее впечатление от картины может быть описано как таинственное и мистическое, благодаря фиолетовым оттенкам, которые добавляют картины необычности и мистического характера. На картинах Ван Гога часто присутствуют яркие и насыщенные цвета, которые отражают его эмоции и настроение. На картинах "Звездная ночь" преобладают темно-синие и желтые тона, которые создают атмосферу таинственности и глубокой эмоциональной напряженности. Картина отражает внутренний мир художника, его стремление к гармонии и красоте в мире, который он видит вокруг себя. Ван Гог видел мир в своем собственном, индивидуальном стиле, и создавал произведения, которые отражали его сильные эмоции и переживания. Одним из ключевых элементов картины является изображение звездного неба. Звезды могут символизировать бесконечность и надежду на будущее, что свидетельствует о том, что художник все еще верил в то, что мир может стать лучше и красивее. Однако, наряду с яркими цветами и изображением звездного неба, на картинах Ван Гога также присутствуют темные тени и грубые линии, которые могут указывать на его внутренние боли и страдания. В целом, картина "Звездная ночь" Ван Гога отражает его эмоциональное состояние и стремление к гармонии и красоте в мире. Она является произведением, которое символизирует надежду на будущее, но также отражает глубокие психологические переживания художника. Одним из ключевых цветов на картине "Звездная ночь" является голубой. Ван Гог использовал различные оттенки голубого цвета, чтобы передать глубину ночного неба и звезды, которые сияют на нем. На картинах голубой цвет также используется для создания глубоких теней на домах и деревьях, что помогает создать ощущение глубокой ночной тьмы. Другим важным цветом на картинах является желтый. Ван Гог использовал желтый цвет, чтобы передать свет, исходящий от звезд на небе, освещающий крыши домов, а также для передачи огней, зажжённых в самих домах. Желтый цвет также используется для создания ощущения тепла и уюта на картинах, что помогает создать контраст с холодным голубым небом. Оранжевый цвет присутствует на картине, также, как и желтый, в звездах. Ван Гог использовал оранжевый цвет для подчеркивания оттенков на зданиях внизу и для добавления глубины звездам. Оранжевый цвет также используется для создания ощущения тепла и комфорта на картинах. Зеленый цвет используется для создания теней на зданиях и для изображения растительности на первом плане картины. Ван Гог использовал зеленый цвет, чтобы передать ощущение жизни и роста. Синий цвет используется для создания теней и оттенков на зданиях и в ночном небе. Ван Гог использовал этот цвет, чтобы создать ощущение таинственности и мистики. 2) «Подсолнухи» Винсент Ван Гог. "Подсолнухи" - это картина (рис.2), которая была написана Винсентом Ван Гогом в 1888 году в южной Франции. На картине "Подсолнухи" Ван Гог изобразил несколько желтых подсолнухов в глиняном горшке на фоне бежевой стены. Картина выполнена в теплых тонах, которые создают чувство тепла и уюта. Ван Гог использовал густую краску, наносимую широкими мазками, чтобы создать эффект текстуры и объемности. Это создает ощущение, что цветы можно почувствовать на ощупь. Он также использовал контрастные цвета, чтобы выделить подсолнухи на фоне стены. Эта картина стала одной из самых известных работ Ван Гога и символом его художественного стиля. Она отображает его любовь к ярким цветам и его способность передавать эмоции через живопись.  Рис.2 Картина "Подсолнухи" Винсента Ван Гога. Картина символизирует стремление художника к красоте и гармонии в мире, но также может указывать на его чувства одиночества и отчаяния. Ван Гог переживал тяжелые времена в своей жизни, и на его картинах часто присутствуют мотивы одиночества и трагедии. Однако, наряду с трагическими мотивами, на картинах Ван Гога также присутствуют элементы жизни и роста. "Подсолнухи" могут символизировать надежду на будущее и желание художника создать красоту и радость в мире. Желтый: Цвет подсолнухов на картинах Ван Гога - это насыщенный и яркий желтый, который может варьироваться от более светлого до более темного, в зависимости от тени и освещения. На картинах Ван Гога желтый цвет создает чувство тепла, радости и энергии. Некоторые зоны цвета могут быть более насыщенными или более бледными, чтобы создать глубину и объемность. Оранжевый: Оранжевый цвет на картинах Ван Гога используется для создания переходов и градиентов между желтыми и коричневыми оттенками в подсолнухах. Оранжевый цвет может быть светлее или темнее, в зависимости от тени и освещения, и он обычно используется для создания более динамичных и живых цветовых комбинаций. Коричневый: коричневый цвет на картинах Ван Гога используется для изображения центра подсолнуха и его стебля. Коричневый цвет может иметь различные оттенки и насыщенность в разных частях картины. На картинах "Подсолнухи" Ван Гога коричневый цвет создает контраст с яркими цветами подсолнухов и подчеркивает объемность центра цветка. Зеленый: зеленый цвет используется для изображения листьев на стеблях подсолнухов и для создания эффекта травы и листьев в фоне картины. Зеленый цвет на картинах Ван Гога может варьироваться от светлых оттенков молодой травы до более темных оттенков листьев на стеблях подсолнухов. 3) «Цветущие ветки миндаля» Винсент Ван Гог. "Цветущие ветки миндаля" - это одна известных картин Винсента Ван Гога (рис.3), созданная им в 1890 году. Картина изображает ветви миндаля в цвету, раскинувшиеся над землей. На переднем плане картины можно увидеть несколько кустиков травы, которые почти не заметны, так как они практически затмеваются роскошным цветущим деревом. Ветви миндаля покрыты большим количеством белых цветков, которые создают красивый контраст с ярко-голубым небом в фоне. Ван Гог использовал яркие краски, чтобы создать на картинах бурную энергию и жизнерадостность. Красные и розовые оттенки цветов миндаля сияют на фоне голубого неба и ярко-зеленой травы, создавая ощущение весны и пробуждения природы после зимней спячки. Картина символизирует надежду и возрождение, что может указывать на желание художника обрести внутреннюю гармонию и покой. Ветки миндаля могут также символизировать краткость жизни и ее красоту, что может указывать на осознание художником того, что время жизни ограничено, и нужно наслаждаться каждым мгновением.  В целом, картина "Цветущие ветки миндаля" - это яркий пример того, как Ван Гог использовал цвет и свет, чтобы передать эмоции и чувства через свои работы. Картина воплощает жизнерадостность и красоту природы, а также отражает внутреннее состояние художника в момент ее создания.Рис.3 Картина " Цветущие ветки миндаля " Винсента Ван Гога. Белый - цвет цветов миндаля, которые покрывают ветви дерева. Белый цвет на картине является чистым и ярким, он создает ощущение чистоты, света и нежности. Зеленый - цвет дерева на переднем плане. В данном случае, зеленый цвет является ярким и насыщенным, что создает ощущение свежести и жизни. Голубой - цвет неба на заднем плане. Голубой цвет на картине является светлым и прозрачным, создает ощущение простора и свободы. Розовый и красный - цвета цветов миндаля. «Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой» Винсент Ван Гог. Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой — это знаменитая картина голландского художника Винсента Ван Гога (рис.4), написанная им в 1889 году. На картине изображен сам художник в профиль, в черном пальто и с белой рубашкой, держащий трубку в правой руке. На левом ухе у Ван Гога заметен бинт, который скрывает факт того, что он отрезал себе собственное ухо. Фон картины представляет собой серый-голубой фон с желтой линией на заднем плане, а сам художник изображен контрастными кисточными мазками с использованием ярких красок, характерных для творчества Ван Гога.  Картина "Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой" отличается от многих других портретов, созданных Ван Гогом, своей драматической и эмоциональной напряженностью, вызванной событиями, которые произошли в жизни художника. Рис.4 Картина " Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой " Винсента Ван Гога. Картина символизирует внутреннюю борьбу и конфликт художника, который находился в состоянии психического расстройства и страдал от депрессии и одиночества. Отрезанное ухо может символизировать его желание избавиться от психической боли или указывать на его чувства одиночества и нежелания слышать внешние влияния. Трубка может быть символом художниковской души, которая стремится к самовыражению и творчеству. Однако, ее наличие на картинах Ван Гога также может указывать на его зависимость от табака и наркотиков, что может быть связано с его психическим состоянием. На картине "Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой" Винсента Ван Гога используются яркие и насыщенные цвета, которые характерны для его стиля. Основные цвета, которые можно найти на этой картины, включают: Желтый: использован для заднего плана картины, который является основным фоном. Краски различных оттенков желтого также использовались для создания мазков на пальто художника. Оранжевый: находится на макушке головы художника, который выделяется от фона. Оранжевый цвет также присутствует на губах и на щеках. Синий: цвет использован для тени на пальто художника, которые создают визуальный контраст между пальто и желтым фоном. Зеленый: этот цвет используется в пальто художника и для создания глубоких теней в области уха и волос, а также для создания контраста между фоном и другими частями картины. Также на картинах присутствуют и другие цвета, такие как красный, коричневый, белый и черный, которые используются для создания различных деталей и для подчеркивания определенных аспектов картины. . «Утро в сосновом бору» И.И. Шишкин. "Утро в сосновом бору" - знаменитая картина русского художника Ивана Шишкина, созданная в 1889 году. На этой картине Шишкин изобразил типичный пейзаж Российской природы - густой сосновый бор, пронизанный лучами утреннего солнца. На переднем плане картины видны мощные сосновые стволы, изогнутые и покрытые мхом и лишайником. Вокруг них простирается плотный зеленый ковер из молодых сосновых ветвей и иголок, которые отражают свет утреннего солнца и создают впечатление нежного зеленого ковра. Вдалеке на заднем плане картины можно увидеть лесную поляну, на которой зажужжали насекомые, и заросли зарослей густой зеленой листвы. На горизонте виднеются высокие холмы, которые создают ощущение бесконечности леса.  "Утро в сосновом бору" Шишкина описывает красоту русской природы, которая покоряет своей дикой и необыкновенной красотой. Старые мощные сосны, тихий свет утреннего солнца и нежный зеленый ковер, который простирается на протяжении всей картины, создают атмосферу спокойствия и гармонии, которая не может не вызывать восторг у зрителей.Рис.5 Картина Утро в сосновом бору", И.И. Шишкин Шишкин известен своей любовью к природе и ее изображению на своих картинах. "Утро в сосновом бору" символизирует его уважение к природе и любовь к ее красоте. Художник изобразил сосновый бор, полный утренней свежести и яркого солнечного света, что может указывать на его оптимистический взгляд на жизнь и уважение к естественным принципам мира. Шишкин также использует приемы перспективы и света, чтобы передать масштаб и красоту леса, что может указывать на его стремление к гармонии и балансу в мире. Лес символизирует для него уединение, место, где он может наслаждаться красотой природы и находить вдохновение для своего творчества. На картине "Утро в сосновом бору" Ивана Шишкина используются преимущественно зеленые, коричневые и желтые оттенки, характерные для лесной природы. Однако, картина не ограничивается этими цветами и содержит некоторое количество других цветовых нюансов. Зеленые оттенки, сочетающиеся в различных тонах и оттенках, присутствуют везде на картины, и на переднем, и на заднем планах. Они отражают различные оттенки лесных растений и создают ощущение густой зеленой листвы и мягкого ковра из иголок на земле. Коричневые и желтые цвета используются для создания текстуры стволов деревьев, деревянных щепок и земли на земле. Эти цвета сочетаются с зелеными оттенками, чтобы создать более реалистичный вид леса. Кроме того, на картинах есть некоторые более яркие цветовые акценты, такие как белые и кремовые оттенки на некоторых деревьях, которые подчеркивают их контуры и придают дополнительную глубину и измерение картины. В целом, Иван Шишкин мастерски использовал цвет на картинах "Утро в сосновом бору", чтобы передать красоту и многогранность природы во всей ее славе. . «Девочка с персикам», Эдвард Хоппер. "Девочка с персиками" - это одна из самых известных картин американского художника Эдварда Хоппера (рис.6), написанная им в 1920 году. На картине изображена молодая женщина, сидящая за столом в кафе. Она повернута боком к зрителю, и ее взгляд устремлен вдаль, словно она задумчиво размышляет о чем-то своем. Девушка одета в простое платье светло-голубого цвета, на голове у нее красовалась красная шляпа. На столе перед ней стоят два персика - большой и маленький. Хоппер создал картину с помощью масляных красок, используя свет и тени, чтобы создать эффект объемности и глубины. Цветовая гамма картины теплая и мягкая, с преобладанием желтых, оранжевых и коричневых оттенков.  "Девочка с персиками" - это произведение, которое вызывает размышления у зрителя, заставляет задуматься о том, что скрывается за молчаливым взглядом девушки, и какие мысли могут пронизывать ее сознание.Рис.6 Картина "Девочка с персиками ", Эдвард Хоппер Персик - символ женственности, и на картинах, на которых изображены персики, часто можно увидеть эротические намеки. Однако на данной картины персики не ассоциируются с сексуальностью. Они представлены как просто фрукты в руках девочки, которые она прижимает к себе. В то же время, девочка смотрит прямо в объектив исследующего взгляда зрителя, словно вызывая интерес к своей личности. Хоппер изображает девочку в белом платье, что может символизировать ее чистоту и невинность. В то же время, черные туфли на ее ногах могут указывать на ее возраст и на то, что она уже вышла из детства. Картина имеет сильный акцент на свете и тени. Хоппер использовал контрастный свет, который подчеркивает детали девочки, при этом фон остается неопределенным. Это может указывать на ее изоляцию от окружающего мира. Рассмотрим цвета, которые использовались для написания этой картины. Желтый - это теплый, яркий цвет, который ассоциируется с солнцем, радостью, оптимизмом, интеллектом и энергией. На картины Хоппера желтый цвет используется для создания эффекта яркости и тепла, особенно в свете, который проникает через окна кафе. Оранжевый - это цвет, получающийся при смешивании желтого и красного цветов. Он ассоциируется с теплом, энергией, страстью, и означает новое начало и возрождение. На картины Хоппера оранжевый цвет используется для создания ярких деталей, таких как персики. Коричневый - это теплый, землистый цвет, который ассоциируется с устойчивостью, надежностью, теплотой и комфортом. На картины Хоппера коричневый цвет используется для создания уюта и комфорта в интерьере кафе. Голубой - это холодный, светлый цвет, который ассоциируется с спокойствием, миром и свежестью. На картины Хоппера голубой цвет используется для создания контраста с теплыми цветами и добавления некоторой свежести в палитру. Красный - это яркий, насыщенный цвет, который ассоциируется со страстью, энергией, силой и любовью. На картины Хоппера красный цвет используется для привлечения внимания к определенным деталям, таким как шляпка девушки. Оранжево-розовый - это теплый, мягкий цвет, который ассоциируется с нежностью, любовью и романтикой. На картины Хоппера оранжево-розовый цвет используется для изображения персиков и создания эффекта мягкости и тепла. «Крик» Эдвард Мунк. "Крик" - это одна из самых известных картин (рис.7) норвежского художника Эдварда Мункa, созданная в 1893 году. На этой картине изображен человек, который стоит на мосту с высокими скалами в фоне и выглядит, как будто он кричит отчаянно. Фигура человека на картине выглядит искаженной, словно она искривлена болезненными эмоциями. Фон картины выполнен в кричащих красных и оранжевых тонах, что еще больше подчеркивает невыносимую эмоциональную напряженность происходящего. Ощущение неустойчивости и давящей тревоги возникает из-за противопоставления между острыми и заостренными линиями на фоне и искаженной фигурой человека. Картина "Крик" - это яркий пример экспрессионизма, течения в искусстве, которое выражает чувства и эмоции через яркие краски, примитивные формы и сильную символику. Картина "Крик" считается одной из самых значимых работ Мунка и одной из наиболее узнаваемых картин в мире.  Рис.7 картина «Крик» Эдварда Мунка Центральный персонаж картины - фигура, которая держит руки у ушей и кричит. Это изображение может вызывать у зрителя чувство тревоги, беспокойства, страха и отчаяния. Цвета на картинах Мунка также имеют значительное значение. Фон изображения выполнен в красно-оранжевых тонах, что может символизировать чувство боли, агрессии и страха. Однако, помимо этого, на картинах Мунка можно увидеть некоторые элементы, которые могут свидетельствовать о попытке художника изобразить сильное чувство одиночества. Например, одинокая фигура, обрамленная огромным пейзажем и небом, которое кажется безграничным. На картине "Крик" Эдварда Мунка используется яркая палитра, состоящая в основном из красных, оранжевых, голубых и желтых цветов. Красный цвет на картинах Мунка обычно ассоциируется с сильными эмоциями, такими как страх, тревога или гнев. На фоне "Крика" используется ярко-красный цвет, который подчеркивает негативные эмоции, переживаемые персонажем. Оранжевый цвет, который также присутствует на фоне, обычно ассоциируется с энергией, радостью и теплом. Однако на картине Мунка оранжевый цвет используется, чтобы подчеркнуть чувство тревоги и неустойчивости, что создает напряженную атмосферу. Голубой цвет, использованный в небе и на воде в фоне картины, может означать спокойствие, но в контексте "Крика" он выглядит более неестественно и нереально, подчеркивая трагический характер картины. Желтый цвет, который использовался для окраски лица и рук персонажа, может означать радость и оптимизм, но здесь он выглядит более болезненно и ужасно, что дополняет общее чувство не спокойствия и тревоги на картины. Таким образом, цвета на картины "Крик" используются для передачи сложных эмоций и создания атмосферы тревоги и неустойчивости. «Сотворение Адама» Микеланджело. "Сотворение Адама" - это знаменитая фреска (рис.9), выполненная итальянским художником Микеланджело на потолке Сикстинской капеллы в Ватикане. Картина была создана между 1508 и 1512 годами и является частью большого комплекса работ, посвященных истории Библии. На картинах Микеланджело, можно увидеть Бога, изображенного в качестве сильной и могущественной фигуры, простирающей руку к Адаму, которому передается душа и жизнь. Эта сцена может символизировать человеческую веру, зависимость от высших сил и поиск смысла жизни. Также можно заметить, что фигура Бога и Адама находятся в позах, напоминающих форму мозга, что может указывать на то, что художник хотел подчеркнуть важность разума и мышления для человечества. Картина Микеланджело также известна своим использованием контрапоста - позы, в которой одна нога находится согнутой, а другая вытянутой, что создает впечатление движения и динамизма. Это может символизировать важность движения и прогресса в жизни. Фон картины выполнен в тонкой цветовой градации, сочетающей небесно-голубой цвет вверху, переходящий в светло-желтые и бежевые тона ниже. Фигуры Бога и Адама ярко выделяются на фоне.  Картина "Сотворение Адама" является одним из самых знаменитых произведений искусства мировой культуры и символизирует человеческий дух, желание познания и рождение новой жизни.Рис.9 Фреска «Сотворение Адама» Микеланджело На картине "Сотворение Адама" Микеланджело использует теплые и холодные цвета, которые создают впечатление глубины и пространства. Фон картины выполнен в небесно-голубых, светло-желтых и бежевых тонах, которые плавно переходят друг в друга. Голубой цвет на верхней части фона символизирует небо, а желтые и бежевые оттенки на нижней части фона могут олицетворять землю. Фигуры Бога и Адама выполнены в гармоничном сочетании светлых и темных оттенков. Бог изображен в светлом одеянии на фоне голубого облака, который создает впечатление легкости и небесной высоты. В то же время, тело Адама выполнено в более темных оттенках, что придает его фигуре объем и реалистичность. В целом, цветовая гамма картин "Сотворение Адама" мягкая и эффектная, создающая атмосферу мистической и священной сцены. «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи. «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи - это одно из самых известных произведений искусства (рис.10) всех времен и народов. Картина изображает последнюю вечерю Иисуса Христа с апостолами, где он объявил, что один из них предаст его. Картина расположена на стене рефектория (столовой) церкви Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, Италия. Она была написана Леонардо да Винчи в период между 1495 и 1498 годами. На картинах можно увидеть Иисуса сидящего за круглым столом с апостолами. Они размещены в группах по трое, и каждый из них имеет свою индивидуальную жест и выражение лица. Иисус обращен к Петру, который держит нож в руке, а Иуду Искариоту, который взял кусок хлеба из единственного блюда на столе. Атмосфера на картинах наполнена трагизмом и напряженностью, которые передаются не только через жесты и выражения лиц апостолов, но и через использование перспективы и композиционных приемов. В центре картины - Иисус, выделяющийся своим положением и яркостью. Его голова и тело образуют треугольник, который направлен к верху и сфокусирован на лице Иисуса, которое привлекает взгляд зрителя. Также, в центре картины расположен оконный проем, который направляет взгляд на Иисуса, а также создает иллюзию продолжения комнаты за столом. В картинах Леонардо использует широкий диапазон цветов и тонов, которые добавляют глубины и объемности к образам. В сочетании с техникой светотени, картина получается освещенной и яркой. «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи является одним из величайших шедевров искусства всех времен и является образцом идеального баланса между формой, содержанием и эмоциональной силой. В психологическом аспекте, эта картина может раскрывать несколько важных символов и метафор. Одним из главных элементов картины является жест Христа, который вытягивает руку и указывает на хлеб и вино, символизирующие его тело и кровь. Это может интерпретироваться как призыв к смерти Христа на кресте, который должен привести к искуплению грехов мира. Другой важный символ на картинах - группа апостолов, которые размещены на разных сторонах стола. Некоторые из них выглядят удивленными, другие - расстроенными, что может указывать на разные чувства и эмоции, которые они испытывают. Это может символизировать сложные человеческие отношения и трудности, которые возникают при совместной жизни и совместной работе. Еще одним важным элементом картины является архитектура и декор вокруг главных фигур. Стены и окна в комнате, где происходит ужин, могут символизировать отделенность Христа и апостолов от внешнего мира и отсутствие связи между ними.  Рис.10 Картина «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи Картина "Тайная вечеря" Леонардо да Винчи изобилует разнообразными цветами, каждый из которых вносит свой вклад в общую гармонию картины. Начнем с цвета Иисуса - он изображен в светлом халате, который может быть описан как белый с оттенком персика. Этот цвет символизирует чистоту и благородство. Второй по важности цвет на картине - красный. Красный цвет встречается на плащах нескольких апостолов, а также на подушке, на которую опирается Иисус. Этот яркий цвет может быть интерпретирован как символизирующий страсть и любовь. Оранжевый цвет, который можно увидеть на одежде апостолов, может быть ассоциирован с теплом и энергией. Желтый цвет, который можно увидеть на листьях виноградной лозы в фоновом плане картины, может символизировать свет и утешение. Зеленый цвет используется в одежде нескольких апостолов, а также в листьях виноградной лозы, на стене за столом. Зеленый цвет может ассоциироваться с ростом, жизнью и утешением. Синий цвет, наряду с голубым, используется для одежды нескольких апостолов. Эти цвета могут символизировать мудрость и глубокие чувства. Также на картины можно увидеть различные оттенки коричневого цвета, который может ассоциироваться с землей и природой. Эти оттенки используются для одежды нескольких апостолов и для каменной стены за столом. В целом, каждый цвет на картины "Тайная вечеря" Леонардо да Винчи имеет свои символические значения и вносит свой вклад в общую гармонию картины. «Наполеон на перевале Сен-Бернар» Жак-Луи Давид. "Наполеон на перевале Сен-Бернар" - это картина (рис. 11), написанная французским художником Жаком-Луи Давидом в 1801 году. На картине изображен Наполеон Бонапарт, преодолевающий горный перевал на лошади во время своей кампании в Италии в 1800 году. На заднем плане картины виден заснеженный горный пейзаж с группой солдат и лошадей, которые сопровождают Наполеона. Наполеон же находится на переднем плане, сидя на своей лошади, с одной рукой держа поводья, а другой указывая на гору. Он одет в французский военный костюм, с шапкой на голове и мундиром, на груди которого виден Знак Легиона чести. Основной цветовой палитрой картины являются оттенки серого и белого, которые символизируют суровые условия перевала и непростой поход Наполеона. Однако, в целом, картина выглядит яркой и энергичной благодаря искусству Жака-Луи Давида. "Наполеон на перевале Сен-Бернар" - это не только художественное произведение, но и исторический памятник, который отражает эпоху Наполеоновских войн и героические деяния одного из наиболее выдающихся полководцев в истории Франции. В психологическом аспекте картина может раскрывать несколько важных символов и метафор, которые связаны с личностью Наполеона и контекстом его эпохи. Первым элементом картины является сам Наполеон, который изображен как военный генерал в своей знаменитой униформе. Он предстает перед зрителем с уверенностью и авторитетом, что может символизировать его лидерские качества и энергию, которые помогли ему стать главной фигурой в Европе того времени. Вторым важным элементом является лошадь, на которой сидит Наполеон. Этот мощный и грациозный зверь может символизировать власть и силу Наполеона, которая позволяет ему управлять и контролировать своих врагов. Третьим элементом картины является горная местность, которая окружает Наполеона. Это может символизировать трудности и испытания, которые он должен пройти, чтобы достичь своих целей, а также его решимость и смелость в борьбе с препятствиями.  Рис.11 «Наполеон на перевале Сен-Бернар» Жак-Луи Давид На картине "Наполеон на перевале Сен-Бернар" Жаком-Луи Давид использовал основную цветовую гамму, состоящую из оттенков серого, белого, коричневого, черного и красного. Оттенки серого и белого на картины преобладают, они отображают снежный и холодный пейзаж горного перевала, который Наполеон преодолевает. Черный цвет используется для создания контраста с белым и серым, он также используется для подчеркивания форм и линий композиции картины. Коричневые оттенки используются для создания гармонии и придания некоторой теплоты цветовой гамме. Они помогают передать текстуру горных скал, на которых стоят лошади и солдаты, а также подчеркивают цвет одежды и экипировки. Красный цвет на картины используется для подчеркивания значимости персонажа Наполеона, а также для создания динамической композиции. Наполеон держит в руке красный флаг, который придает дополнительную яркость и энергичность картины. В целом, цветовая гамма картины "Наполеон на перевале Сен-Бернар" создает атмосферу холода, тяжелых условий и суровых испытаний, которые переживал Наполеон во время своей кампании в Италии. Она также передает его силу, энергию и решительность, которые позволили ему преодолеть трудности и добиться успеха. |