Доклад по культурологии на тему поп-арт. культурология. История стиля попарт
 Скачать 23.69 Kb.
|
|
Введение В современном мире искусства часто можно услышать понятие «поп-арт», над значением которого мало кто задумывается. При этом значение его на сегодняшней день изменилось. Поп-арт воспринимается как нечто вызывающее, плохо сделанное, некачественное. В то время как первоначально поп-арт - это искусство, которое направлено на массовость, но при этом сделанное для всех на высоком уровне. Поп-арт оказал огромное влияние на развитие современного искусства, его традиции сохраняются и в настоящее время. Он убрал границы между искусством и жизнью, доказал, что вещь, выставленная в музее, будет восприниматься зрителями подсознательно иначе. Человек невольно начинает по-другому относиться к предмету из обыденной жизни, он ощущает желание понять идею выставленной оппозиции Поп-арт брал идеи из окружающего мира. Этот художественный стиль стал непохожим ни на один другой, так как никогда до этого общество не менялось с такой скоростью, как в 20 веке. Пожалуй, самый неоднозначный из всех ранее существовавших стилей, поп-арт вобрал в себя дух свободы шестидесятых и капиталистическую идею материального блага, как центра мироздания. История стиля поп-арт Поп-арт стал ответом на торжественное, всепобеждающее шествие потребительской культуры. Его хронологические рамки — 1950-1960-е годы. Именно в это время оформилось так называемое «общество потребления». Пика своего расцвета это направление достигло в сердце потребительской цивилизации — Соединённых Штатах, но зародился стиль в Великобритании. В начале 1950-х годов эта страна ещё не оправилась от последствий Второй мировой войны и жила небогато. Точкой отсчёта считается 1952 год, в Лондоне возникло творческое объединение Независимая группа. В середине 1950-х годов в Британии появился и термин pop art. Но официально это название было закреплено в 1962 году на симпозиуме в Нью-Йоркском музее современного искусства. В США новый стиль обрёл силу и размах. В отличие от британских художников, воспринимавших заокеанский масскульт со стороны, их американские коллеги жили внутри общества потребления, а потому в своём творчестве, чтобы дистанцироваться от развитой рекламной индустрии, использовали более яркие, смелые, агрессивные эффекты. Одной из самых знаковых работ британского поп-арта считается знаменитый коллаж Ричарда Гамильтона под затейливым названием «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». Художественные и концептуальные особенности поп-артаС художественной точки зрения этот стиль апеллировал к вещности, предметности — в противоположность другому популярному направлению, абстракционизму. Поп-арт был рождён в борьбе с творчеством абстракционистов и провозгласил возвращение к отображению на полотне конкретных предметов. У поп-арта была своя концептуальная особенность: художники брали в качестве объектов знаковые предметы и образы масскульта, которые сейчас бы назвали «мэмами». Кроме того, они обращали внимание не только на предметы, но и на образы — типичным примером является «Диптих Мэрилин» Уорхола. Некоторые мастера пошли ещё дальше. Они отражали в своих работах суть эпохи, включая её безликость, массовость, триумф супермаркетов. Художественная призма, через которую преломлялись объекты, заинтересовавшие творцов, подразумевала: помещение образов масскульта в новый контекст; вычленение смыслового ядра и акцентирование внимания на характерных чертах; смену масштаба; доведение до максимума, до апофеоза типичных приёмов масскульта; иронию; создание коллажей из «мемов». При этом стилистические особенности работ теснейшим образом переплетаются с масскультом. Форма подчёркивала содержание. Художники намеренно: стилизовали свои работы под рекламу, афиши, плакаты, комиксы; использовали яркие цвета; вписывали в картины слоганы; создавали коллажи из фотографических «срезов» реальности. Ключевые художники поп-арта: Энди Уорхол (Andy Warhol) — признанный лидер направления; Дэвид Хокни (David Hockney) — один из лидеров в Британии. Нью-йоркский карикатурист Кит Харинг (Keith Haring), испытавший сильное влияние граффити. Джаспер Джонс (Jasper Johns), которого прославили «Числа в цвете». мастер комиксов Рой Фокс Лихтенштейн (Roy Fox Lichtenstein). Ричард Гамильтон (Richard Hamilton), навсегда запечатлевший для потомков в оригинальных коллажах эпоху послевоенного потребительского бума и накопительства. Мортон Уэйн Тибо (Morton Wayne Thiebaud), чьей визитной карточкой стали изображения всевозможных кондитерских изделий в разных контекстах. И сейчас мы рассмотрим некоторых, а подробнее остановимся на Уорхоле. И начнем с Роя Лихтенштейна. Блам! Рой Лихтенштейн 1962 Для этой работы Лихтенштейн позаимствовал часть комикса Расса Хита под названием «Всеамериканские люди войны» (№ 89). Картина Лихтенштейна не является точной копией рисунка Хита, однако на первый взгляд их легко спутать, поскольку изменения, внесенные художником в изначальное изображение, почти незаметны. Обращаясь за сюжетами к популярным комиксам, Лихтенштейн посвятил свою карьеру исследованию границ между «высоким» и «низким» искусством, раз за разом поднимая вопросы о природе культуры и оригинальности, но при этом не давая никаких окончательных ответов. Как и в случае с большинством представителей поп-арта, невозможно с полной уверенностью утверждать, являлись ли работы Лихтенштейна безусловным одобрением комиксов и массовой культуры в целом, или же критикой этой культуры. Решение в этом случае остается за зрителем. «BLAM», как и другие похожие работы Лихтенштейна, выполнены в точечной технике «Бен-Дэй», позаимствованной, опять-таки, из комиксов. Витрина с пирожными Клас Олденбург 1962 Олденбург — один из немногих скульпторов, работавших в стиле поп-арт, известный своими шутливо-абсурдными работами, посвященными еде и неодушевленным предметам. Коллекция работ под общим названием «Витрина с пирожными» впервые была выставлена в знаменитой инсталляции скульптора «Магазин», устроенной в Нижнем Ист-Сайде. Для этого проекта Олденбург создал несколько гипсовых скульптурных объектов, включая клубничное пирожное и яблоко в карамели. Инсталляция была оформлена как типичная американская лавка, в которой можно купить не только продукты, но и различные товары для повседневных нужд. Скульптор дополнил ее рекламными плакатами и продавал свои работы по низким ценам, таким образом превращая арт-объекты в товары. Несмотря на то, что они были проданы, как любые продукты массового производства, каждый из этих уникальных предметов был проработан с особой тщательностью. Покрывая свои работы краской, Олденбург использовал густые, выразительные мазки, как глумливую отсылку к серьезности абстрактного экспрессионизма. В ироничной манере скульптор объединял энергичность экспрессионизма с продуктами массового потребления. Большой всплеск Дэвид Хокни 1967 Огромное полотно размером почти 2,5×2,5 метра было написано Хокни с фотографии, которую он увидел в буклете-инструкции к бассейну. Художник был заинтригован идеей переноса на холст мимолетного события, застывшего на фотографии. Он говорил: «Мне понравилась мысль нарисовать нечто, что длится две секунды. Чтобы запечатлеть эти две секунды, мне понадобилось две недели». Динамизм всплеска резко контрастирует со статичной и жесткой геометрией дома, бортика бассейна, пальм и трамплина, аккуратно размещенных в сетку, которая обрамляет всплеск. Это придает картине совершенно осознанно созданный художником эффект расчлененности и бессвязности, ставший одним из отличительных особенностей стиля Хокни. Кроме того, типичным для изображений в стиле поп-арт является эффект стилизации и искусственности. Энди Уорхол Если существовал художник, олицетворявший собой все направление поп-арта, то это, безусловно, был Энди Уорхол. Энди Уорхол (настоящее имя - Эндрю Вархола) родился в 1928 году в США в семье эмигрантов-словаков. О его деятельности лучше всего высказался он сам: «Хочу ли я стать великим художником? Нет. Лучше уж я стану знаменитым» Уорхол, в отличие от больших мастеров, изначально стремился именно к славе и богатству. У будущей знаменитости с детства было слабое здоровье. В восемь лет из-за болезни центральной нервной системы ему прописали долгий постельный режим, который впоследствии будет повторяться из года в год. Во время болезней мать, чтобы хоть как-то подбодрить сына, покупала ему раскраски, комиксы, альбомы и фото знаменитых актеров. Эти образы откладывались у маленького Эндрю в голове и, чуть повзрослев, он стал воплощать их на бумаге. Родители, отметив его способности к рисованию, начали копить деньги, чтобы через несколько лет оплатить сыну высшее образование. На последних курсах университета, уже сменив фамилию на Уорхол, Энди учился на факультете рисования и дизайна. Он выбрал себе псевдонаивный, полумультяшный стиль, который стал использовать и после обучения, став успешным коммерческим дизайнером. Это были первые шаги к созданию его знаменитого стиля, когда картины словно лишены создателя и частичек его души, которые каждый художник обычно вкладывает в свою работу. Позже подобное искусство назовут «машинизированным». Уорхол заметил, что интересы людей стали перемещаться от экспрессионизма к обыденным предметам и деталям из поп-культуры. Это были простые изображения бытовых вещей: пылесосов, консервов, бутылок, телевизоров и многого другого. Так Уорхол практически нашел свою нишу, уже к началу шестидесятых начав использовать в свои работах ставшие неизменными банки с супом «Кэмпбеллс», кока-колу, знак доллара и Мерилин Монро. Он говорил: «Я думаю, что все картины должны быть одинакового размера и цвета, чтобы они были взаимозаменяемыми, и чтобы никто не думал, что его картина лучше или хуже других». Рассмотрим одну из его картин Сто банок с супом «Кэмпбелл» 1962 При создании иконической серии Энди Уорхола с банками супа никогда не предполагалось привлечь внимание к форме или композиции этих работ, в отличие от картин абстрактных экспрессионистов. Значимыми полотна Уорхола делает выбор универсального и узнаваемого образа (вроде банок с супом, Микки Мауса или лица Мэрилин Монро) и изображение его в качестве массового продукта, но в контексте изобразительного искусства. В этом смысле Уорхол не просто делает акцент на популярных образах, а скорее указывает на то, как эти образы в наше время воспринимаются людьми: к ним относятся, как к узнаваемому с первого взгляда товару, который продается и покупается. Эта серия относится к ранним живописным работам художника, однако уже совсем скоро он переключился на шелкотрафаретную печать, считая, что изображения поп-культуры нужно производить механическим способом. Сто холстов с изображениями банок супа, созданные Уорхолом для первой персональной выставки в Галерее Ферус в Лос-Анджелесе, позволили ему почти мгновенно занять высокое место в мире американской живописи и навсегда изменить лицо современного искусства. |