общая характеристика стиля модерн. Модерн как формирование новой картины мира. Общая характеристика стиля модерн понятие и зарождение
 Скачать 23.52 Kb.
|
|
Глава 1. Модерн как формирование новой картины мира. 1.1. Общая характеристика стиля «модерн»: понятие и зарождение. Что понимается под стилем в искусстве? Это некое идейно-художественное единство, благодаря которому художники отдают предпочтение определенной тематике и особым изобразительным средствам. Они остаются индивидуальны, но, глядя на то или иное полотно, уже можно почти безошибочно определить эпоху и стиль. Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. В 1860-1870 годы в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих художественных стилей. Но уже в 1880-е годы в работах ряда мастеров стал вырабатываться новый стиль, который противопоставлял эклектизму новые художественные приемы. Так, например, У.Моррис (1834-1869) создавал предметы интерьера, вдохновленные растительными орнаментами, а А. Макмердо (1851-1942) использовал элегантные, волнистые узоры в книжной графике. Именно 1880-е годы считаются ранним этапом зарождения стиля «модерн». В каждой стране возникало свое наименование этого стиля: в Англии - «Модерн стайл» (новый стиль), в США - «Тиффани стайл» (по имени Луиса Комфорта Тиффани), во Франции - «Ар Нуво», в Германии - «Югендстиль» (молодой стиль), в Австрии - «стиль Сецессион», в Италии - «стиль Либерти», в Испании - «модернизм». В России это собственно – модерн.. «Модерн (от фр. moderne - современный) - стиль в искусстве Америки и Европы на рубеже XIX-XX веков. Модерн переосмыслил и стилизовал черты искусства разных эпох, и выработал собственные художественные приемы, основанные на принципах асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям, расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека». Как отмечает В. Серебровский, - появление этого стиля объясняют разными причинами: и «волевым усилием» нескольких художников, и объективными причинами - усталостью уходящего XIX века, и общим декадансом европейской культуры, и связанной с этим утратой «большого стиля». Модерн, по мысли ряда его теоретиков (например Х. К.ван де Велде (1853-1957), который в своих воззрениях опирался на социалистические утопии У.Морриса), должен был стать стилем жизни нового, формирующегося под его воздействием общества, создать вокруг человека цельную эстетически насыщенную пространственную и предметную среду, выразить духовное содержание эпохи с помощью синтеза искусств, новых, нетрадиционных форм и приемов, современных материалов и конструкций. Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполненные в одном ключе. Вследствие этого в этот период возрос интерес к прикладным искусствам: дизайну интерьеров, керамике и книжной графике. «Представляется, что именно эстетизм становится возбудителем нового стиля, и в нем следует искать основную причину художественных побуждений рубежа столетий. Красота превратилась во всеобщую, глобальную категорию, в предмет обожествления. Культ красоты становится новой религией. «Красота - вот наша религия», - прямолинейно и определенно заявлял в одном из своих писем М. Врубель. В этой ситуации красота и ее непосредственный носитель - искусство - наделялись способностью преобразовывать жизнь, строить ее по некоему эстетическому образцу, на началах всеобщей гармонии и равновесия. Художник - творец красоты превращался в выразителя главных устремлений времени». Наиболее значимых успехов на первом этапе развития стиля добилась Англия, в которой модерн нашел свое проявление в графике и прикладном искусстве. «В других странах «опытным полем» для модерна становились те виды искусства, которые либо оказывались наиболее развитыми, либо открывали какие-то возможности для неожиданных находок. В некоторых школах модерн «прорывался» благодаря творчеству гениальных мастеров, которые обгоняли своих современников. Такими мастерами были М.А. Врубель в России, А. Гауди в Испании, А. Муха в Чехии, В. Орта в Бельгии, О. Бердслей в Великобритании и другие мастера. В 1980-е годы подготавливался выход на «передовую линию» бельгийцев, голландцев, скандинавов, поляков, испанцев, не отличавшихся в течении XIX века яркостью художественных достижений». К 1890-м годам относят развитие стиля модерн в разных направлениях искусства, как и задумано было его создателями. Литература, скульптура, архитектура, живопись приобретают общее единостилевое звучание. Этот период становления модерна отмечен национально-романтическими увлечениями, интересом к средневековому и народному искусству. Для этого этапа характерно возникновение художественно-ремесленных мастерских (прообразами их были мастерские У. Морриса, 1861, и «Выставочное общество искусств и ремесел», 1888, в Великобритании), часто противопоставлявших себя капиталистической индустрии: «Объединенные художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремесел» (1899) в Германии; «Венские мастерские» (1903) в Австрии; мастерские в Абрамцеве (1882) и Талашкине (около 1900) в России. К этому времени так же относят своеобразный журнальный бум. «Чаще всего в программу этих журналов входило международное художественное сотрудничество, которое знакомили с положением дел в своих национальных художественных школах. Журналы вырабатывали и переносили новинки книжной графики. Они сами по себе являлись произведениями искусства модерна, не говоря о том, что обширно публиковали современное творчество модерна». Чаще всего они посвящали свои страницы различным видам искусства, содержали также литературные разделы. Зрелый модерн - 1900-1910-е годы, приобрел черты интернационального стиля, основанного на применении принципиально новых художественных форм. Распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наибольшую известность модерн получил на Всемирной выставке 1900 года в Париже. После 1910 года значение модерна во многих странах стало угасать, вытесняясь новыми направлениями и художественными открытиями. «Стиль модерн складывался из разных источников; разные пути вели к нему через искусство XIX столетия, и, хотя эти пути сблизились, в сложившемся модерне продолжали сосуществовать разные варианты, в основном вызванные к жизни различными национальными традициями. Некоторые черты стиля, безусловно, космополитические, другие же интерпретировались в соответствии с национальными традициями, но эта противоречивость не была конфликтной, ибо природная гибкость стиля позволяла уживаться различным тенденциям». Каждая национальная школа придавала лицу модерна разное выражение, поскольку нет европейской страны, где не было бы своего собственного стиля модерн. И в то же время есть нечто общее, что объединяет все эти «модерны» и делает их почти неразличимыми, что позволяет говорить об общеевропейском художественном направлении. В модерне преобладает декоративность, плавные линии, связь с природой. Все больше используются такие материалы: железобетон, металл, стекло. Цвета приглушенные, светлые. В архитектуре зданий все выполняется в едином стиле. Для украшения применяют мозаику, эмаль, витражи. Яркие представители модерна Гюстав Климт, Альфонс Муха, Михаил Врубель. Стиль «модерн», возникший как ответ застою, возникшему в изобразительном искусстве середины XIX века, тесно связан с именем известного австрийского художника Густава Климта. Его произведения стали глотком свежего воздуха, причём не только для австрийских почитателей. Можно без сомнения сказать, что этот человек снискал заслуженную славу мирового масштаба. Густав Климт (14.07.1861 – 06.02.1918) — австрийский художник и выдающийся декоратор, его произведения сыграли основополагающую роль в одной из самых важных революций в истории европейского искусства. Густав Климт создавал произведения, которые по своей художественной концепции были близки предметам декоративно-прикладного искусства. Впечатления от реальности служили лишь поводом для живописи, но не ее содержанием. Фигуры и предметы были стилизованы в духе модерна. С 1904 по 1907 Густав Климт был увлечён созданием двух необычных картин, имеющих схожий сюжет: «Водяные змеи I» и «Водяные змеи II». 1.2. Цветоритмический анализ картины Г. Климта «Водяные змеи II». «Водяные змеи II» это картина маслом, написанная Г. Климтом в 1907 году. Героини картины, девушки похожи на хрупких и тонких русалок, молодые и живые. Название картины как бы намекает на то, что за красивой внешностью могут скрываться злые умыслы, агрессия и опасность. Героинь картины можно назвать Нимфами, они излучают холод и нагоняют страх, а вся их красота подарок ледяного океана. Они счастливы в подводном мире и не ищут себе любви в другом месте. Но все равно манят к себе своей ослепительной красотой. Их бесподобные золотые волосы с вплетением морской растительности, нежная кожа, милые черты лица, все это пробуждает страстные чувства. «Водяные змеи II» - яркий образец эпохи модерна и своеобразная визитная карточка Г. Климта, как и другие работы. Как обычно, Климт написал животных очеловеченными, превращенными в женщин. Это не просто змеи, а настоящие девицы с телами, красивыми лицами и копной волос. Множество женщин-змей собрано в длинные гирлянды – кто- то плывет по течению, другая жгучая брюнетка - плывет наперекор воде. Они бледны и покрыты пятнами, похожими на следы потертости, огрубевшей кожи. Быть может, в силу инфантильности самих змей, вечной спячки и лени, лежании на дне? Климт наделил своих женщин холодной красотой и славянскими чертами. Единственным украшением каждой явились пышные шевелюры с вкраплением ракушек и цветных камней, водорослей неземного происхождения, стилизованных художником. Работа дышит ярким приторным колоритом с привкусом морской капусты, той самой, что легла мягкой прослойкой между красавицами. Стилизованное изображение змей выдает тягу Г.Климта к обнаженной женской фигуре. «Водяные змеи II» — наиболее известная из двух картин и предлагает большее разнообразие цветов, чем первая. Две модели также намного четче во второй, в то время как первая в значительной степени опирается на черный и золотой цвета, что делает объекты, которые она содержит, намного более размытыми. Модели, используемые в этих произведениях искусства, очень типичны для Климта: красивые женщины выбираются и размещаются в переплетенных положениях рядом с цветочным фоном, который меняется между ними, оставляя законченную работу. В этой картине преобладают золотые, желто-рыжие, яркие и светлые тона. За счет этого картина буквально светится и сверкает. Нимфы словно приглашают в свое общество. Неугомонность в красках Г. Климта выражена в «Водяных змеях II» многоцветием палитры, контрастом и декоративностью. Учитывая размеры полотна (80х145см), автор демонстрирует здесь чувство пространства, отличную компановку и заполнение пустот. Многослойность деталей уничтожает скуку, которая могла бы жить в повествовании о жизни морских обитателей, а их олицетворение с женщинами –тем паче. На картине сочетание разнофактурных материалов, мозаики, масла и сусального золота. Одной из причин, вызвавших «пристрастие» Климта к золоту, как декоративному материалу, наполнявшему его картины блеском и торжественностью, а также символу божественного или царского, стала поездка в Равенну, где этот благородный металл в буквальном смысле «ослепил» художника. Возвратившись на родину, живописец сразу взялся за написание картин «Водяные змеи», в которой позолота и оттенки желтого, должны были выделить красоту загадочного водного мира, конечно же, немыслимого без обольстительных женских тел. Тела подводных обольстительниц прекрасны, ими можно долго услаждаться. Мир этих существ – океан, тоже прекрасный, загадочный, но ледяной; этим царством можно любоваться, но и только. Обитательницы подводных глубин по-своему счастливы, они не будут страдать от неразделенной любви, или преодолевать мили расстояний, чтобы обрести свою половинку. Фон у Климта всегда плоскостный, затканный мелким узорочьем. Контрастом к этому фону были иллюзорно, объемно трактованные части изображения — обычно лицо. Затуманенность символов, которые использовал художник, подчеркнутая неоднозначность прочтения всех его композиций служили тому, что они могли толковаться каждым зрителем в зависимости от его художественного опыта. Климт в работах соединял живопись маслом с аппликацией и инкрустацией, вводил в картину смальты, майолику, медь и латунь, а иногда использовал камни и кораллы, именно этим усовершенствуя и прославляя новое искусство и свою живопись. Климт, по мнению многих авторов, один из первых, кто так гармонично сплел воедино непостоянство сверкающих нарядов с блеском женщины, ее душевной и физической красотой. Он достиг того, что на его картинах существуют два мира: мир эротического тела и мир узора, но никто не получает первого места, все едино. Тело, становясь еще более прекрасным от орнаментов вокруг, дает жизнь каждому штриху узора, еще больший блеск золоту, яркость и насыщенность цветам. Натуралистически изображенные лица и руки становятся все более чуждыми тому обилию элементов, в который погружает их художник. Огромное количество рисунков и эскизов свидетельствует о напряженной внутренней жизни художника и о том, насколько его занимала проблема видения природы и мира. Однако монументальные картины Климта производят совершенно противоположное впечатление, это жажда абсолютной свободы в изображении предметов, что приводит зрителя к игре орнаментальных форм. Мы можем сделать вывод, что обе картины «Водяные змеи» были важным дополнением к прекрасной карьере Климта, и женское очарование в них также привело к тому, что они стали популярными репродукциями для тех, кто хочет приобрести произведения искусства для своего дома. Именно замысловатые детали и яркий цвет сделали Климта настолько популярным в мейнстриме искусства, и немногие картины изображают этот стиль лучше, чем две картины водяного змея, которые призваны подчеркнуть красоту карьеры художника, чтобы привлечь наше внимание. |