Экскурсия по британской галерее тейт. У. Д. Садлера. Первоначально в галерее экспонировались картины английских художников, родившихся после 1790 года
 Скачать 1.67 Mb.
|
|
Из истории Британская галерея Тейт (англ. Tate Britain) — художественный музей в Лондоне, самое крупное в мире собрание британского искусства. Была основана промышленником сэром Генри Тейтом. Ныне часть группы музеев Тейт. Здание галереи у моста Воксхолл было построено по проекту С. Смита (англ. Sidney R. J. Smith). Галерея открылась 21 июля 1897 года и контролировалась Советом попечителей Национальной галереи. В основу коллекции было положено личное собрание Тейта. Согласно путеводителю по галерее 1897 года, начало коллекции сэра Генри Тейта положили три картины, одна из которых — «Четверг» У. Д. Садлера. Первоначально в галерее экспонировались картины английских художников, родившихся после 1790 года. Кроме собрания Тейта, на момент открытия в коллекцию галереи вошли картины из музея Южного Кенсингтона, картины из собрания Вернона, ранее находившиеся в Национальной галерее, и восемнадцать работ Уоттса, переданные самим художником. В 1899 году, когда на средства Г. Тейта были пристроены ещё девять залов, галерея стала самой просторной в Лондоне. В 1910 году были открыты новые залы для произведений Тёрнера. По завещанию художника все имевшиеся в его распоряжении работы были переданы государству и до расширения галереи Тейта хранились в Лондонской Национальной галерее. В 1917 году началось создание коллекции произведений современных иностранных художников и скульпторов. В 1923 году текстильный фабрикант Сэмюэл Курто предоставил галерее 50 тысяч фунтов на приобретение работ импрессионистов и постимпрессионистов. 26 июня 1926 года открылся отдел иностранной живописи галереи в новом здании, построенном Дж. Дьювином-младшим. В 1987 году открылась галерея Клор (Clore Gallery), в которой выставлена самая полная коллекция произведений Дж. М. У. Тёрнера, завещанная им государству. В 1988 году открылся филиал галереи в Ливерпуле. В мае 2000 года в переоборудованном здании бывшей электростанции Bankside Power Station (англ.)рус. на южном берегу Темзы, напротив собора св. Павла, открылась Современная галерея Тейт (архитекторы Херцог и де Мерон). После этого «материнская» галерея была переименована в «Тейт Британия» (Tate Britain). «Возьмите своего сына, сэр!» (англ. Take Your Son, Sir!) Бывает так, что незаконченное произведение искусства становится наиболее известным, чем некоторые завершенные шедевры. И вопросов оставляет больше, чем ответов. Кто эта женщина и почему она так странно выглядит? Почему и зачем держит младенца совершенно неестественным для матери способом? Кто отражается в зеркале позади нее? Форд Мэдокс Браун (англ. Ford Madox Brown; 1821—1893) — английский живописец и поэт, один из виднейших представителей прерафаэлитизма, хотя никогда не входил в само Братство прерафаэлитов. Браун родился 16 апреля1821 года во французском городе Кале. Отец Форда Мэдокса, шотландец, был корабельным казначеем, ко времени рождения сына оставившим службу. В 1835 году Браун поступил в Академию художеств в Брюгге, где брал уроки рисунка у одного из учеников Давида. Затем перебрался в Антверпен, где учился в мастерской Густава Вапперса. Здесь он освоил самые разные художественные техники: фреску, масляную живопись, акварель, пастель, литографию, другие виды гравюры. Вскоре он переехал в Париж, где поддался обаянию французской романтической живописи с ее увлечением литературными сюжетами, энергичным мазком и смелым колоритом. В 1845 году художник совершил путешествие в Рим и познакомился с Фридрихом Овербеком. В 1846 году Форд Мэдок Браун вернулся в Англию. Начиная с 1878 года, Браун жил преимущественно в Манчестере, где ему было поручено расписать здание городской ратуши фресками из истории города. Эта работа продолжалась в течение пятнадцати лет практически до самой смерти художника. Он умер в Лондоне 6 октября 1893 года в возрасте 72 лет. «Возьмите своего сына, сэр!»— незаконченная картина художника-прерафаэлита Форда Мэдокса Брауна, начатая в 1851 году. Предполагается, что художник бросил писать картину после смерти своего десятимесячного сына в 1857 году. Значит, на момент начала работы над ней, про маленького Артура (так звали сына) и речи быть не могло. Однако, историки подтверждают, что у художника был еще один ребенок, незаконнорожденная девочка по имени Кэтрин Мэдокс Браун. Матерью крошки Кэтрин была Эмма Хилл – натурщица художника, ставшая впоследствии его женой. Но рождение Кэтрин по строгим порядкам викторианской Англии, было немыслимо и являлось настоящим вызовом приличному обществу. Наверняка, Эмма Хилл страдала это порицания,и именно на это намекает странная композиция картины. Эмма была дочерью каменщика и не получила даже минимального образования. Всё в том же 1852 году она, будучи уже два года матерью, посещала школу "для юных леди". Пьеса Бернарда Шоу «Пигмалион», написанная в 1912 году, была взята из жизни! Когда Браун начал писать «Прощание с Англией», Эмма была осуждаемой пуританским обществом сожительницей, а когда художник закончил картину, то Эмма Хилл была уже Эммой Браун, так как пара поженилась в 1853 году в лондонской церкви. Одним из свидетелей был Данте Россетти. «Прощание с Англией», которое Браун представил на публике, не только вызвало ажиотажный интерес, но и было куплено, что, по словам художника, избавило его от необходимости эмиграции. Женщина на полотне выглядит болезненной, бледное лицо и нездоровый «чахоточный» румянец щек может намекать, что она только что родила. Исследователи утверждают, что странное положение ребенка в руках у матери напоминает иллюстрацию женского чрева в беременность в разрезе, характерную для того исторического периода. Она протягивает ребенка отцу, то ли обессилено, то ли с намеком на вызов. Название также содержит вызов: «Возьмите своего сына, сэр!» - брошено слишком официально, с укоризной. Возможно, смысл фразы несет несколько иной посыл, чем кажется на первый взгляд. Возьмите, дословно, признайте. Женщина убеждает отца ребенка признать законным свое чадо. Отец ребенка, он же – художник, спрятан за спиной в отражении зеркала. Этот прием мы уже видели в другой картине, подробно о которой можно почитать в материале: Постельная сцена: Ван Эйк в чужой спальне. С ореолом зеркала и звездным узором на зеленом фоне образ напоминает кое-что еще. На самом деле, он перекликается с сюжетом Мадонны с младенцем, и это почти очевидно. И тут, возможно, художник выражался иронично, преподнося в роли Богородицы женщину с сомнительным общественным статусом. Большая часть платья с кринолином не закончена, также как и кусок ткани, в которую как бы завернут ребенок (на самом деле он обнажен, а покрывало просто намотано вокруг, так что смысл этого жеста непонятен). По какой причине художник не довел работу до конца – тоже неизвестно. Было ли это глубокое потрясение смертью второго ребенка или невозможность закончить художественную мысль по какой-то иной причине, искусствоведы не могут ответить однозначно. Но даже недописанной, картина производит очень сильное и неоднозначное впечатление. «Купание Психеи» (англ. The Bath of Psyche) Биография Фредерик Лейтон родился 3 декабря 1830 года в Скарборо, графство Северный Йоркшир. Его отец, Эдвард Лейтон, преподавал медицину, а дед был придворным врачом российского императора Александра I. Лейтон начал рисовать в девять лет, поправляясь после скарлатины. В 1842 году он (прибавив себе несколько лет) поступил в берлинскую Академию художеств. Уже через три года его приняли в Академию художеств во Флоренции. Серьёзно писать Фредерик Лейтон начал во Франкфурте в 1846 году. Здесь он поступил в местный институт культуры. Через два года Лейтон покидает Франкфурт, в связи с революционными волнениями и переезжает в Париж. В 1850 году он вместе с семьёй вновь оказался во Франкфурте и смог окончить учёбу. В Германии Лейтон приступил к работе над первыми масштабными полотнами (сюжеты, взятые из жизненных сцен итальянского живописца Чимабуэ, жившего во второй половине XIII столетия). Подобный выбор был характерен для художника, воспитанного в традициях классической школы. Чтобы лучше проникнуться творчеством великих итальянских живописцев, Лейтон в 1852 году принял первое в своей жизни самостоятельное (одиночное) путешествие. В ноябре того же года он был уже в Риме, где с головой окунулся в вихрь светских удовольствий. Руководительницей Лейтона в его похождениях стала Аделаида Сарторис, известная оперная певица. Салон Аделаиды Сарторис открыл возможность молодому живописцу познакомиться со многими замечательными людьми своего времени, в том числе с Уильямом Теккереем. Особенно тесные дружеские отношения завязались у него с супругами Браунинг, а также с ведущими французскими академическими живописцами того времени, Ж. Л. Жеромом и А. В. Бугро. Впоследствии, Лейтон создал серию иллюстраций к поэме Элизабет Барретт Браунинг, а после её смерти спроектировал надгробие на её могиле. Тесные, творческие и личные, отношения поддерживал художник со своими натурщицами Конни Гилкрист и Дороти Дин. В 1855 году он завершил работу над своей «Мадонной Чимабуэ» и отослал её в Лондон, на выставку Королевской Академии. Картина заполучила огромный успех и была приобретена королевой Викторией за 600 гиней. О художнике заговорили в аристократических кругах Англии. В 1855 Лейтон так же посещает Всемирную выставку в Париже и остаётся в городе на последующие три года (с перерывами), где совершенствовал своё мастерство. В 1857 году он едет в Алжир. С этой поездки началось его увлечение восточной культурой, мотивы которой впоследствии художник часто использовал в своих живописных полотнах. В дальнейшем мастер побывал в Сирии, Египте и Турции. В 1859 году Лейтон уже в Лондоне, принц Уэльский приобрёл в этом же году его картину, после чего наследник престола стал не только дальнейшим покровителем живописца, но и его верным другом. В 1859 году художник вступил в 20-й Добровольческий стрелковый корпус Миддлсекса, больше известный как «Стрелковый корпус художников» и принимал самое активное участие в жизни своего подразделения. В 1880 году Лейтону присвоили звание полковника. Уже в начале 1860-х годов его ежегодный доход составлял около 4000 фунтов стерлингов. В 1864 году положение Лейтона ещё более упрочилось — он стал членом Королевской академии художеств. К этому году для художника был построен роскошный особняк с мастерской в Кенсингтоне, на Холленд-Парк-роуд столицы Британии. А в 1869 году Лейтона назначили инспектором художественных школ при Королевской Академии. Крупнейшим произведением, созданным живописцем в этом году, стали две фрески «по индустриальным мотивам». 1878 год принёс Лейтону новые почести и обязанности. Его избрали президентом Королевской академии и наградили французским орденом Почётного легиона. Тогда же ему был присвоен дворянский титул. В 1880-м году правительство Италии предложило мастеру прислать свой автопортрет для уникальной коллекции автопортретов знаменитых живописцев, которая хранится в галерее Уффици. А в 1896 году, перед самой смертью, Лейтон первым из британских художников удостоился титула барона. 25 января 1896-го года Лейтон скончался. Гроб с телом мастера выставили в Королевской академии, а 3 февраля Лейтона со всеми почестями похоронили в лондонском соборе Св. Павла. Картина, написанная британским художником-академистом Фредериком Лейтоном, написанная маслом на холсте и впервые выставленная в 1890 году. Ныне полотно хранится в лондонской Британской галерее Тейт. Купание Психеи (Фредерик Лейтон). На картине изображена раздевающаяся для купания Психея, которая готовится к приходу Амура. Она полностью поглощена приятным созерцанием самой себя, так её нарциссизм подчёркивается её отражением в неподвижной глади воды. Тема купальщицы и безупречный рисунок свидетельствуют о влиянии на работу творчества Энгра, особенно таких его работ, как «Источник». Поза Психеи с поднятыми руками, обнажающими её тело, была вдохновлена знаменитой греко-римской статуей Венеры Каллипиги, которую Лейтон видел и восхищался ей в неаполитанском Музее Каподимонте. Панно (1887) «Купание Психеи» была навеяна, по словам критика Мариона Спильмана, картиной на «ноже для бумаги», как назвал её сам Лейтон. Он написал её для настенной ширмы Лоуренса Альма-Тадемы. Лейтон входил в группу из примерно 45 художников, приглашённых Альма-Тадемой для помощи в украшении атриума его дома на Гроув-Энд-роуд, в лондонском районе Сент-Джонс-Вуд. Каждому из художников было поручено украсить для «Зала панелей» (англ. The Hall of Panels) своей работой узкую панель высотой 32 дюйма и шириной от 2,5 до 8 дюймов. Трудность поиска темы для изображения на узкой панели была шутливо обыграна самим Лейтоном, после того, как Альма-Тадема прислал ему её размеры. Через несколько дней после этого, они встретились за ужином в доме их общего друга. Они сидели прямо напротив друга, и Лейтон, взяв в руки длинный десертный нож с узким лезвием, обратился к своему коллеге по искусству и спросил: «Дорогой мой Тадема, какого рода предмета вы ожидаете от меня, который был бы изображён на этом?». Картина (1890) Нехватка места на панели для дома Альма-Тадемы объясняет своеобразный характер исходной композиции «Купания Психеи». Тем не менее, когда Лейтон решил перенести её на холст, он убрал большую часть изображений водной поверхности с отражением Психеи и добавил ряд мраморных колонн, чтобы расширить пространство. Картина получилась почти вдвое шире исходного панно. В 1890 году «Купание Психеи» была выставлена в Королевской академии художеств. Критик журнала The Spectator оставил похвальный отзыв о ней: …Мы можем восхищаться её красивыми, изящными линиями, и чудесным чистым цветом занавеса и неба, золота и меди, и решительной рукой, которая нарисовала это тело так просто и так нежно. «Купание Психеи» принесло Лейтону народную славу, и, вероятно, она воспроизводилось гораздо чаще, чем любая другая его работа при жизни. Она была приобретена на условиях «Завещания Чантри» и вошла в коллекцию галереи Тейт. Бёрн-Джонс, сэр Эдвард Коли – «Веспертина Квиес» Э́двард Ко́ли Бёрн-Джонс, или Э́дуард Ко́ули Берн-Джо́нс[6] (англ. Edward Coley Burne-Jones; 28 августа 1833 года, Бирмингем, Великобритания — 17 июня 1898 года, Лондон, Великобритания) — близкий по духу к прерафаэлитам английский живописец и иллюстратор, один из наиболее видных представителей движения искусств и ремёсел. Широко известен своими витражами. Ранние годы Бёрн-Джонс получил начальное образование в бирмингемской школе короля Эдварда. С 1848 года посещает вечерние курсы в правительственной школе дизайна. В 1853 году изучал теологию в Эксетерском колледже Оксфордского университета. Здесь знакомится с Уильямом Моррисом, и оба, находясь под впечатлением картин прерафаэлитов, принимают решение отказаться от богословия ради живописи. Когда в 1856 году Данте Габриэл Россетти встречается с Уильямом Моррисом и Эдвардом Бёрн-Джонсом, это знакомство становится началом нового этапа в развитии движения прерафаэлитов. Он был частым и желанным гостем в доме архитектора Робинсона (дочери которого Агнес Мэри Фрэнсис и Фрэнсис Мэйбл* также были писательницами), ставшим центральным местом для встреч художников и писателей движения прерафаэлитов, таких как: Уильям Майкл Россетти, Уильям Моррис, Уильям Холман Хант, Джеймс Уистлер, Артур Саймонс, Форд Мэдокс Браун и Матильда Блинд Награды Бёрн-Джонс получил Орден Почётного легиона за картину «Король Кофетуа и нищенка» (англ. King Cophetua and the Beggar Maid, 1884). В 1894 году Бёрн-Джонс получает титул баронета. В 1885 году Эдвард Бёрн-Джонс был избран ассоциированным членом Королевской Академии Художеств, но в 1893 году отказался от этого звания. Живопись В двадцатидвухлетнем возрасте Бёрн-Джонс открыл для себя «Смерть Артура» Томаса Мэлори, и до конца своей жизни он создавал полотна, посвящённые этим легендам. Красота и таинственность древних преданий пленили Бёрн-Джонса ещё и потому, что это были христианские предания, построенные на тематике битвы добра и зла, греха и спасения. Как многие другие современники, которые потеряли свою веру в Бога, Бёрн-Джонс сохранил веру в христианские добродетели, романтическую любовь, благородство. За два года до смерти он писал: «Поразительно, но эта история о Святом Граале всегда была в моих мыслях… Есть ли в мире что-нибудь столь же прекрасное?» Бёрн-Джонс много рисует обнажённое мужское тело. Его картины почти плоскостны, в них нет ярко выраженной игры светотени. Он делает упор на линию, а колорит его работ очень часто золотисто-оранжевый. Детализация и излишний реализм прерафаэлитов нехарактерны для Бёрн-Джонса. Его герои очень статичны, их лица отрешены, а позы скорее напоминают изящные позы статуй. На картинах почти нет динамики, только созерцание. Оказал влияние на творчество художника Джона Стэнхоупа. О картине Эта картина вызывает настроение созерцания и неподвижности. Ее латинское название означает "Вечерняя тишина". Считается, что Берн-Джонс нанял модель по имени Элизабет Кин, которую он пригласил посмотреть, как он работает над картиной. Она изображена в ракурсе в три четверти, опирающаяся на балюстраду в позе, напоминающей портреты итальянского Возрождения. Они произвели большое впечатление на Бёрн-Джонса во время его второго визита в Италию вместе с Джоном Рёскином в 1862 году. Картина «Ариэль на спине летучей мыши» — Генри Синглтон. Точные годы жизни художника неизвестны. Хотя Синглтон, как и его дяди и сестра, также рисовал миниатюры, он не строго придерживался жанра. Он выставлял в Королевской академии, между 1784 и 1839 годами, около 300 работ, значительная часть которых была портретами, а библейские предметы составляли большую часть остальной части. Он много лет был старейшим художником Королевской академии. Его работы также экспонировались в Британском институте с 1806 года и в Обществе британских художников с 1824 года до его смерти в 1839 году. С 16 лет Синглтон работал профессиональным портретистом. Он учился в Королевской академической школе с семнадцати лет и завоевал серебряную медаль в 1784 году. Его картина по мотивам оды Александра Драйдена «Праздник Александра» появилась в 1788 году. В 1793 Синглтон получил заказ от Королевской академии на групповой портрет сорока академиков. По иронии судьбы, он никогда не становился членом или ассоциированным членом самой Академии. В начале своей карьеры Синглтон писал большие композиции по библейским сюжетам, по произведениям Шекспира или на тему современных исторических событий. Хотя его портретная работа всегда пользовалась спросом, он никогда не добивался больших успехов как исторический художник. Работы Генри Синглтона в настоящее время находятся в коллекциях Британского музея, музея Виктории и Альберта, Национальной портретной галереи (Лондон), Шотландской национальной портретной галереи, Тейт Британ, Музея Ольстера и Брайтонской художественной галереи. Известная работа художника — «Офицер из «светлых драгунов», уходящий от жены. Описания картины нигде не опубликованы, но у наблюдателей много версий, куда именно уходит офицер — на войну, или же просто уезжает от своей жены, в надежде на поиск лучшей жизни. Еще одна не менее известная картина художника — «Камилла оправляется от обморока». Можно подумать, девушка страдает болезнью, но на самом деле, обморок у нее произошел от разбитого сердца и переживаний, которые доставил ей офицер. Его также можно увидеть на картине, в зеленой неофициальной одежде. На картине можно заметить, как некоторые персонажи, а именно отец Камиллы, правда переживают это событие, тогда как другие — ее тетушка на переднем плане — испытывают пренебрежение и отвращение. Генри Синглтон является одним из загадочных художников, так как она всегда хотел, чтобы годы создания его работ и помещение их в галереи оставались в строжайшем секрете. Также, для того, чтобы интерес к работам постоянно рос благодаря наблюдателям, он никогда не раскрывал истинных смыслов написания картины, а также мотивов, по которым он написал работу. Описание картины. Рассмотрим картину «Ариэль на спине летучей мыши». На протяжении веков образ летучей мыши привлекал внимание живописцев, вызывая противоречивые чувства. Летучая мышь символизирует сверхъестественные силы, темные силы, болезни, смертельную ауру. Рассматривая картину, можно заметить героиню — Ариэль, которая восседает на летучей мыши, грациозно приподняв свою левую руку вверх по направлению ветра. Работа источает загадочную ауру, ведь никто доподлинно не знает, какой смысл в нее вложил автор — многие наблюдатели сравнивают героиню с Маргаритой из работы «Мастер и Маргарита» Булгакова, которая стала ведьмой и путешествовала по Москве на метле. Данные сравнения находят интересными критики, так как если сравнивать героинь, то Ариэль вправду походит на ведьму: рыжие волосы, откровенный наряд, безумный взгляд и как способ передвижения — летучая мышь. Однако, другая версия гласит о том, что Ариэль принадлежала к вампирскому роду, ввиду того, что на картине изображена летучая мышь — символ вампиризма и темной силы. Некоторые также думают, что Ариэль является невестой самого Дракулы, однако, данная теория не была подтверждена, так как само понятие «вампиризм» было введено после появления работы Брэма Стокера «Вампир». Точные годы, когда Синглтон завершил картину неизвестны, как и годы, когда картина была помещена в галерею — автор пожелал оставлять их в секретности, однако, даже после его смерти не было выявлено точной информации.     Эмма Хилл. Набросок, выполненный Брауном в 1852 году, незадолго до свадьбы  Форд Мэдокс Браун  «Портрет четы Арнольфини», 1434 (фрагмент)  «Прощание с Англией» (англ. The Last of England). 1852 - 1855.    4   |