Врожденные и приобретённые задатки. Творчество. Врожденные и приобретенные задатки
 Скачать 47.33 Kb.
|
|
ГОСУДАРСТВЕННОЕ АВТОНОМНОЕ ПРОФЕССИОНАЛЬНОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ «МАГАДАНСКИЙ КОЛЛЕДЖ ИСКУССТВ» РЕФЕРАТ по предмету «Народное художественное творчество» на тему «Врожденные и приобретенные задатки» Выполнила: студентка 3 курса специальности НХТ(ТТ) Терещенко Д.И. Преподаватель: Е.В. . Магадан 2020 СОДЕРЖАНИЕ Народные музыкальные инструменты представляют важнейшую часть национальной культуры. История их возникновения и развития неразрывно связана с развитием художественной культуры в целом и социально-культурного развития страны в частности. Анализ развития народных музыкальных инструментов в российском обществе позволяет понять многие сложные процессы формирования национальной музыкальной культуры и в целом музыкальных инструментов. Состав этнических музыкальных инструментов весьма велик и разнообразен. В каждом регионе России сложилась культура самобытных инструментов, особенности которых во многом определены спецификой развития фольклорной традиции и бытования фольклора. Достаточно яркой иллюстрацией данного тезиса служит видовой спектр русских гармоник, название которых соответствуют месту их бытования («бологоевская», «елецкая», «касимовская», ливенская» и др.). В то же время в исполнительской практике народных музыкантов утвердился большой унифицированный ряд инструментов, которые используются повсеместно как в любительской, так и в профессиональной сферах. К нему можно отнести жалейку, баян, домру, балалайку, гитару, бубен и др. Состав народных инструментов очень широк и разнообразен, он имеет многоуровневую и разветвленную структуру. Не раз народные музыкальные инструменты становились объектом глубокого изучения и анализа. Существуют различные подходы к классификации народных инструментов. В современном инструментоведении в качестве основы получила признание классификационная система, в которой определяющими являются два признака: источник звука и способ или механизм его извлечения. Согласно данной системе, музыкальные народные инструменты систематизированы в четыре большие группы – духовые, струнные, клавишно-духовые и язычковые и ударные. Группа духовых инструментов также подразделяется на три подгруппы: Флейтовая, к которой относятся свирель, сопель, кувиклы или кувички. Язычковая, включающая жалейку, брелку, волынку. Мундштучные, в которую входят разновидности рога и рожка. Группа струнных народных инструментов включает также три подгруппы: Щипковая, которая включает гусли, домру, балалайку, бандурку и семиструнную гитару. Смычковая, в которую входит гудок (в некоторых регионах скрипка). Фрикционная, включающая лиру колесную. Группу клавишно-духовых и язычковых инструментов формируют три подгруппы: Гармонь с ее разновидностями. Баян и его модификации. Аккордеон.... Группа ударных инструментов состоит из двух подгрупп: Мембранная, к которой относятся бубен, барабан, набат, накры, тулумбас. Самозвучащая, включающая всевозможные виды ложек, трещоток, а также рубель, косточки, ухваты, коса, рогач, колокол, барабанка, пастуший барабан). Первые упоминания о народных инструментах относятся к догосударственной эпохе и упоминаются в работах античных историков. В летописях эпохи Киевской Руси также имеются свидетельства об использовании традиционных инструментов в княжеских дружинах, на пирах, народных праздниках. Изображения музыкантов, играющих на народных инструментах, находим и на стенах Софийского собора в Киеве. В повествованиях о военных походах русичей также есть описания народных инструментов. В ратных дружинах применялись всевозможные духовые инструменты: различные виды труб, рог, сурна, свирель и др. Сигнальные функции в дружинах воинов выполняли множества ударных инструментов, среди которых било (деревянная или металлическая доска, по которой ударяли молотком), колокол, варган (инструмент, близкий по конструкции к металлофону), всевозможные ратные бубны, накры, набат и др. Традиционно широкое распространение народные инструменты имели в среде скоморохов – многофункциональных оседлых и бродячих артистов, в числе которых постепенно сформировалась когорта первых русских профессиональных музыкантов-исполнителей на народных инструментах, служивших при княжеских и царских дворах. С их творчеством связаны как первые шаги, так и последующий путь развития народного музыкального искусства. В процессе ярмарочных увеселений, всевозможных гуляний, в профессиональной деятельности пастухов, в повседневном быту наряду с духовыми и ударными инструментами (рожком, жалейкой, сопелью, свирелью, волынкой, бубном, колокольчиками, трещотками ложками и др.) использовались и разнообразные струнные инструменты. Среди них древнейшее происхождение имели гусли (впервые упоминаются около 591 г.), домра, гудок. Несколько позже, примерно в ХVII–XIX вв., стали распространяться балалайка, лира, бандурка и семиструнная гитара. В конце ХIХ в. появилось многочисленное семейство гармоник. Эти инструменты получили особую популярность в среде рабочих и оказали значительное влияние на развитие инструментального и вокального творчества народа. Некоторые из указанных инструментов не получили широкого распространения и практически не дошли до нашего времени. Проанализируем наиболее популярные в народной среде инструменты, составившие основу русского этнического инструментария, характеризующего исполнительскую культуру народа в соответствии с ранее приведенной классификацией. Их изучение активизировалось в конце ХIХ в., когда в российском обществе повысился интерес к отечественной истории и культуре и фольклорным традициям. В результате начали появляться многочисленные публикации в области музыкальной этнографии, в том числе первые исследовательские работы по народному инструментарию. В частности, большое значение имели научные исследования А. Фоминцына, Н. Привалова, Е. Линевой. К этому же времени относится начало деятельности выдающегося музыканта В.В. Андреева – реформатора русских народных инструментов, создателя и руководителя первого Великорусского оркестра, композитора и дирижера, исполнителя-виртуоза на балалайке и гармонике, общественного деятеля и педагога, страстного патриота. Свою творческую деятельность он начал в 1886 г. И если в самом начале на игру В.В. Андреева смотрели как на чудачество, то по прошествии некоторого времени многие увидели в балалайке нечто большее. Причем отдельные обозреватели и критики справедливо связывали игру В.В. Андреева на народных инструментах с общим интересом к разного рода национальным явлениям. Неслучайно в тот период в Петербурге возникали многочисленные кружки и коллективные формирования в виде народных (вокальных и инструментальных) хоров и капелл. Успех концертных выступлений на балалайке и гармонике способствовал активному распространению пятиладовой балалайки среди появившихся многочисленных ее почитателей, что привело к необходимости создания руководства для игры на инструменте. Постепенно пришла идея создания кружка любителей балалайки. Осенью 1887 г. В.В. Андреев собрал кружок любителей игры на балалайках, который состоял из восьми исполнителей, включая самого руководителя. Уже через полгода коллектив начал выступать, а весной 1888 г. в Большом зале Петербургского городского кредитного общества состоялся первый концерт кружка любителей балалайки (хора балалаечников), положивший начало триумфальному пути Великорусского оркестра, который вскоре получил всемирное признание и о котором заговорили как о явлении оригинальном, ставшем гордостью национальной музыкальной культуры. Вряд ли история знает пример, когда горстка любителей-полупрофессионалов уже через год после своего первого публичного выступления отправляется завоевывать сердца поклонников музыки в самой просвещенной столице Европы – Париже. В 1900 г., после выступлений Великорусского оркестра на Всемирной выставке в Париже, В.В. Андреев будет награжден орденом Почетного легиона и золотой медалью выставки. Одновременно он был избран действительным членом Французской Академии изящных искусств. Где бы ни выступал оркестр, везде был восторженный прием, заслуженный успех. Всюду, где бы ни гастролировали русские балалаечники, это не проходило бесследно. На чужой земле русское искусство давало ростки. Разумеется, превращение кружка любителей игры на балалайках в Великорусский оркестр происходило не сразу – этому содействовала неустанная работа В.В. Андреева и ближайших его соратников, в первую очередь Н.П. Фомина, по усовершенствованию и введению в состав оркестра все новых инструментов: вначале усовершенствованной домры и шлемовидных гуслей («псалтырь»), позже в оркестр были введены брелки, щипковые гусли, парная свирель, накры, клавишные гусли. С самого начала, с первых дней своей деятельности В.В. Андреев получает поддержку и горячее понимание со стороны таких выдающихся музыкантов и деятелей культуры, как П.И. Чайковского, Н.А. Римского-Корсакова, А.К. Глазунова, А.К. Лядова, В.В. Стасова и др. Близко восприняли сердцем появление на музыкальном небосклоне Андреева и его замечательного кружка Л.Н. Толстой, И.Е. Репин, М.Т. Савина, М.А. Балакирев, Ц.Л. Кюи, М.П. Беляев. Тесно сдружились и оказывали поддержку Андрееву и его детищу, совместно выступая в концертах, Ф.И. Шаляпин, Н.И. Фигнер, А.В. Нежданова, Л.В. Собинов, Е.А. Степанова, Е.В. Гельцер и др. Слава о замечательном «русском Штраусе», как назвал Андреева великий А. Тосканини, перешагнула российские границы. Основы репертуара для русского народного оркестра закладывались одновременно с его зарождением и первых полупрофессиональных ансамблей. Создателями репертуара, авторами первых обработок русских народных песен, оригинальных произведений, сочиненных специально для русского народного оркестра, были в первую очередь сам В.В. Андреев и блестящая когорта его ближайших друзей-сподвижников – Н. Фомин, В. Насонов, Н. Привалов, позже Ф. Ниман, П. Каркин, С. Крюковский. Как и все неординарные люди, В.В. Андреев сумел сплотить вокруг себя группу творческих людей, поверивших ему, загоревшихся благородной идеей создать дотоле неведомый оркестр, состоящий из исконно народных, столь не концертных инструментов, как балалайка и домра. Они потянулись к нему, как к магниту, привнося в инструментарий, в конструкцию инструментов, в репертуар различные новые формы, свое видение, профессиональное мастерство. Так, петербургским мастером Ф. Пасербским по указанию В. Андреева и на основе балалайки работы В. Иванова была сконструирована балалайка с хроматическим звукорядом, а вслед за тем построено целое оркестровое семейство балалаек: «пикколо», «дискант», «прима», «альт», «тенор», «бас» и «контрабас». В дальнейшем «пикколо», «дискант» и «тенор» были упразднены, но появилась балалайка «секунда». Окончательный состав оркестровых балалаек установился в следующем виде: «пикколо», «прима», «секунда», «альт», «бас» и «контрабас». Кроме «пикколо», перечисленный оркестровый балалаечный ряд применяется в настоящее время в исполнительской практике коллективов. Основным сольным инструментом является балалайка «прима». Некоторое количество сочинений написано специально для балалайки «бас» и «контрабас» (соло). Велика заслуга Андреева – основоположника и организатора первого Великорусского оркестра, но все же эта сторона его деятельности не была основной. Главной целью всей его жизни было просветительство посредством примитивной балалайки, усовершенствованной им до концертного инструмента, повышение всеобщей культуры народа, причем, в первую очередь, деревенской глубинки. Говоря об огромной бескорыстной работе, проводимой им и его сотрудниками среди тысяч солдат, обученных игре на балалайке, он отмечал, что это «лишь подготовительная работа к развитию и осуществлению главной идеи распространения коллективного занятия музыкой среди народа». В настоящее время наиболее крупными представителями исполнительского искусства игры на балалайке являются народный артист РФ, солист Академического национального оркестра им. Н. Осипова М. Рожков, Народный артист А. Тихонов, участник и солист Академического национального оркестра им. Н. Осипова, Народный артист РФ, профессор В. Болдырев и другие. Балалайка широко используется в различных ансамблях народных инструментов. В них она приобретает «классическое», «фольклорное» и «эстрадно-джазовое» лицо, но все же остается самобытным русским народным инструментом. У В.В. Андреева были не менее выдающиеся последователи. Особое место среди его сподвижников занимает Николай Иванович Привалов (1868–1928), деятельность которого чрезвычайно разнообразна и многогранна. Он известен как музыкант-этнограф, инструментовед, дирижер и композитор. В 1896–1913 гг. был музыкантом-исполнителем на гуслях звончатых, балалайке приме в Великорусском оркестре под руководством В.В. Андреева, разыскивал старинные русские народные инструменты, занимался их реставрацией и изучением. Им собрана и описана коллекция музыкальных народных инструментов, большая часть которой хранится в музеях Петербурга. В 1908–1919 гг. Н.И. Привалов – доцент Археологического института по музыкальному фольклору. После Октябрьской революции вел многогранную преподавательскую работу. Им опубликован ряд историко-этнографических исследований о музыкальных инструментах и написаны самоучители игры на гуслях звончатых (в 1903 г.) и на балалайке (в 1927 г.). Исследователи-инструментоведы проанализировали труды Н.И. Привалова по истории русского инструментария. Критикуется некоторый дилетантизм его работ, они высоко ценят разделы его трудов, посвященные бытованию русских народных инструментов и этнографические наблюдения автора. Привалов Н.И. – организатор и руководитель одного из самых крупных в Петербурге того времени любительского оркестра народных инструментов (1896–1914). Любительский оркестр под его управлением открыл новое направление в оркестровом исполнительстве, выразившееся в пропаганде музыкального народного творчества и фольклорных инструментов и нашедшее широкое применение в различных театральных формах – от сопровождения оперных спектаклей и театральных постановок до участия в лекциях и театральных представлениях, обрядах и игрищах. Тяготение к пропаганде народной песни, инструментальных наигрышей ясно прослеживается в репертуарной политике, проводимой в оркестре под руководством Н.И. Привалова. Пятнадцать лет (1902–1917) отдал Н.И. Привалов работе в Народном доме в Петербурге. Он был одним из инициаторов и авторов проекта организации бесплатных музыкально-хоровых классов попечительства о народной трезвости при Петербургском Народном доме. Его вера в силу воспитательного воздействия народной музыки послужила основой тому, что в классах популяризировались именно русские музыкальные инструменты – балалайка, домра, гусли. Им были созданы различные коллективы: великорусский оркестр; хоры – смешанный, женский, мужской; струнный оркестр; ансамбль рожечников; хор (ансамбль) гусляров и жалейщиков. Силами учащихся давались концерты, в наиболее крупных из них участвовало до 300 человек. Своей деятельностью в музыкально-хоровых классах Н.И. Привалов решал задачу широкого музыкального просвещения, популяризации русской народной музыки. В прессе отмечалось, что в том музыкальном развитии, которое дают ученикам Приваловские музыкальные классы, – отнюдь не цель, а только средство поднять, облагородить темные массы, среди которых проходит сейчас деятельность этой народной консерватории. О массовости и популярности музыкальных классов в Петербурге свидетельствует тот факт, что с 1902 по 1917 гг. через классы прошло около 10 тысяч учащихся. Он был одним из первых исследователей, которые полностью посвятили себя изучению русского народного музыкального творчества. Его научные интересы, огромная коллекция инструментов, глубокие знания старинной музыки и обрядов древней Руси способствовали бурному развитию этого направления в музыковедении. В своих исследованиях Н.И. Привалов в большей или меньшей степени затронул все без исключения русские народные музыкальные инструменты. Изучая современную ему практику бытования народных инструментов, он обращался к различным данным историографического, исторического характера. На протяжении десяти лет Н.И. Привалов работал над исследованием «Музыкальные духовые инструменты русского народа», первая публикация была подготовлена на основе текста доклада в 1903 г. Работа эта, чуть больше печатного листа, через несколько лет переросла в солидное исследование в двух частях, публиковавшееся в различных изданиях в 1906–1908 гг. В первом разделе Н.И. Привалов классифицирует инструменты по способу воспроизведения звука на три категории: свистящие, амбушюрные, язычковые. Автор приводит краткую историческую справку, считая древнейшими свистящие инструменты (свистки, флейты, дудки); высказывает интересное наблюдение, что свистящие инструменты (флейтовые) более распространены у окраинных народов русского государства, у коренного великорусского населения больше приживались бытовые амбушюрные язычковые инструменты. Исследователь приводит данные своих личных наблюдений над ансамблем или хором (как его тогда называли) владимирских рожечников Николая Кондратьева, дает описание духовых инструментов – брелки и свирели, которые использовал в своем оркестре В.В. Андреев. В статье «Ударные музыкальные инструменты русского народа (накры, бубен, барабаны, ложки, тарелки, трензель, варган, колокола)» Н.И. Привалов даст любопытную картину появления, применения и бытования этих инструментов. Его исследование о гудке служит современным инструментоведам основой для дальнейшего изучения древнего русского инструмента. Вертков К.А., в своей работе используя сведения Н.И. Привалова, расширяет круг источников (ХIХ в.), в которых упоминается и гудок. Привалов Н.И. доказал существование в Киевской Руси самостоятельной традиции сольной игры на смычковых инструментах. Таким образом, его работа и сегодня является важным источниковедческим материалом для исследователей. В исследовании «Лира» целая глава посвящена бытованию лиры в Малороссии. Как и в предыдущих его работах, особый интерес представляют сведения об использовании лиры в народном быту ХIХ в. На страницах оживают фигуры знаменитого малороссийского бандуриста Остапа Вересая, лирника Марченко, Андрея Шута. В своей работе, полное название которой «Танбуровидные музыкальные инструменты русского народа. Очерк их происхождения, появления на Руси и существования (домра, балалайка, лютна, кобза, бандурка, бандура, торбан, мандолина, гитара)», Н.И. Привалов ставит задачу пополнить новыми данными труд профессора А.С. Фаминцына о танбурах («Домра и сродные ей музыкальные инструменты русского народа»), представить восстановленные В.В. Андреевым музыкальные инструменты, обогатить историографию русских народных музыкальных орудий этнографическими материалами, найденными в живом народном быту. Впервые в литературе по инструментоведению Н.И. Привалов включает в число русских народных инструментов бандурку, представляющую собой маленькую пятиструнную гитару, имеющую распространение на Урале. В связи с большим распространением у русского народа танбуровидных инструментов – мандолины, торбана, гитары, Н.И. Привалов включает их в свое исследование. Наиболее обстоятельной среди его инструментоведческих работ является исследование о русских духовых инструментах. Им подготовлено к изданию два тома с многочисленными рисунками, фотографиями, нотными примерами. Привалов Н.И. первым ввел ложки в Великорусский оркестр. Они были использованы им в пляске скоморохов на уральскую тему «Полянка» в его опере «На Волге» (1902). Обзор инструментоведческих работ Н.И. Привалова позволяет сделать вывод о том, что многие положения, факты, наблюдения, сделанные ученым-инструментоведом, до сегодняшнего дня сохраняют свое значение как для исследователей, музыкантов-профессионалов, так и для руководителей самодеятельных оркестров, то есть для того круга людей, чьи научные, профессиональные, личные интересы целиком отданы пропаганде, исполнительству и изучению русских народных инструментов. Осип Устинович Смоленский – русский музыкант-самородок, организатор и руководитель самобытного хора (ансамбля) гусляров, исполнитель-виртуоз на гуслях звончатых и жалейке, создатель ансамблевых разновидностей гуслей и один из первых преподавателей на них, солист Великорусского оркестра В.В. Андреева. Он родился в 1872 г. в небольшой деревне Хворостово, в Гдовском уезде Псковской губернии. Вспоминая о своем детстве и объясняя свое увлечение народными музыкальными инструментами, он много позже напишет В.В. Андрееву следующие слова: «Огонь… горел во мне с 10-летнего (если не раньше) возрасту». Однажды Осип увидел у старого бродячего музыканта-странника старинные гусли. Инструмент был совсем простой, семиструнный, но, тем не менее, запал в душу мальчика. «Как-то раз по уходе его, – вспоминает О.У. Смоленский, – я соорудил и себе гусли – род коробочки чуть ли ни в четверть аршина квадрату кругом, высотой же с вершок и натянул три (простой проволоки) струнки, на остальные же две «струн» не хватило – то я умудрился и отчесал чуть ли не полхвоста у отцовской клячонки, и начал тренькать и веселить моих сверстников, ванек, гришек, матрешек». Увлечение инструментом росло и очень скоро Осип научился мастерить гусли разных размеров. Год от года О.У. Смоленский улучшал свои гусли, понимая, что при наличии небольшого количества струн исполнительские возможности инструмента не давали сколько-нибудь ощутимого эффекта даже при игре простых народных наигрышей и песен. В 1893 г. О.У. Смоленский приехал на заработки в Петербург и начал трудиться в артели каменщиков, затем кочегаром. Тяжелый труд не оставлял времени для творчества. Все свободное время О.У. Смоленский посвящает самообразованию и совершенствованию игры на гуслях. Он много читает, очень интересуется и следит за деятельностью В.В. Андреева. Вскоре О.У. Смоленский изготовил гусли с 10 струнами и несколько изменил свою манеру игры – не пальцами, а плектром. Игра самоучки-гусляра находит признание. В кругу местной «аристократии», состоящей из кухарок, кучеров, горничных, пожарных и разных кумушек, рос авторитет музыканта, равно как и его исполнительское мастерство. В 1895 г. О.У. Смоленский решает сделать инструмент вдвое меньше прежних гуслей и октавой выше по звучанию. На новых гуслях он быстро учит играть местного водопроводчика Лавруху и уже вдвоем с ним продолжает выступать на местных любительских вечерах. Вскоре появляются еще одни гусли, размеры их больше первых, и звучат они уже на октаву ниже. В качестве исполнителя на них Осип Устинович обучает сына соседа-сапожника. Так рождается первое трио на гуслях звончатых. В 1897 г. трио выступает в балаганах, располагавшихся в то время на Преображенском плацу. Гусляры сопровождали выступление марионеток. В 1898 г. выступление в балаганах повторилось, но уже на Семеновском плацу. Именно здесь один из случайных слушателей советует О.У. Смоленскому познакомиться с В.В. Андреевым. Однако встреча с В.В. Андреевым состоялась несколько позже. В 1899 г. О.У. Смоленский выступает уже на настоящей сцене Петровского парка. А в 1900 г. гусляры попадают в труппу Козлова в качестве аккомпаниаторов певцам и в течение двух лет выступают на сцене только что открывшегося Народного дома, принимают участие в дивертисментах. Наконец, случай сводит гусляра с В.В. Андреевым. 10 декабря 1900 г. О.У. Смоленский, захватив своего лучшего ученика Костю Дмитриева, впервые приехал к В.В. Андрееву. На репетиции присутствовал Н.И. Привалов, который заинтересовался гуслями, сделанными О.У. Смоленским, и по просьбе В.В. Андреева впоследствии во многом помог в совершенствовании гуслей звончатых. Вскоре О.У. Смоленский, следуя ценным советам и указаниям Н.И. Привалова, сделал новые образцы гуслей, более низких по звучанию (альтовые и басовые), снабдив их канительными струнами, и по собственной инициативе создал хор гусляров, состоявший из шести исполнителей.... Хор гусляров, при содействии режиссера А.Я. Алексеева, принимает участие в дивертисментах Народного дома. В 1902 г. Н.И. Привалов приглашает О.У. Смоленского вести преподавание гуслей в бесплатных классах Попечительства о народной трезвости, а В.В. Андреев предлагает учить игре на гуслях солдат Сводного Гвардейского батальона и принимать участие в совместных выступлениях с балалайками. В ноябре 1902 г. О.У. Смоленский оставляет службу кочегара и поступает в Великорусский оркестр В.В. Андреева. Начинается новая интересная жизнь: в качестве руководителя хора гусляров и жалеечников, солиста-исполнителя, мастера-изобретателя и преподавателя. Несмотря на то, что О.У. Смоленский был самоучкой и по существу музыкально необразованным человеком, он официально занимал место преподавателя. Привалов Н.И., организатор и ректор бесплатных музыкально-хоровых классов для рабочих и крестьян в Петербурге с 1902 по 1917 г., отмечая музыкальную одаренность О.У. Смоленского, писал: «Преподавателем игры на гуслях звончатых был бывший пастух Гдовского уезда Осип Устинович Смоленский – великий виртуоз-гусляр и весьма одаренный от природы музыкант». Попытки О.У. Смоленского постичь музыкальную грамоту, к сожалению, окончились не совсем удачно. В 1906 г. О.У. Смоленский создал хор жалеечников. Этот новый коллектив выступил впервые в Народном доме, впоследствии часто принимал участие в концертах, преимущественно благотворительных. Вскоре О.У. Смоленский решает объединить гусли и жалейки и выступает единым ансамблем, именуемым Народный хор Гдовских гусляров. 3 мая 1909 г. по инициативе В.В. Андреева хор в роскошных костюмах с певцом-«баяном» выступил в Народном доме. Причем, по идее организаторов, гусляры в течение вечера выступали дважды: на сцене и в Таврическом саду. Концерт имел ошеломляющий успех. 1909 г. в творческой судьбе О.У. Смоленского был удачным. Серия концертов вызвала немалый интерес к народному хору Гдовских гусляров. В период войны 1914 г. О.У. Смоленский со своим ансамблем принимал участие в разного рода благотворительных концертах. Царь оценил эту работу высоко, наградив его Большой золотой шейной медалью на Александровской ленте и золотыми часами с государственным гербом за участие в патриотических концертах. Уже на склоне своей исполнительской деятельности О.У. Смоленский по-прежнему оставался сторонником принятой тогда моды часто бывать на людях в исконно русском одеянии; в отношении своих взглядов и убеждений придерживался славянофильских веяний и был приверженцем монархии. Кроме участия в патриотических и разного рода благотворительных концертах, не дававших средств к существованию, О.У. Смоленский со своими гуслярами продолжает выступать и в других театрализованных мероприятиях. Вся жизнь этого удивительного человека была отдана служению искусству, пропаганде и популяризации национального инструмента. Среди современников О.У. Смоленского выделяется фигура Н. Голосова, организовавшего в 1910 г. в Санкт-Петербурге «хор» гусляров, в котором начинал свой творческий путь П. Шалимов, во многом предвосхитивший систему начатого индивидуального обучения игре на гуслях. Шалимов П. активным педагогическим творчеством повлиял на возрождение интереса к гуслям звончатым не только в Санкт-Петербурге, но и через своих учеников во многих других регионах России. Среди его учеников были такие известные музыканты и педагоги, как В. Белявский, Д. Локшин, В. Тихов. С исполнительством гусляра-виртуоза В. Тихова связана целая эпоха в развитии гусельного искусства 40–90-х гг. ХХ в. Достоянием широкой музыкальной общественности и любителей народной музыки стала его книга «Гусли звончатые Валерия Тихова. Жизнь. Творчество. Наследие мастера», обобщившая опыт многих поколений музыкантов, вобравшая в себя лучшие исполнительские традиции на исконно русском народном инструменте. В настоящее время среди ведущих коллективов, использующих звончатые гусли, по праву можно выделить государственный академический ансамбль гусляров (худ. руководитель – Народный артист РФ, профессор Ю. Евтушенко), ансамбль гусляров (худ. руководитель – лауреат международных конкурсов Л. Жук). Академический национальный оркестр им. Н. Осипова (худ. руководитель – Народный артист РФ, профессор Н. Калинин), академический оркестр Всероссийской государственной телерадиокомпании (худ. руководитель – Народный артист СССР, профессор Н. Некрасов) и многие другие коллективы. Гусли прямоугольные (столообразные) – прямой потомок гуслей шлемовидных, наивысший этап развития древнерусской гусельной культуры. В начале ХХ столетия этот вид гуслей был усовершенствован. В 1914 г. музыкант, просветитель Н. Фомин приспособил для прямоугольных гуслей простую, остроумно сконструированную и надежную в работе клавишную механику. Благодаря этому изобретению при наборе левой рукой на клавишах нужного аккорда освобождаются соответствующие струны во всех октавах. Проводя по струнам плектром (специальный медиатор), извлекают звук. Для лучшей устойчивости строя этих гуслей, получивших название клавишных, применяется металлическая рама, подобная фортепианной. Поскольку клавишные гусли Н. Фомина – гармонический инструмент, его используют в оркестрах в паре с мелодико-гармоническими прямоугольными гуслями хроматического строя. Клавишные гусли сегодня стали неотъемлемой частью инструментария практически всех народных оркестров России. Неоценимый вклад в развитие клавишных гуслей внесла солистка Академического национального оркестра им. Н. Осипова, Народная артистка РФ, композитор В. Городовская. ХХ в. раскрыл неисчерпаемые потенциальные возможности гуслей в качестве ансамблевого и оркестрового инструмента. Именно в коллективном исполнительстве гусли обрели свой «ренессанс». В 1870 г. возник хор рожечников Н.В. Кондратьева, который в самом начале состоял из нескольких энтузиастов-любителей. Они собирались вместе, «для потехи и удовольствия ради», крестьяне пели старинные русские песни, исполняли наигрыши. Постепенно хор начинает выезжать с концертами в соседние губернии. Наконец, владимирские рожечники попадают на Нижегородскую ярмарку, и здесь их выступления уже выходили за пределы любительских концертов. Гастроли на ярмарке в Нижнем Новгороде открыли дорогу рожечникам в крупные города России. Выступления в Петербурге показали возросшее мастерство хора под руководством Н.В. Кондратьева и воспринимались взыскательной публикой столицы как интересное новое явление народного музицирования. В свободные месяцы рожечники разыгрывают песни на ярмарках своей губернии, в Нижнем Новгороде, в Москве, остальное время проводят за сохой и бороной в своем селе. Инструменты, на которых играют рожечники, – простые дудки, рожки, длиною от фута до трех; в каждом не менее четырех и не более одиннадцати отверстий. Звуки до такой степени были схожи с человеческими голосами, что многие, не видя самих музыкантов, предполагали, что они поют, а не играют. Ансамбль Владимирских рожечников под руководством Н.В. Кондратьева дебютировал на открытой сцене петербургского сада «Аркадия». Популярность хора рожечников росла, как снежный ком, о владимирских крестьянах-музыкантах говорили, на них установилась мода, многие считали для себя обязательным непременно их послушать и увидеть. В первый свой приезд в Петербург в 1883 г. коллектив пробыл там с июля по сентябрь, выступая на сценах летних садов во время народных гуляний, на эстрадах лучших столичных садов «Аркадия» и «Ливадия», а в ночное время в ресторанах этих парков. В 1884 г. ансамбль рожечников демонстрирует свое искусство во Франции, где, как писали газеты, владимирцы имели «бешеный успех». В исполнении хора рожечников парижане услышали «Марсельезу». Вернувшись в Россию, несколько сезонов подряд ансамбль рожечников под руководством Н.В. Кондратьева выступал (уже в зимнее время) то в Петербурге, то в Михайловском манеже во время масленичных гуляний, то на Марсовом поле. Следует отметить, что именно в этот период нередко хор рожечников объединялся с известным ансамблем песенников и плясунов, руководимым Г. Орловым. Это творческое объединение было одним из первых опытов смешанного ансамбля и ярким проявлением демократических традиций национального искусства. Выступления, как правило, имели большой успех.... В летнее время (а с 1890 г. постоянно) ансамбль Владимирских рожечников неизменно выступал на знаменитой Нижегородской ярмарке. Примечательно, что с ансамблем Н.В. Кондратьева в то время конкурировал не менее популярный хор рожечников, созданный великолепными мастерами-солистами на рожках – братьями Петром и Николаем Бахаревыми. В конце 90-х г. XIХ столетия с искусством Владимирских рожечников познакомился В.В. Андреев и даже предлагал ввести инструменты в Великорусский оркестр. Андреев В.В. высоко оценил искусство рожечников, считая, что они «… представляют особый интерес, так как создают чистейший образец народной передачи, в смысле мелодии и гармонии, и в особенности со стороны ритма со всей его причудливостью и неуловимым разнообразием». В 1897 г. Е.Э. Линева записала хор рожечников на фонограф. Благодаря ей мы имеем возможность в настоящее время услышать уникальный ансамбль рожечников, хотя сама запись несовершенна. Линева Е.Э. подтвердила мнение своих предшественников и еще раз установила близость склада и тембра «песенного оркестра» (как она называла ансамбль Владимирских рожечников) народному хоровому исполнению. Она считала, что ансамбль рожечников «служит доказательством и примером существования своеобразного народного контрапункта». В начале девятисотых годов рожечники выступали в Москве, затем в Петербурге на кустарной выставке, которая проходила в помещении Таврического дворца. Эти выступления имели огромный успех. Хор, руководимый Н.В. Кондратьевым, выступал вплоть до конца 90-х г., затем ансамбль продолжал свою деятельность, и им руководил сын Николая Васильевича – Р.Н. Кондратьев вплоть до 30-х гг. прошлого века. Домра является ведущим инструментом струнной группы народного оркестра. Этот старинный инструмент упоминался часто, однако первое его серьезное изучение предпринял историк музыки А. Фоминцын. Он классифицировал его как струнный (щипковый) инструмент. В сохранившихся материалах о государевой потешной палате встречаются многочисленные сведения о домрах, «струнах домерных», домрачеях (исполнителях на домре). Приведенные в работах Забелина записи дворцовых расходов ХVII в. документируют активное использование этих инструментов. Домра просуществовала на Руси в качестве профессионального инструмента примерно около двух столетий (ХVI – конца ХVII вв.). Постепенно эти инструменты уходят из оборота, и в произведениях устного народного творчества домра почти не упоминается. Возрождение этого инструмента также связано с деятельностью В.В. Андреева. Один из солистов его оркестра А. Мартынов в 1895 г. вывез из Вятской губернии трехструнный музыкальный инструмент с резонаторным корпусом полусферической формы. Он представлял собой один из типов народной балалайки, но был ошибочно принят за образец древнерусской домры и подвергнут усовершенствованию. В результате этого появилось семейство оркестровых разновидностей, получивших название «домра». Оркестровые домры так называемого «андреевского» образца имеют корпус в виде полушария, короткую шейку с закрепленными ладами, расположенными в хроматической последовательности. Игра по струнам производится с помощью медиатора. В оркестре используются домры «пикколо», «прима», «альт», «тенор», «бас» и «контрабас», каждая из которых имеет свою настройку струн. В свою очередь домры малая, альтовая и басовая получили распространение в сольной исполнительской практике. Вместе с тем, их активно применяю и в ансамблевом исполнительстве. Григорий Павлович Любимов (псевдоним, настоящее имя – Модест Николаевич Караулов) – заслуженный артист РСФСР, один из видных деятелей в области народного музыкального искусства, создатель квинтовой четырехструнной домры и исполнитель на нем, организатор Государственного квартета четырехструнных домр, руководитель и дирижер Государственного оркестра старинных русских инструментов. Родился в Петербурге 26 января 1882 г. в семье учителя. В 1889 г. семья Карауловых переезжает в Псков. Здесь семилетний Модест присутствует на концерте балалаечников под управлением В.В. Андреева. В юношеские годы М.Н. Караулов учится в музыкально-драматическом училище при Московской филармонии по классу смычкового контрабаса и, добывая средства к существованию, работает слесарем, столяром, смазчиком. За участие в революционных событиях 1905 г. М.М. Караулов преследовался и вынужден был сменить имя и фамилию. Он становится Григорием Павловичем Любимовым и устраивается дирижером оркестра к известному меценату, большому любителю народных инструментов Д.И. Гучкову. Затем Г.П. Любимов работал около двух лет дирижером оркестра так называемого «андреевского» состава (трехструнные домры и балалайки). В это время он пытается расширить исполнительские возможности домры, приблизить ее к скрипичному репертуару, создать четырехструнную домру с квинтовым строем. Совместно с музыкальным мастером Сергеем Федоровичем Буровым такая домра была сконструирована в 1908 г. С появлением четырехструнной домры с квинтовым строем стало возможно исполнение скрипичного репертуара на этом инструменте, а это, как считал Г.П. Любимов, способствовало широкому приобщению народных масс к классическому музыкальному наследию. Концерты, в которых принимал участие оркестр Любимова, как правило, были смешанными. Наряду с солистами-инструменталистами в них принимали участие певцы-вокалисты и чтецы. Продолжая работать в качестве дирижера «андреевского» оркестра, Г.П. Любимов решает организовать ансамбль – квартет четырехструнных домр. Не позднее 1915 г. такой квартет был создан. В его состав входили: Г.П. Любимов – домра прима, С.Н. Тэш – домра альт, С.Е. Таль – домра тенор, Н.П. Кудрявцев – домра бас. Квартет сразу зарекомендовал себя как зрелый профессиональный коллектив, с которым начали постоянно выступать известные в то время певцы. Известные музыканты и деятели искусства А.Т. Гречанинов и А.Д. Кастальский специально для квартета сделали обработки народных песен. Музыкальный критик Ю.Д. Энгель поместил ряд рецензий в «Русских ведомостях», отмечая профессиональный уровень коллектива, его серьезную работу и саму форму народного музицирования, в которой так удачно сочетались инструментальная и вокальная стороны исполнения. Стремления Г.П. Любимова продвинуть в массы сконструированную им квинтовую домру, которую он считал наиболее полезным музыкальным инструментом для приобщения народа к музыке в предреволюционный период наталкивались на определенные трудности. В советское время Г.П. Любимов был известен как крупный деятель Наркомпроса, сделавший много для музыкального просвещения и пропаганды народного инструментального искусства. С момента реконструкции домры и ее введения в Великорусский оркестр В.В. Андреева в конце ХIX столетия до настоящего времени домра зарекомендовала себя как совершенный инструмент, которому подвластно звучание всех тонких струн широкой русской души. Неповторимость ее тембра, виртуозность исполнения, проникновенность звука до сих пор вызывают восторг у слушателей как в России, так и за рубежом. Подлинным продолжателем лучших исполнительских традиций на этом инструменте по праву считается музыкант-виртуоз, Народный артист РФ, композитор А. Цыганков. Эти и другие менее известные подвижники народного инструментального творчества заложили основу созданию многочисленных творческих коллективов, возникавших практически в каждом населенном пункте России. Народные инструменты благодаря им стали известны, популярны, любимы. Новая волна интереса к русским народным духовым инструментам возникла в 70-е гг. ХХ в., когда в Москве появились два интересных исполнительских коллектива – оркестр народных инструментов «Русские узоры» под управлением Народного артиста РФ В. Зозули и инструментальный ансамбль «Жалейка» под управлением Народного артиста РФ В. Назарова. Если в первом коллективе ведущими музыкальными инструментами стали жалейки, брелки, свирели, на которых играют все участники оркестра, то в состав второго наряду с жалейками были включены также владимирские рожки. За прошедшие годы в оркестре «Русские узоры» было создано целое семейство жалеек, брелок, свирелей, имеющих различный строй. В результате стало возможным использование этих инструментов почти во всех тональностях и в широком диапазоне. На Московской экспериментальной фабрике музыкальных инструментов налажен их выпуск. В настоящее время духовые инструменты нашли широкое применение в разнообразных ансамблевых формах исполнительства. Многие профессиональные и любительские коллективы с успехом используют различные духовые народные инструменты, оживляя тем самым тембральную палитру звучания, что позволяет в значительной степени расширить репертуарные возможности и приобрести неповторимое самобытное творческое лицо. Среди многочисленных профессиональных исполнителей следует отметить М. Вахутинского – виртуоза, композитора, прекрасного аранжировщика и педагога. Его многогранная исполнительская, просветительская и педагогическая деятельность, большое количество музыкального репертуара в огромной мере способствовали расширению современного бытования духовых народных инструментов. К инструментам струнной (щипковой) группы, дошедших до наших времен и получивших широкое распространение и популярность, относится балалайка. Первые образцы народной (не модернизированной) балалайки конца ХIХ – начала XX столетий представляют собой трехструнный щипковый инструмент, преимущественно с треугольным, усеченным внизу корпусом и сравнительно недлинной шейкой, заканчивающейся головкой в виде прямоугольника или завитка. Клавишно-духовые язычковые инструменты (гармоники) в середине ХIХ в. во многих странах, прежде всего в европейских, получили большое распространение. Эти инструменты в различных регионах развивались с учетом национальной музыкальной специфики. В Англии этот инструмент называли концертино, в Австралии – аккордеон, в Германии – банданеон, в России – баян. Все разновидности отличаются друг от друга формой, размерами, клавиатурой, диапазоном, конструкцией, но, тем не менее, их объединяет общий родовой признак: они относятся к так называемым клавишно-духовым язычковым инструментам, все они – гармоники. Первые образцы ручных и губных гармоник в России появились в 30–40-е гг. ХIХ столетия и буквально в течение нескольких лет проникли почти во все уголки страны. Инструмент пришелся по вкусу широким массам благодаря небольшим размерам, сильному звуку, относительной легкости овладения. Главным преимуществом перед другими народными инструментами была возможность одновременного исполнения, мелодии и аккомпанемента. К концу ХIХ в. начинает преобладать так называемая «городская песня». Простота строения напева, четкая ритмика принципиально отличали этот вид песни от старинных образцов: в его основе был гомофонно-гармонический склад. И такой портативный и недорогой инструмент, как гармоник, пригодный для аккордового сопровождения, пришелся по вкусу. Этим, в частности, объясняется популярность гармоники и ее быстрое распространение особенно среди населения городских окраин России. На рубеже ХIХ–XX вв. в России появляются многочисленные разновидности гармоники. Их устройство отражало специфику инструментально-песенной культуры конкретного региона. В частности, особенностями устройства и тембра обладают «азиатские», «бологоевские» «елецкие рояльные», «кабардинские», «касимовские», «ливенские», «московские рояльные», «невские», «татарские», «тульские», «черепашки» и др. Первые образцы русских гармоник отличались оригинальностью и хорошим качеством, внешне они были привлекательны, но имели существенный изъян – в них отсутствовал хроматический строй, и это, естественно, ограничивало их музыкально-художественные возможности. Создание гармоник с хроматическим строем явилось первым и важным шагом на пути совершенствования инструмента. Русский город Тула – родина хроматической гармоники – был одним из промышленных центров страны, который являлся основным поставщиком гармоник. Их производство было сконцентрировано в Чулковской слободе.... Создателем первой в России хроматической гармоники принято считать Н. Белобородова, который в 1875 г. организовал первый в России «Оркестр гармонистов». Оркестровый ряд гармоник выглядел следующим образом: «прима», «секунда», «флейта-пикколо», «альт», «виолончель», «бас», «контрабас». Впоследствии оркестры гармоник получили широкое распространение во многих регионах России. В начале ХХ столетия (1907 г.) петербургский гармонист, мастер П. Стерлигов в содружестве с известным гармонистом Я. Орландским-Титаренко сконструировали хроматическую гармонику, которая была названа именем древнерусского поэта-певца Баяна. Вскоре баяны начали изготавливать гармонные мастера из других городов России. Действуя совместно с исполнителями, они вносили дальнейшие улучшения, создав, в конце концов, хотя и сложный, но вполне совершенный инструмент. Гармоника в сфере совершенствования своей конструкции по многим параметрам обогнала своих сородичей по народно-инструментальному цеху. И действительно, современный баян представляет собой и «хор», и «оркестр», заключает в себе широкий спектр многогранной тембральной палитры, которой подвластны различные стили и жанры классической, народной и современной музыки. Определенным итогом в совершенствовании конструкции инструмента явилось появление многотембрового готово-выборного баяна, который в значительной степени повлиял на расширение репертуарного диапазона всего народно инструментального искусства.... Впервые в России в Московском государственном университете культуры и искусств в 1997 г. был открыт класс гармоники, первым выпускником которого стал лауреат всероссийских и международных конкурсов, ныне заслуженный артист РФ Г. Калмыков. Современными, известными во всем мире исполнителями на гармониках являются лауреат всероссийских и международных конкурсов, заслуженный деятель искусств РФ педагог, член Союза композиторов РФ Е. Дербенко, лауреаты всероссийских конкурсов С. Сметанин и С. Привалов. Выдающимися баянистами также являются народный артист СССР Ю. Казаков, народный артист СССР, профессор А. Полетаев, лауреат всероссийских и международных конкурсов, Народный артист РФ, профессор Ф. Липс, лауреат всероссийских и международных конкурсов, заслуженный артист РФ Ю. Вострелов и др. Самыми древними этническими инструментами являются ударные. По принципу звукообразования они подразделяются на две группы – мембранные (х – бубны, барабаны и другие) и самозвучащие – било, ложки, рубель, колокола и др. Еще одной структурой, возможной для классификации ударных инструментов, являются три группы: Инструменты, созданные как сигнальные, но затем используемые в ратном деле, на охоте, в пастушестве, в быту в качестве шумового орудия или сигнального приспособления. Собственно музыкальные ритмизирующие сопровождения пения или танца. Предметы быта, используемые в качестве музыкальных ударных инструментов. Остановимся на характеристике этих инструментов. Одним из древнейших является самозвучащий инструмент под названием било. Первые сведения о нем относятся к ХI в. Било использовалось в качестве сигнального инструмента. В этой функции оно просуществовало, например, в раскольничьих скитах вплоть до нашего столетия. Бытовало две разновидности – великое било и малое било. Великое било представляло собой толстую доску длиною до 8 м, подвешенную на двух цепях. По ней бьют равномерно специальной колотушкой. Малое било (клепало) – это двухметровая доска шириной 10 см. Оно имеет форму двухлопастного пропеллера с выемкой посередине для держания инструмента. Ударяют в малое било также деревянной колотушкой. Исследователь С.В. Смоленский утверждал, что клепание в било – это «первичная форма колокольного звона». Колокол – родственник древнерусского била. Первое упоминание о нем относится к ХI в. В ХV в. западноевропейские путешественники пишут о русских звонах как о характерном национальном явлении. Кроме церковно-ритуальной, колокола выполняли политическую, гражданскую, военную функции. Об этом говорят названия колоколов: «осадный», «всполошный», «вечевой». Колокола различаются по весу – малые зазвонные (4–80 кг) и большие зазвонные (130–400 кг). Большие колокола: повседневный (1600–8000 кг), полиелейный (8–11 т), воскресный (до 16 т), праздничный (16 т и более). Льют колокола из специальной колокольной бронзы. В русском колоколе, в отличие от западноевропейского, подвижной частью является язык, а не сам корпус. От языка колокола идут веревки, как в руки звонарю (от малых колоколов), так и к перекладинам колокольни (от средних) и к ножным педалям. Стоя на одной ноге, опытный звонарь попеременно нажимал другой ногой педали, а локтями и запястьем приводил в движение языки больших и малых зазвонных колоколов. Бубен ратный – металлический котел с натянутой кожаной мембраной. Удар по мембране производился с помощью вощяги-колотушки в виде кнута с плетеным шаром на конце. Использовались разновидности ратных бубнов – тулумпас и набат, перевозили их на лошадях. Применялись бубны для звуковой связи и подачи команд в древнем русском войске для устрашения врага. Пастуший барабан – цельная деревянная доска со слегка скошенными или закругленными верхними углами. Материалом для изготовления служит ель, сосна. Размеры инструмента достаточно свободны: длина – 50–100 см, ширина – 25–40 см, толщина – 1,5–6 см. Инструмент подвешен на шее при помощи ремешка или веревки и располагается горизонтально на уровне пояса. Играют на барабане двумя деревянными колотушками длиной 20–35 см. Звуками барабана пастух извещал людей о том или ином моменте процесса пастьбы стада. Нередко инструмент сопровождал пляску и пение. Широкое распространение он получил у пастухов в средней полосе России. Трещотка – ударный инструмент, имитирующий хлопки в ладоши. Вероятно, был создан специально как музыкальный инструмент. Первое упоминание о трещотке в письменных источниках встречается в ХVIII в. Районы бытования инструмента – преимущественно южные области России. Существует предположение, что на Руси она использовалась как шумовое приспособление; представляет собой набор деревянных пластин в количестве от 14 до 22 штук, нанизанных на две веревки. Пластины изготавливаются из твердых древесных пород: дуба, клена, ореха. Длина пластины – 14–17 см, ширина – 5–9 см, толщина – 0,5–0,6 см. Приемы игры на ней весьма разнообразны. Существует круговая трещотка (Raganella), широко используемая в симфонической музыке. Эпизодически применяют её и в народных оркестрах, и ансамблях. Бубен скомороший – возник в среде бродячих музыкантов. Он представляет собой неширокую деревянную обечайку круглой формы с натянутой на одной стороне кожаной мембраной и подвешенными с внутренней стороны колокольчиками. Скоморохи и медвежьи поводыри при игре на бубне применяли различные приемы и фокусы: подбрасывая и схватывая его на лету, били бубном то по своим коленкам, то по голове, ударяли по мембране либо обечайке кистью руки, локтем, пальцами, делали тремоло и «вой», проводя по мембране большим пальцем правой руки. Часто вместо бубна в руках скомороха оказывался двусторонний барабан, что нашло отражение в миниатюре ХVI в. «Игрище славян вятичей» (Радзивиловская летопись). К третьей группе инструментов следует отнести предметы домашнего обихода, при определенных условиях становящиеся ударными музыкальными инструментами. К ним относятся ложки, тазы, сковороды, рубель, ухваты, коса и др. Практически любой предмет домашней утвари на праздничном гулянии мог стать музыкальным инструментом, однако только некоторые из них получили своё второе рождение и стали изготавливаться в чисто музыкальных целях. Ложки – для музыкальных целей их изготавливают из твердых пород дерева (дуб, ясень, клен, бук). Музыкальные ложки имеют удлиненные рукоятки, иногда вдоль рукоятки привешивают бубенцы. Игровой комплект состоит из двух – четырех ложек. Приемы игры достаточно разнообразны. В русских печатных изданиях ХVIII в. появляются первые сведения о них. Рубель – изогнутая доска длиной около полуметра с ручкой. На выпуклой стороне нарезано множество поперечных ребринок. В быту рубель использовали для разглаживания белья. Одной рукой держат инструмент за ручку, другой рукой – ложку либо деревянную полочку, которой быстро проводят по ребристой стороне. Возможны отдельные удары по различным местам инструмента. Этот музыкальный инструмент в настоящее время несколько отошел от своего прообраза – он не имеет изгиба, для улучшения акустических характеристик в одном из торцов по длине вырезается резонаторная щель. Ухват – приспособление, при помощи которого ставили и вытаскивали из русской печи чугуны и горшки. Торцами ухватов отбивали об пол плясовые ритмы. На верхнем конце каждого древка приспосабливают по две тарелочки от бубна. Сочетание глухих ударов об пол с позвякиванием напоминают танец в сапогах со шпорами. Отсюда – второе название этого инструмента – шпоры. Рогач – приспособление для сушки кухонной посуды, применяется в деревнях Орловщины в качестве ударного инструмента. Коса – на ней играют, предварительно сняв с древка. Одной рукой держат косу за основание острием вниз, другой рукой – большой гвоздь и выбивают о косу различные ритмы. Инструмент бытовал в селах Воронежской, Курской и Белгородской областей. Возросший интерес к песенному и инструментальному фольклору вызвал к жизни многочисленные исследования, связанные с собиранием песенного фольклора, инструментальных наигрышей и инструментария. Аккумуляция этих данных позволит более активно вести работу по возрождению народных музыкальных традиций и их дальнейшему развитию. СПИСОК ИСПОЛЬЗУЕМОЙ ЛИТЕРАТУРЫ 1. Аникин, В.П. Русская народная сказка / В.П. Аникин. – М., 1977. 2. Аникин, В.П. Русские народные пословицы, поговорки и детский фольклор / В.П. Аникин. – М., 1957. 3. Аничкин, В.П. Русский богатырский эпос / В.П. Аничкин. – М., 1964. 4. Былины. – М., 1969. 5. Голубиная книга. Русские народные духовные стихи. – М., 1991. 6. Жанровая специфика фольклора. – М., 1984. 7. Исенко, С.П. Русский народный костюм и его сценическое воплощение / С.П. Исенко. – М., 1999. 8. Климов, А. Основы русского народного танца / А. Климов. – М., 1994. 9. Кравцов, К.Н. Русское устное народное творчество / К.Н. Кравцов, С.Г. Лазутин. – М., 1983. 10. Мельников, М.Н. Детский музыкальный фольклор / М.Н. Мельников. – М., 1987. 11. Науменко, Г. Русское народное музыкальное творчество / Г. Науменко. – М., 1988. 12. Попова, Т. Основы русской народной музыки / Т. Попова. – М., 1977. 13. Попова, Т. Русское народное музыкальное творчество / Т. Попова. – М., 1968. – Вып. 1, 2. 14. Руднева, А.В. Русское народное музыкальное творчество / А.В. Руднева. – М., 1994. 15. Савушкина, Н.И. Русский народный театр / Н.И. Савушкина. – М., 1976. 16. Смирнов, И.В. Искусство балетмейстера / И.В. Смирнов. – М., 1986. 17. Терещенко, А. Быт русского народа / А. Терещенко. – М., 2000. 18. Уткин, П.И. Народные художественные промыслы / П.И. Уткин, Н.С. Королева. – М., 1992. 19. Фольклорный театр. – М., 1988, 20. Христиансен, Л. Уральские песни / Л. Христиансен. – М., 1981. 21. Шпикалова, Т.Я. Народное искусство на уроках декоративного рисования / Т.Я. Шпикалова. – М., 1979. 22. Щуров, В.М. Стилевые основы русской народной музыки / В.М. Щуров. – М., 1998. |