Курсовая по актерскому мастерству 2 курс 1 семестр. Специфические особенности театрального искусства и актерского мастерства
 Скачать 62.83 Kb.
|
Специфика театрального искусстваИскусство сцены, родившись в глубокой древности, в разные времена собирало зрителей, чтобы то развлекать, то воспитывать, то проповедовать. С этими задачами театр справлялся благодаря своим многообразным возможностям и мощной силе воздействия. Театральное искусство является не только формой общественного сознания, но и относится к числу одной из важнейших сфер общественной жизни нации. «Театр – вид искусства, художественно осваивающий мир через драматическое действие, осуществляемое актерами на глазах у зрителей», – пишет Ю. Борев. Театр как способ художественного отражения действительности по природе своей – искусство публичное, требующее коллективного восприятия и создающее вокруг себя общественную среду. Воздействуя на зрителя системой художественных образов, которые складываются из творений драматурга, режиссера, актера, художника, театр, в конечном счете, отражает состояние культуры, общественной жизни в целом. Расцвет или упадок театра, развитие в нём тех или иных тенденций, идей, форм, само место театра в жизни общества и характер его связей с современностью обусловлены особенностями социальной структуры общества, его духовными запросами. [2, с. 111]. Слово «театр» было заимствовано в XVIII в. из французского языка (theatre). Этимологически данное слово восходит к древнегреческому слову theatron [те`атрон] (места для зрителей), представляющему собою производное от глагола theaomai [теа`омай] «смотрю». В семантическом плане связь греческого theaomai с theatron можно сравнить с латинским specto [спе`кто] «смотрю» – spectaculum [спекта`кулум] «зрелище; представление; зрительный зал» или с древнерусским зръти «смотреть» – позорище «зрелище, представление». Средние века в применении к театру выдвинули определение Teatrum Mundi, что в переводе с латыни означает «мир в театре». Сценическое пространство мыслили как модель мироздания, а в эпоху Возрождения – как средство исправления пороков. С момента своего возникновения в Древней Греции театр выступает как род эстетического зрелища. «Это значит, что он не просто повествует и призывает, развлекает и морализует, но доставляет тот особый род эстетического наслаждения, который связан с непрагматическим любованием» (И.М. Андреева). Как и любой вид искусства (музыка, живопись, литература), театр обладает своими, особыми признаками. 1. Театр выступает как сложная знаковая система, как искусство синтетическое: театральное произведение (спектакль) складывается из текста пьесы, работы режиссера, актера, художника, композитора. В опере и балете решающая роль принадлежит музыке. Ведущим в театральном синтезе является триада «драматург – актер – режиссер», которая своеобразно преломляет и исторические периоды в развитии театрального искусства. Первый охватывает античный и средневековый театр, где связь с мифологией, а затем и с религией определяла преимущественное внимание к звучащему слову, к тексту. Начиная с эпохи Возрождения, главное место стал занимать актер. И, наконец, в последней четверти XIX века выделилось искусство режиссера, который создает особое явление – спектакль, универсальную форму бытия зрелищного вида искусства. 2. Театр – искусство коллективное. Произведение театрального искусства является спектакль, под которым понимается определенным образом организованное действие, развертывающееся во времени и пространстве, когда актер (то есть «действующий») предстает перед зрителем, действуя (один или в коллективе) от лица созданного им художественного образа. В целях усиления выразительности успешному выполнению поставленных перед актером задач обычно помогают многие творческие и технические работники театра. Таким образом, спектакль – это результат деятельности многих людей, не только тех, кто появляется на сцене, но и тех, кто шьет костюмы, мастерит предметы реквизита, устанавливает свет, встречает зрителей. Недаром существует определение «работники театрального цеха»: спектакль – это и творчество, и производство. 3. Театр предлагает собственный способ познания окружающего мира и, соответственно, собственный набор художественных средств. Спектакль – это и особое действие, разыгранное в пространстве сцены, и особое, отличное, скажем, от музыки образное мышление. Театр сама реальность и, одновременно, – великий творец иллюзий. В театре мир предстает в разных обликах, воплощаясь во множестве вымышленных миров, но он всегда остается миром людей и для людей, его предназначение – воздействие на зрителя интеллектуальное и эмоциональное как во время самого представления, так и по его окончании. Художественный полилингвизм театра включает в себя большой элемент условности. События, разворачивающиеся на сцене, – не жизнь, а лишь некоторая модель жизни, ее отражение и выражение. Сама сцена, игровая площадка сделана для того, чтобы отделить публику от места, где разыгрывается представление, создать особое эстетическое пространство, на котором разворачивается действие. Сцена и занавес помогают созданию мира условности, театральности. Термин «театральная игра» достаточно четко определяет специфику театра как особого рода зрелища. Идущая на сцене пьеса – не реальный мир и не его копия, а игровое пространство. «Игровое удвоение мира, – пишет Л.Т. Ретюнских, – предполагает сознательное принятие субъектом второго пласта реальности за условное бытие, которое легко может быть уничтожено простым отказом от него, без каких бы то ни было последствий для его жизненного мира». В театральной игре в игровое действие вступают актеры между собой, а также вся постановочная группа со зрителем, который является полноправным участником театральной игры. 4. Театр – искусство живое, сиюминутное. Оно создается на глазах и при живом участии зрителей и «исчезает, как только замолкли актерские голоса и упал сценический занавес»; это «живое действие, это жизнь в образе» (Г. Бояджиев). В отличие от всех прочих видов искусства – изобразительного, словесного и даже музыкального, произведения которых на долгое время сохраняются в качестве памятников, произведение театрального искусства – спектакль – не сохраняется в качестве памятника искусства, по которому мы могли бы судить об историческом прошлом явления. Жизнь театрального спектакля относительно кратковременна, ибо даже при современной техники фиксации отдельного спектакля – это довольно трудное и малоэффективное предприятие. Кроме того, нельзя забывать, что даже самая точная видеосъемка спектакля не может сохранить процесса непосредственной реакции зрителей на это искусство и процесса взаимодействия между актером и зрителем, одним словом того, что создает неповторимую атмосферу данного представления. 5. Есть все основания считать, что видовой спецификой искусства театра является действие – некая последовательность сценических событий, представление, существующее в настоящем, общем для актера, сценического места и зрителя. Со времени Аристотеля действие рассматривалось как сущность театрального искусства. Действие проявляется как возникновение и разрешение конфликта между персонажами, между персонажами и ситуацией. Действие выражается в театральной речи и имеет свою динамику (может быт сжатым, ускоряющимся, замедляющимся). Оно подразделяется на главное и второстепенное, коллективное и индивидуальное. Именно действие интегрирует все компоненты спектакля, «объединяет слово, актеров, костюмы, декорации и музыку в том смысле, что мы узнаем их в качестве проводников единого потока, пронизывающего их, переходя от одного к другому или через несколько одновременно» (Пави П.) В основе театрального представления лежит текст, например, пьеса для драматического спектакля. Даже в тех сценических постановках, где слово как таковое отсутствует, текст бывает необходим; в частности, балет, а иногда и пантомима имеет сценарий – либретто. Процесс работы над спектаклем состоит в перенесении драматургического текста на сцену – это своего рода «перевод» с одного языка на другой. В результате литературное слово становится сценическим. Слово «драма» древнегреческого происхождения и означает «действие». Его можно перевести как «действо». Термин «пьеса» (от фр. piece – «кусок») родился в XVI–XVII вв.; им называли любой фрагмент, который представляли актеры или исполняли музыканты. Лишь в XVIII столетии так стали именовать текст, написанный для сцены. [3, с. 174]. В IV в. до н.э. древнегреческий философ Аристотель (384–322) определил драму как один из родов литературы наряду с эпосом и лирикой. Согласно Аристотелю, драма объединяет признаки того и другого. В XVIII драмой стали называть не только род литературы, но и жанр драматургии. В своем трактате «Поэтика» Аристотель рассматривает два драматических жанра – трагедию и комедию, отдавая предпочтение трагедии, которая, по мнению философа, является основным жанром серьезной поэзии. По Аристотелю, «трагедия есть подражание действию важному и законченному, имеющему определенный объем, [подражание] при помощи речи, в каждой из своих частей различно украшенной; посредством действия, а не рассказа, совершающее путем сострадания и страха очищение подобных аффектов». Итак, центральное понятие в античной поэтике – мúмесис («подражание»). Аристотель считает, что трагедия должна включать в себя шесть составных элементов: фабула, характеры, мысли, словесное выражение, музыкальная композиция, сценическая обстановка. Цель трагедии, по мнению Аристотеля, – кáтарсис («очищение»): поэт должен не просто копировать действительность, но вскрывать сущность ее явлений, которая в трагедии проявляется через страдания. Причем страдания не должны оставлять гнетущего чувства, так как представляют собой знание истинного положения вещей, что лучше неведения, и это познание позволяет избавиться от чувства страха. Это и составляет основу катарсиса. Стержнем комедии являются нелепые события, смешные поступки людей. Таким образом, трагедия и комедия представляют собой два полюса драматургии. В XVIII в. появились пьесы, где признаки трагедии и комедии соседствуют. Этот новый жанр и получил название «драма». Итак, понятие «драма» имеет двойное значение: это один из трех родов литературы и в то же время жанр внутри одноименного рода. А драматургией именуют литературные тексты, отличающиеся особыми чертами. «Пьеса – драма, комедия – самая трудная форма литературы – трудная потому, что пьеса требует, чтобы каждая действующая в ней единица характеризовалась и словом и делом самосильно, без подсказываний со стороны автора…» – писал М. Горький. [1, с. 77]. Драма – самый объективный вид литературного творчества. В романе, повести, рассказе автор многое может объяснить в своем персонаже, подробно, во многих словах описать его состояние, его взгляды на жизнь, природу, людей. В драме герой раскрывается сам. Драма и самый трудный вид литературного творчества. В сравнении с прозаиком и поэтом драматург поставлен в самые жесткие и строгие условия. Он ограничен временем и размером. Драма должна быть четкой и очень емкой, в каждой своей детали целесообразной. Каждый элемент в ней участвует в раскрытии действия. «Мелочи… Частности – это рассказчик. Важное, содержательная краткость – это драматург», – писал Александр Афиногенов. В его «Дневниках» содержатся важные и верные замечания о специфике драматического письма. «Драматургия начинается там, где завязывается борьба. Конфликт – основа драмы». В драматических произведениях автор изображает отношения между людьми, их переживания, ошибки и удачи при помощи диалога. Антон Павлович Чехов первым показал возможность выразительнейшего сочетания обыкновенных, обыденных слов, произносимых героями, и глубокого, сложного социального, философского, эмоционального подтекста. Чеховская форма диалога, насыщенного огромным внутренним содержанием, говорящим неизмеримо больше того, что непосредственно заключено в словах, до сих пор очень востребована в современной драматургии. Кроме комедии, трагедии и драмы существует ряд театральных жанров: с античных времен игрались мимы (от греч. «мимесис» – «подражание) – короткие сценки чаще всего комического содержания, сочетающие импровизированный диалог, пение и танцы. В конце эпохи Возрождения появилась трагикомедия, где разрешение трагедийного конфликта связано с комическими, несуразными положениями и не требует обязательной гибели героя. В XVIII столетии возник жанр мелодрамы (от греч. «мелос» – песнь и «драма»), первоначально сопровождаемая музыкой. Позже мелодрамами стали называть пьесы, отличающиеся острой интригой, преувеличенной эмоциональностью, резким противопоставлением добра и зла, морально-поучительной направленностью; мелодрама связана с романом ужасов и семейно-бытовой драмой. На рубеже XVIII–XIX вв. в европейских театрах очень популярен стал жанр водевиля (франц. vaudeville) – легкая комедийная пьеса или спектакль с занимательной интригой или анекдотическим сюжетом, сопровождающийся музыкой, куплетами, танцами. К рубежу XIX–XX вв. относится появление монодрамы (от греч. «монос» – один, единственный» и «драма») – произведение для сцены, написанное для одного актера. [3, с. 163]. Драматические персонажи, представленные в пьесе именуются действующими лицами. Их список всегда помещается перед текстом пьесы. Иногда автор просто перечисляет персонажей, иногда описывает их более или менее подробно – указывает возраст, характер одежды, даже цвет волос и глаз. Кроме того, для читателя, режиссера, актера автор помещает в пьесе специальные пояснения – ремарки , которые определяют построение сценического пространства – обозначают перемещение героев по сцене («Подошел к столу), различные действия («Зажег свечу»), иногда кратко описывают состояние и интонацию реплик действующих лиц (нервно, тихим голосом и пр.). В разные периоды развития театрального искусства ремарки были различными, у некоторых драматургов они превращались в развернутые, подробные описания. Первые драматические произведения, появившиеся в эпоху античности, предназначались исключительно для сценического воплощения. Вплоть до XVII в. драматург мог увидеть свое произведение только на сцене. Мольер, Шекспир и другие великие драматурги и не стремились опубликовать свои тексты. Работая над пьесой, они представляли себе актеров, их облик, голоса. В XVIII в. отношение к драматургии и вообще театральному искусству изменилось. Век Просвещения требовал, чтобы со сцены звучали возвышенные слова, а постановки служили воспитательным целям. Соответственно повысились требования к театральным текстам. Пьеса стала оцениваться не только как материал для сцены, но и как литературное произведение. Появилось понятие «драма для чтения». В этот же период стали печататься сборники пьес. В течение долгого пути развития претерпел изменения и сценический язык. Его эволюция была связана прежде всего с делением на язык стихотворный и прозаический. Драматургия античности и эпохи Возрождения пользовалась стихотворным языком в силу выразительности и метафоричности стихотворной речи. Эволюция театральной речи шла также по пути от монолога к диалогу и полилогу. Постепенно более прочные позиции на сцене занимал прозаический язык, по мере развития интеллектуальной драмы он приобрел форму дискуссии. В течение XIX и ХХ вв. писатели и театральные деятели не раз пытались разделить сцену и драму. Особенно ярко это проявилось в так называемом абсурдистском театре, адепты которого призывали максимально уйти от «иссушенного» слова и заменить его языком жестов, пения, движений, ритмов (А. Арто). Одним из важнейших слагаемых театрального искусства является режиссура. В связи с этим спектакль выступает как сложное динамическое взаимонаслоение интерпретаций: драматурга с точки зрения интерпретации мира, режиссера, трансформирующего эту интерпретацию, затем в режиссерскую интерпретацию вливаются актеры-исполнители, дополняющие ее своей импровизацией. В этом непростом взаимодействии фигура режиссера выходит на первый план, в связи с тем что аккумулирует, связывает воедино в работе над спектаклем. «Режиссер берет на себя ответственность за эстетическую сторону спектакля и его организацию, подбор исполнителей, интерпретацию текста и использование сценических средств, находящихся в его распоряжении», – замечает А. Пави. В русский язык слово «режиссура» пришло из немецкого regieren – «управлять». Во французском языке наименование имеет профессиональный оттенок metteur – «мастер мизансцены.» [3, с. 296]. Мнения историков театра по поводу возникновения этой профессии расходятся. Одни ученые считают, что режиссер существовал с момента возникновения театра, другие – с появлением особого типа драматургии (Ибсена, Стриндберга, Метерлинка, Чехова и др.), требующей сложного построения сценического действия, работы с ансамблем актеров, создания сценической атмосферы (т.е. с последней трети XIX в.). Однако «новая драма» и рождение режиссуры – это следствие общекультурных процессов, происходивших на рубеже XIX–XX вв., повлекших за собой изменения сценического устройства, эмансипацию театральной от литературной выразительности. Это время знаменкуется появлением крупных режиссеров (К.С. Станиславский, Г.Э.Г. Крэг, В.Э. Мейерхольд и др.). «На рубеже XIX–XX веков театр перестает равняться только некоему исторически существующему зданию, сцене, местной актерской традиции (когда тетрадка ролей передавалась по наследству как величайшее сокровище от одного актера к другому). Лицо театра постепенно начинает определять не столько группа опытных актеров, сколько нечто совсем иное», – пишет А.Л. Бобылева. Теперь от режиссерского замысла и понимания им пьесы начинает зависеть успех спектакля. Повсеместно, за исключением Италии и Соединенных Штатов Америки, где становление театра отличалось от общеевропейского, пути развития искусства сцены стали определять режиссеры [7, с. 221]. Одна из основополагающих идей режиссерского театра – идея театральной интерпретации. Великий русский режиссер М.И. Ромм считал, что «режиссер создает новую сценическую реальность, объединяя в работе над спектаклем всех участников – актеров, художника, композитора», он «первый истолковывает сценарий и доносит свое видение до отряда исполнителей, управляя ими, создает неповторимую стилистику зрелища». Режиссер-постановщик соединяет все элементы спектакля в единое целое, учитывая особенности характера актеров, пристрастия художника и композитора и многое другое, поэтому его обязанности многочисленны и многообразны. Реформатор русской сцены, зачинатель режиссерской профессии К.С. Станиславский называл следующие функции режиссера: административная, постановочная, литературная, художественная, психологическая, педагогическая. Работа с актером составляет главную, самую большую часть режиссерской работы по созданию спектакля. По мнению выдающегося театрального педагога, режиссера и артиста Б.Е. Захавы, актер является главным носителем специфики театра. «Говорят, что актер является основным материалом в искусстве режиссера, – замечает он. – Это правильно, но не совсем точно. Ведь актер – живой человек, явление в высшей степени сложное: он обладает телом, мыслями, чувствами, ощущениями. Актер не только материал, но и творец. Он одновременно и творец, и объект творчества режиссера» [4, с. 154]. Слово «актер» происходит от латинского actus – «поступок», «действие». Именно это отражает суть актерского искусства: действие, игра, подражание. На сцене актер действует согласно сюжету пьесы, играет роль, т.е. предстает для зрителей другим человеком. Игровое начало актера подчеркнуто в немецком наименовании средневековых лицедеев – шпильман, шаушпиллер (от нем. Spiel – «игра»). «Актер, играющий роль или воплощающий персонаж, находится в самом центре сценических событий. Он – живая связь между текстом автора, сценическими указаниями режиссера и восприятием зрителя. В истории театра эта трудная задача превращала его то в личность, обожаемую и мистифицированную, «великого актера», то в существо, презираемое обществом с почти инстинктивным страхом», – пишет П. Пави. Двойственное положение актера выступает как специфическая особенность театрального искусства. Смысл его деятельности: одновременно жить и изображать, быть изображающим субъектом и изображенным объектом, самим собой и другим. Актерская игра прямо обращена к зрителю, причем актер не просто показывает своего персонажа как некое пластическое тело, но и пытается раскрыть его внутренний мир. Вовлеченный в эту тигру зритель одновременно наблюдает за игрой актера и вступает эмоциональный контакт с его героем. Чужие сознания, писал М.М. Бахтин, нельзя созерцать, анализировать, определять, с ними можно только диалогически общаться, говорить. В этой связи актерская игра – всегда диалог с залом, в котором участвует как сам актер, так и его персонаж. [3, с. 116]. Актерское искусство проделало очень длительный путь своего развития – от зарождения в первобытный период до сегодняшнего дня – на каждом новом этапе создавая различные стили актерского мастерства, по-своему отвечающие на вопросы «что такое играть роль» и «какова главная задача исполнителя». К концу XIX в. в европейских странах сложились национальные стили актерского искусства: например, в Италии – импровизационный, во Франции – классический, канонический. Одновременно разрабатывались теории актерского мастерства, одна из самых известных принадлежит К.С. Станиславскому, который разработал специальные приемы, помогающие актеру вжиться в роль, «проникнуть» в душу героя. Особое значение Станиславский придавал воспитанию актера, который должен обладать особой этикой, знать для чего выходит на сцену, что хочет сказать зрителям. «Роль актера не кончается с опусканием занавеса – он обязан и в жизни быть искателем и проводником прекрасного», – писал режиссер [5, с. 342]. Активным и творческим элементом театра является зритель. «К числу важнейших особенностей театрального искусства относится тот факт, что его произведение – спектакль – окончательно формируется под прямым и непосредственным воздействием зрителя, который, находясь в театре, не только воспринимает произведение театрального искусства, но в известной степени участвует также и в его создании», – замечает Б.Е. Захава. Долголетие любого спектакля напрямую зависит от его успеха в конкретной зрительской аудитории. Прямое, непосредственное взаимодействие между актером и зрителем, своеобразный эмоциональный контакт в огромной степени стимулируют как процесс самого творчества, так и процесс его восприятия. Таким образом, театральный спектакль всегда диалогичен. На эту его особенность указывал Ю.М. Лотман: «Спектакль, с одной стороны, ведет диалог с пьесой, но с другой – со зрителем. Это два разных диалога, и спектакль раскрывается в них по-разному. Ни одно из искусств не связано так непосредственно с реакцией аудитории, не реагирует на эту реакцию столь немедленно и активно, как театр. Сама возможность диалога – одна из важнейших и труднейших завоеваний культуры, и потеря диалога со зрителем – гибель театральной культуры». |