Мода и глобализация. Г. В. Плеханова Мода и глобализация
 Скачать 83.5 Kb.
|
|
Георгий Кара-Мурза Российский экономический университет им. Г.В. Плеханова Мода и глобализация Процесс глобализации, который происходит уже около трех десятилетий – явление сложное и противоречивое. Изменения затрагивают политические, экономические, культурные стороны жизни практически всех народов. Причем во всех сферах происходит кардинальная ломка устоявшихся институтов, традиций и стереотипов – исчезают границы; государственные структуры и функции власти, защищавшие национальные интересы, заменяются международными организациями типа МВФ и ВТО. На смену монокультурным обществам приходят трансграничные сетевые субкультурные объединения и новые общности, собранные на основе мультикультурализма. Ускорилось перемещение по миру информации и продуктов культуры. Значительно усовершенствовались и достигли небывалого размаха мировые коммуникационные сети (в первую очередь Интернет и спутниковое телевидение). Здесь мы кратко рассмотрим специфическую сферу культуры – моду. Мода, как одна из динамично развивающихся областей художественного творчества и отраслей легкой промышленности, является одновременно катализатором и физическим выражением процесса межкультурных контактов. Особенность моды в свете социодинамики культуры состоит в том, что творческие идеи сравнительно небольшого числа школ художников и дизайнеров, работающих в разных частях мира, благодаря новым коммуникационным возможностям и новой организации промышленности, обеспечивают сейчас сотни миллионов людей широким спектром моделей модной одежды. Эффект глобализма в потреблении такой одежды ощущается очень красноречиво. Продукты и бренды больше не привязаны к конкретному месту, доступность интернациональных марок и их копий стала всеобщей (с учетом социального статуса разных общностей). Практически полностью исчезает традиционный национальный костюм. Сегодня он используется в быту только в некоторых странах, именно как знак национальной или религиозной самоидентификации в противовес «европеизированным» моделям, либо как церемониальная одежда во время праздников. В свою очередь, западная эстетика моды ускоренно адаптирует и модифицирует уникальные культурные стили, вплавляя их в общий, так называемый «интернациональный стиль». Рост рынков сбыта модной одежды, технологические новшества, тиражирование «готового платья» производителями, не имеющими к его проектированию никакого отношения, доступность самих проектов в средствах массовой информации разрушили существующую раньше модную иерархию. Если в середине ХХ века в Парижский синдикат (своего рода профсоюз дизайнеров уникальной модной одежды, куда входят Дома, занимающиеся Высокой модой) насчитывал 70 членов, то на сегодняшний день их осталось лишь 11. Низкую рентабельность изготовления коллекций от-кутюр современные модельеры компенсируют продажей собственных марок одежды, лицензий на производство духов, очков и модных аксессуаров. Это позволяет искусству кутюра выжить и сохраниться, как культурное явление, хоть и утратившее в значительной мере свою актуальность. Таким образом, в современном дизайне моды условно можно различить две тенденции. В первом случае художник-модельер принимает правила рынка и вступает в сотрудничество с модной индустрией в создании одежды для массового потребителя. Во втором – модельер рассматривает изготовление одежды как творческий акт, относящийся к сфере чистого искусства, не ставя перед собой задачи ее практического применения. В коротком сообщении нет возможности подробно разобрать проблему глобализации и моды, это слишком большая тема. Я хочу показать современное состояние отрасли на некоторых примерах. Опуская творчество французских и итальянских кутюрье, традиционно занимающих ведущее место в мире моды, обратимся к школам, вышедшим на международные подиумы в конце ХХ века – к тем их представителям, которые в значительной мере повлияли на современные процессы, происходящие в модной индустрии. Бельгийская школа дизайна заявила о себе в 90-е годы прошлого столетия и оказала заметное влияние на современную моду. Ее характеризует опровержение общепринятого ранее подхода к дизайну одежды, ее демонстрации и использования. Стиль бельгийских модельеров – Мартина Маргелы, Анн Демельмейстер, Дриса Ван Нотена и других получил название «деконструктивизм». Ему присущи буквальная разборка на части и реконструкция костюма, в результате чего на лицевой стороне оказываются конструктивные элементы, обычно скрытые от глаз – швы, необработанные края, вытачки и так далее. Таким образом дизайнеры попытались отказаться от чисто эстетической красоты наряда и придать одежде некое философское содержание, когда для ее визуального прочтения требуются определенные интеллектуальные усилия. Идейным вдохновителем и ведущим представителем этой группы был М. Маргела (или Маржела). Этот бельгийский дизайнер – одна из самых загадочных фигур в мире современной моды, чей творческий метод – анонимность. Он не общается с прессой, не фотографируется, ограничиваясь обезличенными комментариями от имени Дома «Мезон Мартин Маржела» (в третьем лице) по электронной почте. Он отказался от ярлыков-лейблов, указывающих имя дизайнера или Дом, создавший модель одежд, заменив его кусочком белой ткани, наподобие бирки, пришиваемых в старых химчистках. По его словам, белый цвет «идеально ложится на наше восприятие мира. На нем лучше видны следы времени»1. Этим Маргела обращает внимание публики на спроектированную им вещь, а не на собственную личность. С той же целью (привлечь внимание зрителя исключительно к одежде) дизайнер закрывает лица манекенщиц во время дефиле. Как известно, отсутствие информации – идеальная среда для слухов, а слухи это бесплатная реклама. В начале ХХI века творчество Маргелы, как альтернатива устоявшейся диктату модных Домов Парижа и Милана, имело и имеет широкий круг поклонников. Его вещи с одной стороны креативны, с другой очень удобны. Магазины его марки открылись в Токио, Париже, Лондоне, Нью-Йорке, Гонконге и Дубае. Но несмотря на пришедший коммерческий успех и интерес к его ранним дизайнерским концепциям, Маргела продолжил эксперименты с одеждой. Одна из последних коллекций, показанных на подиуме, называется 2d. Это ироничный и чуть грустный взгляд художника и его команды на повальное увлечения публики 3d-кинематографом в частности и на современные модные пристрастия в целом. Зрителям представлены двухмерные, лишенные объема костюмы, совершенно не практичные и малоносибельные (как сейчас говорят)! Это упрек массовому потребителю, усмешка, манифест и прощальный поклон одновременно. По последним официальным данным М. Маргела покинул компанию своего имени в 2011 году, продав права итальянцу Ренцо Россо, хозяину компании «Дизель». Более того, Маргела вообще потерял интерес к дизайну одежды и сегодня занимается дизайном среды. Он автор оформления интерьеров отеля на Елисейских полях, выполненных в сюрреалистическом абсурдистском духе, с антикварной мебелью, обилием любимого белого цвета, поцарапанными зеркалами и копией знаменитого дивана в форме губ, созданного Сальвадором Дали в 1936 году. Получилось, как всегда, гениально! Мэтр французской моды Аззедин Алая признался: «Сейчас уже совсем не осталось настоящих талантов с тем особенным индивидуальным видением. Последний из них – Маргела»2. В отличиt от Маргелы, другой деконструктивист Дрис ван Нотен изначально позиционировал себя как автор моделей одежды для массового производства. Бренд расположился в Антверпене. Д. ван Нотен работал не покладая рук и стабильно выпускал новые коллекции мужской и женской одежды. Тогда же родилась сама концепция компании – выпускать повседневную одежду, которую всегда можно будет приобрести в магазине. Никаких единичных экземпляров не было предусмотрено. При этом дизайнер не отходил от канонов Высокой моды и продолжал участвовать в показах. «Я, пожалуй, немного наивен, но мне не нравится идея показывать вещи, которые ты не будешь продавать в магазинах», – говорил Д. ван Нотен о своей деятельности3. На сегодняшний день одежда ван Нотена продается по всему миру. И это неспроста — при создании каждой вещи дизайнер продумывает каждую деталь, играет цветами и тканями. Материалы используются только эксклюзивные, они специально изготавливаются для марки. Д. ван Нотен умело сочетает простое и сложное, классику и авангард. Поклонники любят его за необычные и интересные принты, затейливую отделку и комфортность одежды. Очень часто в творчестве мастера можно найти индийский мотивы – известно, что он питает огромный интерес к этой стране и ее культуре. Как у любого другого дизайнера, у ван Нотена есть знаковые наряды — это цветочные платья, блузки с ирисами. Бельгийский модельер попытался поднять дизайн готового платья до уровня Высокой моды. Благодаря таланту и исключительному вкусу (и деловым качествам, конечно) ему это блестяще удалось. Доступность одежды, произведённой его брендом, её оригинальность и высокое качество, помогли потребителям понять, что уникальный стиль можно получить, не приобретая единичные вещи у богатейших модельеров мира. Д. ван Нотен – пример художника, дизайнера, сумевшего претворить свои замыслы в жизнь и устоять на ногах, сохранить свой поэтический и уникальный взгляд на культуру глобальной моды. На другом конце мира, в Японии, модельеры – представители так называемого «японского авангарда» занимались в конце прошлого века воплощением схожих идей – слиянием восточных и западных черт в одежде и разрушением элитарности и рафинированности Высокой моды. Принципиально новый стиль был разработан Иссеем Мияке. Самые первые модели этого мастера поразили публику. Его одежда была непохожа ни на какую другую, она была принципиально новой. Из японских традиций костюма модельер позаимствовал стремление к комфорту и универсальности, а также многослойность и свободный, широкий крой. Его привлекают такие геометрические фигуры, как прямоугольник, квадрат и круг. Именно такие формы имеют его модели в разложенном виде. Модельер любит использовать набивку, а также гофрированную материю, любит создавать одежду-оригами, которая состоит из складок, гофры и изгибов. Мияке является яростным противником застежек, по его мнению, они сковывают движение. Он создал собственную концепцию моделирования, которую назвал «A Piece of Cloth» («Кусок ткани»). Она заключалась в идее, что обычный кусок ткани можно обмотать вокруг тела, сделать прорези, пришить рукава, и превращать его, таким образом, в разнообразную одежду. Такой наряд подойдет любому, независимо от фигуры, а также будет удобен при движении, создаст ощущение комфорта и свободы. Любой сможет трансформировать эту одежду под свой индивидуальный вкус. Для Мияке и его концепции было очень важно сотворчество с потребителем: «Без изобретательности тех, кто будет ее носить, моя одежда — не одежда. В ней предусматривается простор для фантазии потребителя, который сможет понять ее по-своему»4. Мияке в своем творчестве смешал европейские, американские и национальные мотивы одежды, так получился его особый стиль. Однажды в интервью он сказал:«В японском языке есть три разных слова для понятия “одежда”: западная одежда, японская одежда, одежда вообще, но это слово может означать и удачу, и радость. Когда меня спрашивают, какое из этих значений подходит к моей одежде, я отвечаю, что создаю радость»5. Творения Мияке модные критики назвали «одеждой будущего». Все его формы, технологии и стиль основываются на самых последних научных достижениях и огромном мастерстве модельера. Кроме того он изменил устоявшуюся традицию модных дефиле – превратил их в театрализированное представление, привлек к показу непрофессиональных моделей (в том числе пожилых), одним из первых начал демонстрировать коллекции в гаражах, в бассейнах, на стадионах (впрочем, на сегодняшний день это уже стало новой традицией). Мияке награжден всевозможными международными премиями и наградами за достижения в сфере дизайна, искусства и философии. В ХХI веке его революционные идеи о создании недорогой и креативной одежды нашли свое применение. И все же с 2007 года Мияке прекратил заниматься созданием «готового платья». Он полностью посвятил себя разработке новых текстильных технологий. Вот его слова: «Я приложил все усилия для того, чтобы внести фундаментальные изменения в систему производства одежды. Подумайте только: нитка входит в машину и та в свою очередь производит завершенную одежду, используя последние компьютерные технологии, и ликвидирует обычную потребность в разрезании, кройке и шитье»6. Новыми способами изготовления одежды интересовался и знаменитый японский дизайнер моды Йоджи Ямамото. Вместе с Мияке он решился на сближение Запада и Востока в костюме, причем на равных правах. Привыкшие к мягчайшему изысканному шелку зрители были шокированы грубым необработанным природным материалам, типа льна, а также к пренебрежительному отношению к тканям. Дизайнер предпочитает просто обернуть свою модель в полотно, считая, что изощренность кроя, подчеркивающего осиную талию и точеный силуэт девушки, превращает ее в простую куклу. Ямамото не обрабатывает края и не приделывает сложных воротников и манжет, не экспериментирует с цветами, за исключением черного и серого. Стойкая приверженность Ямамоты к такой цветовой гамме объясняется критиками фактами его личной биографии – сам он родился в Хиросиме и в двухлетнем возрасте пережил атомную бомбардировку, его отец погиб на войне, мать до конца своих дней носила траур. Первые коллекции, показанные публике, в прессе называли «стаей ворон». Правда, в последних привычно черных коллекциях промелькнули несколько красных платьев и принты в виде крупных цветов, изображенных словно в негативе. Искренность, страсть, горячность – этими словами модельер характеризует свой подход к творчеству. При этом, подобно Маргеле, он не хочет быть узнаваемым. «Если люди при взгляде на мое платье поняли, что это мое произведение – цели я не достиг», – говорит дизайнер7. У его моделей практически нет временных пределов. Они как бы существуют вне времени и пространства, не ассоциируясь с конкретным стилем и в тоже время порождая образы, связанные с ушедшими эпохами или модными течениями. «Мои модели вечны», — вот как объясняет это сам Кутюрье. Ямамото получил признание, как новатор в дизайне моды. Он был художником по костюмам фильма Такеши Китано «Куклы». Причем визуальный образ героев повлиял на восприятие их характера. Вим Вендерс снял документальную ленту о творчестве Ямамоты. Несмотря на значительное число поклонников, особенно среди интеллектуалов, японского дизайнера преследует череда коммерческих неудач. Его компания объявлена банкротом. Судебные тяжбы с кредиторами длятся уже несколько лет. Однажды Ямамота признался: «Я не люблю моду, но понимаю, что она необходима, как воздух, это и вдохновляет меня»8. В конце коротко скажу о двух знаковых фигурах из английской дизайнерской школы. Вивьен Вествуд – живой классик дизайна моды, заложившая основы современных модных течений и тенденций. Она ввела в эстетику кутюра элементы костюма маргинальных слоев общества, смешала безобразное с прекрасным, ущербное возвела в ранг красивого. Все это она проделала с большим вкусом, так что даже самыми смелыми ее экспериментами нельзя не восхищаться. Вествуд сделала эпатаж и провокацию в одежде своеобразным стилем поведения. Известен скандальный случай, когда королева Елизавета наградила пятидесятилетнюю Вествуд орденом в Букингемском дворце. По правилам официальных светских визитов Вивьен была одета в юбку ниже колен, шляпу и перчатки. Но сегодня, по мнению многих, мировоззрение знаменитого модельера значительно изменилось. Теперь Вествуд голосует за консерваторов. Ее последние коллекции все больше тяготеют к классике. Хотя, судя по коллекции весна-лето 2012, своеобразное виденье моды, вкус, мастерство в построении костюма, слава Богу, сохранилось. А повседневность зимней коллекции 1913 года вполне может означать философское переосмысление дизайнерских задач, а не усталость мастера от экспериментов. Закончить я хотел бы последними коллекциями enfantterrible европейской моды Александра МакКуина. Два года назад он покончил жизнь самоубийством. МакКуин довел до логического конца превращение дизайна моды в чистое искусство, далекое от практического приложения, а модный показ в художественную акцию с определенным идейным содержанием. Причем его модели и дефиле год от года становились все трагичнее, выражая взгляд модельера на окружающую действительность. Другой известный дизайнер Том Форд, друг МакКуина, сказал о его смерти – «Такой исход можно было предсказать. Вспомните его коллекции – кругом смерть и темнота»9. И его же словами мне хочется закончить свое короткое сообщение: «Мода всего лишь отражает то, где мы находимся в культурном плане. Возможно, сейчас время глобальной печали…Эта печаль как-то проникает, сказывается. И отражается на том, что люди сейчас хотят носить»10. Сведения об авторе: Кара-Мурза Георгий Сергеевич, член Союза художников России, место работы Российский экономический университет им. Г.В. Плеханова, ассистент кафедры рекламы, дизайна и связи с общественностью, e-mail egorkaramurza@mail.ru, телефон 8 903 262 3372. 1 Interview: Maison Martin Margiela in conversation with Filep Motwary (www.filepmotwary.com) Tuesday, June 29, 2010. 2 Harriet Walker. Out of sight, not out of mind: Celebrating two decades of Martin Margiela magic // The Independent (December 6, 2009). 3 David Colman. Just Step on the Gas and Say Om // New York Times (June19, 2005). 4 Адашевская З. «Черный квадрат» мира моды // Диалоги искусств. 2013, №6. 5 Грачева А. Иссей Мияке: Поэт одежды. М.: Этерна, 2014. 6 Там же. 7 История моды: Yohji Yamamoto. (http://iledebeaute.ru/pro_fashion/2011/9/15/18934/) 8 Йоджи Ямамото. Отшельник мира моды. (http://www.lookatme.ru/flow/posts/fashion-radar/150191-yodzhi-yamamoto-otshelnik-mira-mody) 9 «Словарь мужского стиля». М., КоЛибри, 2012. 10 Там же. |