ИСТОРИЯ ИСКУССТВ. Развитие раннехристианского искусства. Концепция византийского храма. Изобразительный и цветовой канон византийской живописи
 Скачать 104.92 Kb.
|
1510) - Лувр, Париж, Франция На рубеже XIII и XIV столетий итальянская культура переживает блестящий подъем. Вслед за возникновением поэзии "сладостного нового стиля" появляется колоссальная новая фигура - Данте. В изобразительном искусстве безличное цеховое ремесло уступает место индивидуальному творчеству. В архитектуре, скульптуре и живописи выдвигаются крупные мастера - Никколо и Джовани Пизано, Арнольфо ди Камбио, Пьетро Каваллини, Джотто, творчество которых во многом определило дальнейшее развитие итальянского искусства, заложив основы для обновления. Культура Италии XIII-XIV веков сложна и противоречива. Многое в ней еще органически связано с общеевропейской средневековой культурой, но одновременно в ней появляются новые черты, предваряющие развитие Ренессанса. Развитие проторенессансных тенденций протекало неравномерно. Их расцвет приходится, наконец, XIII и первые десятилетия XIV века. С середины столетия в итальянской живописи и скульптуре усиливается влияние готики. Готический стиль возник в архитектуре Италии из Франции в XIII столетии. Он получил распространение в Северной Италии и Тоскане - области средней Италии, расположенной к северу от Рима. И держался здесь до XV века, существуя параллельно или переплетаясь с развивающимся новым стилем Проторенессанса. Однако итальянская готика существенно отличается от французской. Она ограничивается применением декоративных элементов готического стиля: стрельчатых арок, башенок-филиалов, пинаклец, роз. Особенностью итальянской церковной архитектуры является также возведение куполов над местом пересечения центрального нефа и трансепта. К числу наиболее прославленных памятников этого итальянского варианта готики принадлежит собор в Сиене (XIII-XIV вв.) У истоков итальянского Проторенессанса стоит работавший во второй половине XIII века в Пизе мастер Никколо. Он стал основателем школы скульптуры, просуществовавшей до середины XIV века и распространившей свое внимание по всей Италии. Конечно, многое в скульптуре пизанской школы еще тяготеет к прошлому. В ней сохраняются старые аллегории и символы. В рельефах отсутствует пространство, фигуры тесно заполняют поверхность фона. И все же реформы Никколо значимы. Использование классической традиции, акцентировка объема, материальности и весомости фигуры, предметов, стремление внести в изображение религиозной сцены элементы реального земного события создали основу для широкого обновления искусства. В 1260-1270 годах мастерская Никколо Пизано выполняла многочисленные заказы в городах средней Италии. Новые веяния проникают и в живопись Италии. В течение некоторого времени значительная роль в этой области принадлежала художникам Рима. Римская школа выдвинула одного из крупнейших мастеров Проторенессанса - Пьетро Каваллини (ок.1250-ок.1330). Подобно тому, как Никколо Пизано реформировал итальянскую скульптуру, Каваллини заложил основу нового направления в живописи. В своем творчестве опирался на позднеантичные и ране христианские памятники, которыми в его время был еще богат Рим. Заслуга Каваллини состоит в том, что он стремился преодолеть плоскостность форм и композиционного построения, которые были присущи господствовавшей в его время в итальянской живописи "византийской" или "греческой" манере. Он вводил заимствованную у древних художников светотеневую моделировку, достигая округлости и пластичности форм. Однако со второго десятилетия XIV века художественная жизнь в Риме замерла. Ведущая роль в итальянской живописи перешла к флорентийской школе. Флоренция в течение двух столетий была чем-то вроде столицы художественной жизни Италии и определяла главное направление развития ее искусства. Рождение проторенессансного искусства Флоренции связывают с именем Ченни ди Пеппо, прозванного Чимабуэ (ок.1240-ок.1302). Но самым радикальным реформатором живописи был один из величайших художников итальянского Проторенессанса Джотто ди Бондоне (1266/67-1337). В своих работах Джотто подчас достигает такой силы в столкновении контрастов и передаче человеческих чувств, которая позволяет видеть в нем предшественника величайших мастеров Возрождения. Он работал как живописец, скульптор и архитектор. Но все, же главным его призванием была живопись. Основной работой Джотто является роспись капеллы дель Арены в Подое. Трактуя евангельские эпизоды как события человеческой жизни, Джотто помещает его в реальную обстановку, отказываясь при этом от соединения в одной композиции разновременных моментов. Композиции Джотто всегда пространственные, хотя сцена, на которой разыгрывается действие, обычно не глубока. Архитектура и пейзаж во фресках Джотто всегда подчинены действию. Каждая деталь в его композициях направляет внимание зрителя к смысловому центру. Джотто заложил основу искусства Возрождения. Хотя он не был единственным художником своего времени, ставшим на путь реформ, однако целеустремленность, решительность, смелый разрыв с существенными принципами средневековой традиции делают его родоначальником нового искусства. Еще одним важным центром искусства Италии конца XIII века - первой половины XIV века была Сиена. Формирование его художественной школы происходило в одно время с флорентийской, но искусство этих двух крупнейших тосканских городов различно, как различны были их жизненный уклад и их культура. Сиена была давней соперницей Флоренции. Это привело к ряду военных столкновений, оканчивавшихся с переменным успехом, однако к концу XIII столетия перевес оказался на стороне Флоренции, пользовавшейся поддержкой Папы. Искусство Сиены отмечено чертами утонченной изысканности и декоративизма. В Сиене ценили французские иллюстрированные рукописи и произведения художественных ремесел. В XIII-XIV столетиях здесь был воздвигнут один из изящнейших соборов итальянской готики, над фасадом, которого работал в 1284-1297 годах Джованни Пизано. РЕФОРМА ДЖОТТО. Центральной фигурой проторенессансной живописи, «светочем флорентийской славы» стал живописец, архитектор, скульптор Джотто ди Бондоне (1266/76-1337), художественные реформы которого намного опередили свое время. С его именем связан истинный перелом в итальянском искусстве. Не выходя из круга религиозных тем, Джотто изображал в библейских сказаниях жизнь земных людей с ее радостями и страданиями. Он первым изобразил: - реальное трехмерное пространство, построенное на перспективно-линейном основании; - ввел в живопись пластический объем фигур; - изобразил в живописи интерьер. По словам Виктора Лазарева «Джотто создал для объемных фигур реальное пространственное окружение, в пределах которого человек получил возможность свободно двигаться и крепко стоять на ногах». Своеобразие художественного языка Джотто заключается в том, что он, «ориентируя отдельные фигуры и композицию в целом на плоскость, тем не менее никогда не дает плоскости художественного образа. Его фигуры объемны, их расстановка пространственна, его интерьеры трехмерны. Но как фигуру, так и пространство фрески Джотто подчиняет плоскостному ритму» (В. Лазарев). Самым известным его произведением стал цикл фресок в Капелле делъ Арена в Падуе (38 сцен из жизни Христа), которая принадлежала банкиру Энрико Скровеньи. Фрески, расположенные вдоль боковых стен, гармонично согласуются с архитектурным пространством капеллы. Основная идея фресок Джотто - «это идея высокой значимости нравственных ценностей. Данное положение получает наиболее полное раскрытие в трактовке центрального образа всего цикла - Христа. Христос выступает как носитель высокой идеи нравственного совершенства. Подобно античному герою проходит он с высоко поднятой головой через все тяжелые испытания, со стоическим мужеством, а не с христианским смирением перенося ниспосланные на него несчастья» (В. Лазарев). Завоевания Джотто были не сразу восприняты его современниками, а изобразительное искусство второй половины XIV в. было менее интересным, чем в начале столетия. Исключение составляет сиенская живописная школа, в которой преемственность рыцарской культуры не нарушалась. Сиена придерживалась более консервативных традиций, чем Флоренция и стояла в стороне от проторенессансного движения. Ее основателем считают старшего современника Джотто Дуччо ди Буонинсенья (ок. 1255-1319), чьи симпатии были на стороне византийского и готического искусства, для которых характерны мягкость, хрупкость, мелодичность ритмов линий. («Маэста», что означает «величество», «Мадонна Ручеллаи»). (ВЗЯТО ИЗ ПРЕДЫДУЩЕГО ВОПРОСА СЛЕДЮЩЕЕ: => ) Трактуя евангельские эпизоды как события человеческой жизни, Джотто помещает его в реальную обстановку, отказываясь при этом от соединения в одной композиции разновременных моментов. Композиции Джотто всегда пространственны, хотя сцена, на которой разыгрывается действие, обычно не глубока. Архитектура и пейзаж в фресках Джотто всегда подчинены действию. Каждая деталь в его композициях направляет внимание зрителя к смысловому центру. Джотто заложил основу искусства Возрождения. Хотя он не был единственным художником своего времени, ставшим на путь реформ, однако целеустремленность, решительность, смелый разрыв с существенными принципами средневековой традиции делают его родоначальником нового искусства. 6. Высокое Возрождение. Утверждение в искусстве гуманистического идеала гармонически развитого, прекрасного человека. Творчество Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти и Микеланджело Буонаротти. Высокое Возрождение, период в истории искусства в Италии, падающий на конец 15 и 1-ю четверть 16 вв. и знаменующий высшую, классическую фазу в развитии художественной культуры Возрождения. Основные центры искусства В. В. — Флоренция, Рим, Венеция (в которой В. В. захватывает и 1530-е гг.); главные представители — Браманте, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан. В архитектуре, скульптуре и живописи В. В. реализм, гуманизм и героические идеалы Ренессанса, жизненная полнота и яркость образов получили синтетически обобщённое, полное титанической силы выражение. Искусству В. В., развивавшемуся необычайно быстро и многогранно, в целом присущи величественный, монументальный характер, гармоническое совершенство, возвышенный идеальный строй. Принципы В. В. сложно и разнообразно преломились во всём итальянском искусстве 16 в. и оказали мощное влияние на мировую художественную культуру. Черты синтетического стиля В. В. присущи творчеству ряда немецких художников 1-й половины 16 в. Гуманизм: ® в широком смысле: признание ценности человека как личности, его права на свободное развитие и проявление своих способностей, утверждение блага человека как критерия оценки общественных отношений. ® в узком смысле: светское мировоззрение, распространившееся в Европе в условиях перехода от феодализма к капитализму на протяжении культурной эпохи Возрождения. Новизна гуманистического мировоззрения в том, что оно: 1). Первое светское мировоззрение в новой Европе (раньше было духовное). 2). Это мировоззрение возникло как альтернатива средневековому религиозному аскетизму. Концепция мира. Гуманисты предложили собственную новую концепцию мира: МИР – единое и гармоничное целое, а не два противопоставленных друг другу мира; гуманисты доказали, что небесный мир – продолжение земного, а между ними – гармония, созвучие. Это подтверждение гуманисты нашли в античности. Из этого представления видно, что мир земной – также важен, как и небесный. Основной закон гармонии. Человек – это свободная, самостоятельная, индивидуальная личность, ценная уже сама по себе, а не потому, что человек создан Богом. Человек – самое совершенное творение Господа, на котором печать Господа, он создан по Его подобию, поэтому человек – венец природы, возвышающийся над природой, т.к. его Бог наградил разумом и свободной волей. Человек – тоже творец, его деятельность и творчество направляются разумом, как и деятельность Господа. А т.к. Бог творит в небесном мире, то в земном мире – человек – центр Вселенной. Человек не приходит в мир изначально, он получает от природы задатки, возможности, от природы человек добрый, Бог создает человека добрым, но эти положительные задатки надо развивать. Как он их разовьет – зависит от человека, а потому человек сам определяет свою судьбу. Смысл жизни человека – максимум самореализации и развитие тех даров, которые бает человеку природа. Только в деятельности человек сам себя реализует и растет. Всякое мировоззрение формирует представление идеального человека как гармоничной, универсальной личности (всесторонне развитой). В нем гармонично сочетаются физическое совершенство (красота тела), духовность (красота души) и высокий интеллект (это представление было возрождено также из античности). Этот идеал достижим для каждого. Человек может всё, т.е. возможности человека не ограничены, т.к. он центр Вселенной, т.к. он Богоподобен. Путь к совершенству, к саморазвитию определила этика, ставшая ведущей наукой. Гуманистическая этика утверждает, что для достижения гармонии человеку надо правильно организовать свой образ жизни. Аскетизм Средневековья калечил и ломал человеческую природу. Поэтому такому аскетическому образу жизни гуманисты противопоставили свой, состоящий из трёх основных принципов: 1 – естественный образ жизни (прородосообразный); 2 – радость, ради которой стоит жить; 3 – деятельность, в которой проявляется, утверждается человек. Этика гуманизма ориентировала людей на максимально активное, творческое отношение людей к действительности. Выводы гуманистов: ·Человек – центр Вселенной и его возможности неограниченны. Он должен познать мир, вполне самостоятельно, руководствуясь разумом и делать этот мир еще лучшим. Так он тоже выступает как творец. Деятельность человека всегда оправдана. В усовершенствовании нуждается уклад общественной жизни. Здесь люди и должны проявлять свою мудрость. Леона́рдо ди сер Пье́ро да Ви́нчи (итал. Leonardo di ser Piero da Vinci; 15 апреля 1452, селение Анкиано, около городка Винчи, близ Флоренции — 2 мая 1519, замок Кло-Люсе, близ Амбуаза, Турень, Франция) — итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека». Нашим современникам Леонардо в первую очередь известен как художник. Кроме того, не исключено, что да Винчи мог быть и скульптором: исследователи из университета Перуджи — Джанкарло Джентилини и Карло Сиси — утверждают, что найденная ими в 1990 году терракотовая голова является единственной дошедшей до нас скульптурной работой Леонардо да Винчи. Однако сам да Винчи в разные периоды своей жизни считал себя в первую очередь инженером или учёным. Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени и работал достаточно медленно. Поэтому художественное наследие Леонардо количественно не велико, а ряд его работ утрачен или сильно повреждён. Однако его вклад в мировую художественную культуру является исключительно важным даже на фоне той когорты гениев, которую дало Итальянское Возрождение. Благодаря его работам искусство живописи перешло на качественно новый этап своего развития. Предшествующие Леонардо художники Ренессанса решительно отказывались от многих условностей средневекового искусства. Это было движения в сторону реализма и многое уже было достигнуто в изучении перспективы, анатомии, большей свободы в композиционных решениях. Но в плане живописности, работы с краской, художники были ещё достаточно условны и скованы. Линия на картине четко очерчивала предмет, и изображение имело вид раскрашенного рисунка. Наиболее условным был пейзаж, который играл второстепенную роль. Леонардо осознал и воплотил новую живописную технику. У него линия имеет право на размытость, потому что так мы её видим. Он осознал явления рассеяния света в воздухе и возникновения сфумато — дымки между зрителем и изображенным предметом, которая смягчает цветовые контрасты и линии. В итоге реализм в живописи перешёл на качественно новую ступень. Леонардо известен за свои своевольные картины, такие как Тайная вечеря, написанная в 1495-1497 годах и Мона Лиза (также известная как Джоконда, находящаяся сейчас в Лувре Парижа), написанная в 1503-1510 гг. Однако существует много доводов, была ли это работа самого да Винчи или его учеников. Всего сохранилось 17 его картин и не сохранилось ни одной статуи. Из этих картин только картина Джиневры де Бенчи находится в Западном полушарии. Очень много картин остались незаконченными. В 1481 году он получил заказ на запрестольный образ «Поклонение волхвов». После огромных и амбициозных планов и многих набросков, да Винчи оставил живопись незавершенной и уехал в Милан. Он прожил там много лет, строя планы и модели для монументальной семиметровой бронзовой статуи лошади («Гран-Кавалло»), которая должна была быть установлена в Милане. Из-за войны с Францией проект был незавершен. В Музее Охоты в городе Лимерик есть маленькая бронзовая статуя лошади, которая как предполагают, была работой ученика от оригинального проекта Леонардо. Вернувшись во Флоренцию, ему было поручено заниматься росписью большой фрески «Битва при Ангиари» со своим соперником Микеланджело, который должен был рисовать на противоположной стене. После долгих работ и исследований, он покинул город, так и незакончив фреску по техническим причинам. Список картин: Благовещение (1475-1480) - Уффици, Флоренция, Италия, Джиневра де Бенчи ( |