История искусств. 1. Общая характеристика русского искусства второй пол. 19 века. Стили и направления. Хронология
 Скачать 5.94 Mb.
|
|
29. «Мир искусства». Эстетическая программа. Представители. Мир искусства (1898—1924) — художественное объединение, сформировавшееся в России в конце 1890-х годов. Под тем же названием выходил журнал, издававшийся с 1898 года членами группы. Основателями «Мира искусства» стали петербургский художник А. Н. Бенуа (делал иллюстрации к произведениям разным, в основном графика. Затем стал создавать эскизы костюмов театра и сами декорации для театра) и театральный деятель С. П. Дягилев. Бакст – создавал эскизы к балетным костюмам, Добужинский – связан с книгами и литографией, известная картина «Человек в очках» Создает образ мертвой природы и такого же мертвого человека. Фигура в контражуре  К. сомов создавал портреты. «Дама в голубом» ощущение болезненности  Так же написал портрет А.Блока и «маскарад»   Художники «Мира искусства» считали приоритетным эстетическое начало в искусстве и стремились к модерну и символизму, противясь идеям передвижников. Искусство, по их мнению, должно выражать личность художника. В основном это были графики и немного скульпторов . Лансере Е. его не интересовала современная жизнь , он изображал фантазии воспоминания о 18 веке .обращался к след темам : Балы маскарады , воспоминания о временах людовика 16, архитектура того времени, хрупкость человеч жизни , аристократичность. Художников не вдохновляла совр жизнь , она казалась обыденной скучной. Искали чего-то изысканного эстетизировали действительность. Чтобы быть художником нужно знать все, быть неким универсалом . Классический период в жизни объединения пришёлся на 1900—1904 гг. — в это время для группы было характерно особое единство эстетических и идейных принципов. Художники устраивали выставки под эгидой журнала «Мир искусства». 30. «голубая роза». Эстетическая программа. Представители. В принципе такого объединения не существовало. Оно было очень эфимерное. Существовал художник Борисов-Мусатов – идеолог . после его смерти группа художников вдохновилась его идеями и создала выставку где были полотна Борисова-Мусатова (посмертная выставка). Борисов- Мусатов, родился в Саратове, в детстве заболел , очень плохо двигался и был горбуном, но тем не менее получил худож. образование в Париже. Использовал холст с переплетенными нитями, жидко втирал грунтовку, писал матово , получался эффект гобелена , как будто картина сплетена , а не написана. В основном изображал сестру, ее друзей и гостей, приезжающих в дом, все в стиле 17-18в, старинные платья атрибутика. Его картины были мечтой о прошлом, как будто только в прошлом была жизнь. Цвета бледные пастельные, очень мягкие картины, будто обвалакивающие. Фон часто декоративно написан. «Водоем »  Узор деревьев перекликается с узором накидок, картина будто кадрирована как в фотоаппарате. Атмосфера молчания, условность. «весна»  «Мальчик с собакой » гармония природы  Автопортрет с сестрой, очень смелая композиция, кадрирование формата  «призраки» Дом борисова-мусатова, сестра его , атмосфера текущей влаги , будто картина через окно в каплях дождя. Умел создавать атмосферу , уходил от реальности в придуманный мир.  «Голубая Роза» — выставка, состоявшаяся в 1907 году в Москве, в которой участвовали живописцы П. Кузнецов, Н. Сапунов,С. Судейкин, Н. Крымов, М. Сарьян, скульптор А. Матвеев и др. Больше выставок не было. В группу этих вдохновленных художников входили : Павел кузнецов Мартирос сарьян Сапунов и судейкин - театральные худож из Петербурга Выставка была открыта 18 марта 1907 года в Москве на Мясницкой улице в доме фабриканта фарфора М. Кузнецова и была организована на средства Н. П. Рябушинского — мецената, издателя журнала «Золотое руно» и художника-любителя.,название «Голубая роза», как выражавшее поэтическую мечту о несбыточно-прекрасном. Основу выставки «Голубая роза» составляли работы участников более ранней экспозиции — «Алая роза», проведённой в 1904 году в Саратове. (тут так же были работы борисова – мусатова, так же врубеля, сарьяна, судейкина, работы из мастерской Абрамцево). Московская выставка ознаменовала собой начало поздней фазы русского символизма. В сравнении с графически-линейными произведениями мастеров из Санкт-Петербурга, объединённых в «Мир искусства» и доминировавших в художественной жизни Российской империи начала XX века, работы молодых авторов из Москвы поразили зрителей нежными, дымчатыми, будто тающими красками и зыбкими, ускользающими формами. Большинство представленных на выставке полотен было создано в стиле модерн в его московском варианте. Вместе с тем часть работ как бы предвосхищала появление авангардных направлений 1910-х годов — экспрессионизм, примитивизм. Показ работ молодых московских новаторов вызвал усиленную полемику среди художественной интеллигенции. Кузнецов «Мираж в степи»  Совершил поездку в Киргизию, Калмыкию Долго жил там и общался с кочевниками , совершал походы по степи. Изображал примитивные обыденные вещи ,элементы обрядов. Основная мысль: мир это не то, что человек видит, а то, что он чувствует во время восприятия мира. «Стрижка овец»  Сарьян. Уехал в Египет . «Египтянка», геометрич. Стиль , стилизованная фигура , с условным цветом и условным светом , на фоне пальмы .  «Натюрморт. бананы», композиция неправдоподобная, но мы верим в нее  «Улица в Каире» «Финиковая пальма»  Сапунов. «Автопортрет.» Пейзаж франция. Расплывчатые работы кое как укладываются в силуэт. Судейкин. «Эскиз декорации» к балету . 31. «бубновый валет». Эстетическая программа. Представители. «Бубновый валет» — первоначально такое название получила выставка художников (декабрь 1910 — январь 1911), впоследствии вошедших в одноимённоетворческое объединение, с 1911 — Общество художников «Бубновый валет». На первых порах объединение включало преимущественно московских живописцев — впоследствии в него входили петербургские художники и представители других городов, в выставках участвовали многие художники из Западной Европы (французы инемцы). Существовало до декабря 1917 года. Название: до 1917 года «бубновыми валетами» называли каторжников, старинный французский карточный жаргон, в соответствии с которым вальтовый (фр. valet — слуга, лакей) номинал в сочетании с бубновой мастью (фр. Carreau — квадратики) считался и звался — «мошенником», «плутом». Опирались на стилистику лубка, народного примитива, вывесок. Художники «Бубнового валета» отрицали традиции как академизма, так и реализма XIX века. Для их творчества характерны живописно-пластические решения в стилеП. Сезанна (постимпрессионизм), фовизма и кубизма. Манера грубая, пастозно наложены краски, нарушение пропорций и перспективы, ассиметричные композиции, огрубленные формы, краски только масляные и локальные. Состав : Кончаловский Машков Осьмеркин Куприн Ларионов Гончарова Рождественский и др Ларионов муж Гончаровой. Изображает солдат и солдат на отдыхе, пишет так , будто не обучен из. Искусству, изображает примитивное существование человека. «Солдат на отдыхе»  «автопортрет » Ларионов, работа будто вырезана из дерева, как будто это работа ремесленника  Гончарова «Беление холста» упрощенная композиция , маскообразные лица, тяжелая живопись.   «Испанка »Полу абстрактная картина, отсутствует прямая перспектива, цвета условные. Много посвящено изображению крестьян . Бубновый валет часто писали детей , душевно больных . Много изображали обнаженных тел , но рисовали это как варвары или дикари. Кончаловский и Машков парный портрет. Путешествовали по Италии , и написали во время поездки этот портрет. Изображали то , чем они увлекались , создавали энергию себя и того , что они создали , грубо , прямолинейно . Изобразили ноты, гири, муз инструменты и живопись . Сами атлетичной формы  Машков – в основном писал натюрморты грубее чем у Сезанна   В 1912 году откололся ряд художников, тяготевших к примитивизму, кубофутуризму и абстракционизму (братья Владимир и Давид Бурлюки, Наталья Гончарова,Михаил Ларионов, Казимир Малевич и др), организовавших выставку под названием Ослиный хвост. Объединение распалось в 1917 году, вскоре после того, как в 1916 году «Бубновый валет» покинули Пётр Кончаловский и Илья Машков. По инициативе бывших членов «Бубнового валета» в 1925 году было образовано объединение «Московские живописцы», в дальнейшем преобразованное в«Общество московских художников» (ОМХ). 32) Модерн в русском искусстве. три основных этапа: ранний - 80-е годы, зрелый -90-е годы и поздний - начало XX столетия. В России, предыстория модерна совпала с начальным этапом его истории. до модерна в 80-е годы в живописи господствовал критический реализм, формировался ранний импрессионизм, модерн в России формировался в русле национальных концепций, для художников формировавшегося модерна важнее национальная традиция. Новый гуманизм, В его основе - с осознанием достоинства личности прежде всего сочувствие народу из-за его крепостного состояния. Его свобода и образование - путеводная звезда русской интеллигенции со времен восстания декабристов. Развитие общественной жизни, которая всячески подавлялась феодально-церковной реакцией, все более обретает характер освободительного движения, во что вовлекается, кроме крестьянства, к концу XIX века и рабочий класс, который в странах Европы уже породил широкое социал-демократическое движение. Модерн в России не только эстетика особняков нуворишей и доходных домов, здесь деньги делали деньги в русле капиталистического развития; модерн - и эстетика театра, с революцией в театре (МХТ), с театром (Комиссаржевская) и драматургией (Чехов, Горький, Андреев), что стало рупором освободительных идей. Громадное большинство художников открыто выступило на стороне народа, даже из круга мирискусников, не говоря о Валентине Серове, который видел в окна Академии художеств атаку кавалерии и стрельбу солдат по толпе рабочих с семьями. Графика 10-х годов свидетельствует наглядно о зарождении демократического искусства в России с эстетическими и моральными параметрами, каковые вскоре станут восприниматься как советские. «Мир искусства», порывая с передвижничеством, представляют модерн в его самый поэтический период. «Бубновый валет» отвергли стилизм «Мира искусства», всякую мистику в настроениях и символизм «Голубой розы». Ставилась задача преодоления импрессионизма во всех его модификациях и возвращения живописи к предмету, как в народном творчестве. художники «Бубнового валета» «искали вдохновения в фольклоре, в лубке, в пряниках архангельского изделия… «Союз русских художников» «Голубая роза» Представители: Серов, Левитан, Серебрякова (крестьянская темой и женской и детской чистоты и красоты), Врубель, К.Ф.Юон в архитектуре - Шехтель (строил частные особняки, Ярославский вокзал) Мы помним, творчество Михаила Врубеля отвергалось его современниками как декаденство, что вообще распространялось на молодых художников, включая даже Валентина Серова. стиль Врубеля, который составлял органическую часть русского варианта стиля модерн. Врубель не увлекался пленэром, как Васнецов, ему так же был далек реализм передвижников, которые, по его мнению, пренебрегали формальными задачами. Вместе с тем у Врубеля заметны академические черты — в априорности красоты, Но Врубель последовательно преодолевает академизм. Орнаментальность становится отличительным качеством графики и живописи Врубеля. * «Девочка на фоне персидского ковра» - одновременно выдвигает орнаментальный принцип как принцип композиции картины в целом. Эскизы орнаментов, выполненные Врубелем, были реализованы в орнаментальных панно, располагающихся вдоль кораблей сводов Владимирского собора. Художник выполнил орнаменты уже в новом стиле, избрав в качестве исходных форм изображения павлинов, цветы лилии и плетенку из растительных форм. «Модели», взятые из животного и растительного мира, стилизованы, схематизированы, одно изображение как бы вплетено в другое. Врубель пользуется гнутыми линиями. 33) Характеристика русского отечественного и зарубежного искусства 19-нач 20 в. Стили и направления. Хронология. Русское искусство рубежа XIX-XX века. Жанровая живопись 1890-1900 гг. Полемика между отдельными художественными группировками, возросшая активность художественной жизни – приметы рубежа веков. Задача приближения искусства к жизни, внесения искусства в жизнь преобразования красотой окружающего мира. Стиль модерн. Изменения в живописи. Роль бытового жанра в русском искусстве рубежа XIX-XX века.Лирический пейзаж в творчестве И.И.Левитана (1860-1900). Творчество М.Врубеля и В.Серова. Художники «Мира искусства» (1898-1924). Стиль модерн. Русская тема в искусстве конца 19-начала 20 веков. (М. Нестеров, А. Рябушкин, Б.Кустодиев). Объединения и направления в русском искусстве начала XX века. Русский авангард начала XX века. Объединения «Голубая роза» (1907), «Бубновый валет» (1910), «Ослиный хвост» (1912). К.Малевич (1878-1935) и супрематизм. Творческая программа В.Кандинского (1866-1944) и «Синий всадник». П.Н.Филонов (1883-1941), – основоположник аналитического искусства. Группа МАИ. Русское искусство 1920-1930-х гг. Соцреализм. 34) Направления модернизма. Хронология. Представители. (от фр. Moderne – новейший, современный) – художественно-эстетическая система или совокупность течений искусства, сложившаяся в 1920-х гг., ищущая нетрадиционные способы художественного освоения действительности. Датой зарождения модернизма 1863 год — год открытия в Париже «Салона отверженных.» главной целью -оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих новые выразительные средства, нередко сопровождающиеся вызовом устоявшимся канонам. В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций. Декаденство и авангардизм считаются его ранними стадиями. В русской эстетике «модерн» означает исторически предшествовавший модернизму художественный стиль конца XIX — начала XX века (русский модерн, ар нуво, югендстиль, сецессион и др.), поэтому необходимо различать эти два понятия, с тем, чтобы избежать путаницы. Модернистские течения в искусстве:
Представители:
35) Фовизм. Образно-пластический язык. Представители. Фовизм (от фр. Fauves – дикие) – название направления, которое было присвоено творческой группе молодых парижских художников А. Матиссу, А. Дерену, М. Вламинку, А. Марке, Р. Дюфи, К. ван Донгену, совместно участвующим в выставках 1905-1907 гг. Четкой программы у группы не было. Художников объединяло стремление к созданию образов с помощью яркого, открытого цвета. Природа – повод для создания экспрессивных композиций. Работы этих художников отличало отсутствие светотеневой моделировки, стремление к гармонизации цветовых пятен. У фовистов оставался один шаг до абстракционизма. Анри Матисс (1869-1954), член парижской группы художников, называвшей себя «фовистами», отказался от модулирования цветов, чтобы снова создать впечатляющие, простые и ясные цветовые поверхности, расположенные в субъективно-прочувствованном равновесии по отношению одна к другой. Вместе с Браком, Дереном, Вламинком он принадлежал к парижской группе «Диких». В результате многолетней интенсивной работы, Матисс постепенно отходит от свето-теневой модуляции. Его девизом стало: «Чем боле плоско, тем художественнее». Он постепенно переходит к плоскостно-декоративной манере живописи, превращая картину в декоративный узор. 36) А. Матисс Матисс был сыном потомственных ремесленников. Его мать в свободное время расписывала тарелки. Анри Матисс получает юридическое образование и становится клерком. Во время болезни он читает руководство для начинающих в живописи. Отец отправляет его с рекомендательными письмами учиться в мастерскую художника Бугро (1891), но он ищет что-то иное. Матисс поступает в Школу изящных искусств в мастерскую Гюстава Моро. Моро уважает дарование другого. В его мастерской царит атмосфера творчества и эксперимента. Матисс обращается к опыту импрессионистов в 1897 г.(натюрморт «Голубой горшок и лимон»). Матисс расписывал километры лавровых листьев, был сторожем в театре. Он заплатил огромные деньги за «Купальщиц» Сезанна. Картина вдохновляла его на создание едевров. В 1905 г. Матисс отправляется на Средиземное море. Его «Вид Коллидра» – полет освобожденного человека. Плотина рухнула, и лавина самых ярких чистых красок обрушилась на мир. Немыслимые, сумасшедшие, запрещенные всеми художественными Академиями мира цвета нашли свое место на полотнах мастера. В 1905 г. состоялась выставка, в которой участвовали Матисс, Дерен, Вламинк, Руо и другие художники. Матисс показал на ней картину «Открытое окно». Критик Луи Воксель назвал живопись дикой, а их авторов дикими или фовистами. В Матиссе не было ничего эпотажного, что свойственно и русским авангардистам. Он с молодости любил элегантно одеваться, обожал стильные вещи. Он не ставил перед собой цель поразить и озадачить. Его находки и открытия – результат честного труда. С 1907 г. начинается сотрудничество Матисса с известным русским собирателем живописи Сергеем Ивановичем Щукиным., который обеспечил мастеру нормальную без срывов работу до 1912 г. Для стиля Матисса характерна предельная упрощенность формы, композиционная ясность и уравновешенность, отсутствие светотеневой моделировки, плоские пятна чистого цвета и мажорность («Танец», «Музыка», «Натюрморт с ковром», «Красная комната»). 37) Кубизм. Образно-пластический язык. Представители. Изобретателем кубизма считают Пикассо с его картиной «Авеньонские девушки» (1907), но это, скорее всего, выражение поиска многих художников. Теоретиками кубизма являются живописцы Ж. Метценже и А. Глез. Кубисты пробовали осознать внутреннее строение предметов, они пытались расширить пределы оптического видения. К трем измерениям пространства Возрождения кубисты добавили 4-е – время. В 1911 г. они выставили свои произведения в «Салоне отверженных». Кубисты – Пабло Пикоссо, Жорж Брак, Жуан Грис, М. Дюшан – использовали цвет для своих сочетаний света и тени. Они прежде всего интересовались формой, преобразуя предметы. Они добивались впечатления выпуклости с помощью тональных градаций. Прежде всего, они свели многообразие форм к элементам прямоугольника, треугольника и круга. Полихромное богатство Сезанна, охватившее весь спектр, они свели в основном к черному, белому, серому, охре, коричневому и синему цвету. Контраст света и тени ими был использован во всех возможностях его многотональности. Картины стали уподобляться рельефу, а их содержание свелось к нескольким предметам домашнего обихода. Музыкальные инструменты, благодаря своей утонченности и функциональной красоте форм, вдохновляли живописцев и становились объектами натюрмортов. В качестве контраста к линейным формам и сплошным поверхностям использовались куски ткани, имитации кусков дерева и деревянных решеток. Позже к окрашенным геометрическим формам стали добавлять настоящие предметы, как то: фанера, стекло, листовые металлы, ткани, куски обоев и газет и отдельные типографские буквы. Формы предметов были отделены от их естественной, органической среды и согласованы с абстрактными геометрическими формами. Кубисты разрабатывали новые формы неглубокой многомерной перспективы, позволяющей представить объект в виде множества пересекающихся и просвечивающих плоскостей, сосредоточенных вдоль оси композиции. Объект изображался одновременно со многих точек зрения как комбинация геометрических форм. По мнению кубистов на картине был представлен не только внешний облик объекта, но и знание о нем. Конструктивное сходство и взаимосвязь всех предметов – на это обращают внимание кубисты. Первый этап развития кубизма связан с аналитическими композициями, второму этапу свойственны абстрактные натюрморты. Пикассо пишет картины «Танец с покрывалами», «Женщина с веером», «Три женщины». В 1908 г. создалось объединение «Бато-Лавуар». В 1911 г. образовалась новая группа кубистов в мастерской Вийона, к которому присоединились Дюшан, Глез, Метценже, Ле Фоконье, Леже, Пикабия, Купка. Наиболее последовательно кубизм проявлялся в творчестве Ж. Брака (1882-1963) («Арии Баха», «Португалец»). 38) П. Пикассо «голубой период» -1903-1904 «розовый период» - 1904-1907 «неоклассицизм Пикассо» * Портрет Гертруды Стайн. * Герника «Голубой» и «розовый» периоды В 1900 году Пикассо уехал в Париж, где посетил Всемирную выставку. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов. Голубой период. Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым». В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903; Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента «Нищий старик с мальчиком», 1903; «Трагедия», 1903). В палитре голубые оттенки. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их бледные, отчасти удлинённые тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. *Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905 розовый период В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905). Кубизм От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация и деструкция натуры («Авиньонские девицы», 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к абсолютно новому жанру. Вместе с Жоржем Браком, которого встретил в 1907 году, Пикассо становится родоначальником кубизма — художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства. увеличивает и ломает объёмы рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приёмов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. — атрибутами, присущими образу жизни художественной богемы начала века. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны 39) Экспрессионизм.(выражение) -считалось невозможно через реализм заставить зрителя содрогнуться. Некоторе называют его – «новая вещественность». Это диссонанс цвета и форм, но – с узнаваемыми элементами. Считалось, что искусство уже ненужно, поэтому – цвета – минимальны, живопись сходит на нет. Представители: Объединения: «Голубой всадник» – образован Кирхнером и Хелькелем. Состав: Шмидт Роттлер, Марк Франц, Макс Пехштейн. Джеймс Энсор, Эдвард Мунк. одно из направлений авангардизма. Первое поколение экспрессионистов соотносится с деятельностью немецкой группы «Мост» (1905-1912 гг). Их сочная и многоцветная живопись сменяется плоскостной и графичной манерой письма. Группа «Мост» была организована в Дрездене студентами архитектурного факультета Высшего технического училища. Своим предшественником экспрессионисты считали бельгийца Джеймса Энсера с его масками и Эдварда Мунка, чьи картины называют «криками времени». С 1906 по 1912 гг. выставки «Моста» устраиваются то в Дрездене, то в Кельне. Для экспрессионизма характерна изломанность линий, контрастность цвета, деформированность пространства. В 1910 г. В. Кандинский и Ф. Марке организовали альманах под названием «Синий всадник», а в следующем году – выставку с этим же названием. Эта выставка положила начало второму объединению экспрессионистов (1911-1914 гг.). К этому объединению примкнули Макке, Кампендонг, Клее, Кубин, Кокошка. Экспрессионисты – Мунк, Кихнер, Геккель, Нольде и художники группы «Голубые всадники» - Кандинский, Марк, Маке, Клее – вновь пытались вернуть живописи ее психологическое и духовное содержание. Целью их творчества было представить внутренний духовный опыт с помощью форм и цвета, донести до зрителя внутреннее напряжение, которое испытывает автор. Творчество Поля Клее отличается необыкновенным размахом использования цветовых возможностей. Он составил суровые, веселые и мрачные мелодии цвета. В творчестве Дерена отразилось ощущение жестокости среды и сочувствие человеку. Произошла выставка «Документа» Абстракция –лирическая (Кандинский) и геометрическая (Малевич и Дестейл) Это время появления аэроплана, художник теперь может видеть мир сверху, с высот полёта: *Шоссе и переулки *Внутренний реквием Пит Мондриан и его композиции. 40) Футуризм. общее название художественных авангардистских движений начала 20 века в поэзии и живописи, главным образом в Италии и России. В 1908 г. математик Герман Минковский сформулировал изменение мировоззрения: «Отныне понятия «время» само по себе и «пространство» само по себе осуждены на забвение. В изобразительном искусстве футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы, однако отвергал кубический анализ (разложение) как выражения сущности явления и стремился к непосредственному эмоциональному выражению динамики современного мира.
Главные художественные принципы — скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приёмами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали, скошенные конусы, где движение передаётся путём наложения последовательных фаз на одно изображение — так называемый принцип симультанности. В основе произведений футуристической живописи, скульптуры и архитектуры лежит выражение движения в двух формах: «проникновение во внутрь» и «одновременности» *(скульптор Умберто Боччони «Бутылка, развернутая в пространстве») Футуризм – стиль в изобразительном искусстве и его особенности ФутуризмДавайте в этот раз познакомимся с экзальтированным художественным стилем под названием футуризм. Я думаю у все на слуху сочетание «футуристическое будущее», «футуристический пейзаж». У меня эти фразы ассоциировались с техникой будущего, с какими то внеземными технологиями. Но на самом деле оказалось что это немного не так. Несомненно, футуристы преклонялись перед грядущей технической цивилизацией и ее ценностями. Но это не утопичный мир будущего – это мир настоящего с превнесенными в него новыми художественными средствами самовыражения и такими понятиями как энергетические поля, движение, техногенные звуки. Но, обо всем по порядку. Футуристы были революционерами в искусстве. Некоторые из них считали себя сторонниками социальной революции, а свою роль в современном искусстве видели в том, чтобы обновлять его так же, как обновляют общественную жизнь истинные революционеры. В отличие от представителей других авангардистских течений, испытывавших ужас перед надвигающейся индустриальной эрой, футуристы принимали будущее с экзальтированным оптимизмом, абсолютизировали внешние признаки технической цивилизации в качестве новых ценностей, знаменующих модель грядущего мироустройства.Футуризм Гоночный автомобиль, несущийся как шрапнель, представлялся им прекраснее любой античной статут. Автомобилю, поезду, электричеству, вокзалу футуристы посвящают свои поэмы и картины. В социально-политическом плане очищение мира от старой рухляди они видели в войнах и революциях. Война – единственная гигиена мира. Они с восторгом встретили Первую мировую войну, многие из них ушли воевать добровольцами и погибли. Еще одной важой особенностью эстетики футуризма стало стремление ввести в изобразительное искусство звук чисто визуальными средствами. Шумы, ворвавшиеся в мир вместе с новой техникой, так очаровали футуристов, что они стремятся передать это их в своих работах. Первая выставка итальянских футуристов прошла в Париже в В России футуризм отчётливее всего выразился в литературе, например творчество Маяковского и некоторых других поэтов. В изобразительном искусстве русский футуризм не вылился в целостную художественную систему.
46Творчество п.филонова Павел Николаевич Филонов(1883–1941)Из бедной семьи, рано осиротел, был исключён из академии, после чего связал свою судьбу с «Союзом молодёжи», реорганизовавшимся в 1910 году в Петербурге. Там были такие интересные люди, как О. Розанова, М. Матюшин, Е. Гуро. В выставках «Союза» принимали участие и мастера других объединений. Создаёт лучшие свои работы дореволюционного периода. Расцвет мастера падает на 1912–1915 годы(Пир королей,Мужчина и женщина). Тогда же он пишет первый вариант своей теоретической программы «Идеология аналитического искусства и принцип сделанности». В творчестве - замыкается в создаваемом им образе, погружается в анализ предмета, разлагает мир на составные элементы (на своеобразные первоэлементы, равноценные слогам, буквам и звукам в поэзии Хлебникова и других поэтов-футуристов).Исходит из идеи: мир состоит из атомов и художник может строить мир из кусочков.Реальный мир в этих картинах в какой-то мере зашифрован, они полны мистических символов. Предметы превращаются в знаки, которые надо разгадывать. Его творчество это абстракция познаваемая разумом. Работы "Мать", "Головы", "Животные". В работах прослеживается технический подход, формы тех.аппарата. Ближе к реалистичности "Портрет Евдокии Гисбовой" 47Творчество Ольги Разамоваой русский художник, теоретик, книжный иллюстратор, график, поэт. с 1910-х годов, Розанова сближается с художниками группы "Союз молодежи".С 1913 года занимается иллюстрацией футуристических книг, сближается с Крученых и Хлебниковым. "Город", "Пивная", "Композиция" - работает в стиле кубофутуризма. В 1916 году вступает в общество "Супремус", живописные работы этого времени в целом отвечают супрематической концепции Казимира Малевича, однако отличаются от классического супрематизма повышенным вниманием к декоративной составляющей живописи. В 1917-1918 годах Розанова создает свой собственный живописный стиль "цветопись", который представляет собой новое понимание абстрактного искусства, основанное на принципе цветового построения картины.Разрабатывает теорию прикладного искусства в соответствии с требованием нового времени. | ||||||||||||