Назарова В. Контрольные вопросы Григорианский хорал и его роль в музыкальной культуре эпохи Возрожде ния
 Скачать 358 Kb.
|
|
7. Месса: характеристика жанра, структура. Профессиональная музыка эпохи Возрождения была преимущественно хоровой, её жанры делились на духовные (месса и мотет) и светские (мадригал и полифоническая песня). В соборах звучали мессы, во дворцах и палаццо, в аристократических салонах и домах зажиточных горожан - светская музыка. Но все хоровые жанры эпохи Возрождения стилистически достаточно однородны: стилевое единство определяется господством сквозного полифонического (имитационного) развития и использованием техники сложного контрапункта. Месса (позднелатинское - missa, итал. - messa, нем. - messe), центральное богослужение католической церкви (аналогично православной литургии) и - одновременно - многочастное (циклическое) произведение культовой музыки для хора (иногда с солистами) a cappella (в более поздние эпохи - с оркестром). Месса исполнялась во время богослужения и сама представляла как бы «храм в 10 звуках». Величественна и грандиозна её многочастная конструкция, в качестве фундамента выступает cantus firmus - напев григорианского хорала. В XVI веке композиторы стали заменять григорианский хорал мелодиями популярных светских песен. Канонический текст обычной мессы (Missa ordinarium) включает пять частей: Kyrie eleison (Господи, помилуй) - слово мольбы о прощении; Gloria (Слава в вышних Богу) - слово радости и ликования, божественного восторга; Credo (Верую) - символизирует убежденность и твердость веры; Sanctus, Benedictus (Свят, Благословен) - торжество света и благодати; Angus Dei (Агнец Божий) - выражение молитвенной кротости и смирения. Такую пятичастную мессу называют полной или торжественной (Missa sol-emnis). Существуют также другие типы мессы: краткая месса (Missa brevis) включает только две первые части Kyrie и Gloria, особая месса (Missa proprium) посвящалась определенным воскресным и праздничным дням, реквием (Requiem) - заупокойная месса и другие. Как самостоятельный музыкальный жанр месса сложилась к XIV веку. Музыкальная основа средневековой мессы—одноголосный григорианский хорал, с XIV века—хоровое полифоническое многоголосие a cappella, в котором григорианский хорал использовался как cantus firmus («твердый напев»). Месса была ведущим жанром культовой музыки в эпоху Средневековья и Возрождения. До XIV века - это жанр анонимный. Первая авторская месса принадлежит Гийому деМашо(1364). В музыке католических месс композиторы создавали контрастные настроения: молитвенно-сосредоточенные, смиренные или восторженно-ликующие, но всегда рожденные возвышенным религиозным строем чувств. Поэтому музыка месс передает гармоничное и умиротворенное состояние, воплощает идеальное, возвышенное настроение глубокой сосредоточенности, отрешенности от всего обыденного, земного. В эпоху барокко - с XVII века - и классицизма (XVIII в.) мессы пишутся для хора с сопровождением оркестра (или органа), в склад музыки мес сы проникает гомофония. В мессы включаются наряду с хоровыми сольные и оркестровые номера - таковы «Высокая месса» си минор И.С. Баха, мессы и реквием В.А. Моцарта, «Торжественная месса» Л. ван Бетховена. 8. Мадригал: характеристика жанра, авторы текстов и музыки мадригалов эпохи Возрождения. Мадригал был основным светским жанром в музыке Возрождения. Мадригал (итал. mater, madre - мать) - песня на родном (материнском) языке - жанр музыкально-поэтический, его форма полностью определялась формой стихо- 11 творения, положенного на музыку. Мадригал - жанр аристократический, его содержанием были высокие идеи и возвышенные чувства. Мадригал возник в искусстве ars nova - в творчестве Франческо Ландино как двух-трехголосная песня любовно-лирического характера. Тематика мадригала - свободная и очень разнообразная, но в основном это любовная лирика, лирика природы, пасторальные мотивы. Особенно любимы были настроения печали, элегической грусти, страдания неразделенной любви. Если латынь была языком богословия и науки, то итальянский язык в мадригале стал языком возвышенных чувств и любовных страстей. Не только текст - итальянская поэзия, но и музыка мадригала ярко выделяла его как жанр принципиально светский. Строгому, созерцательному характеру духовной музыки противопоставлялась мелодическая рельефность, образная контрастность в мадригалах. Кульминации в своем развитии мадригал достиг в XVI веке. «Итальянский мадригал в музыке, - пишет В.Д.Конен, - был по существу знаменем новой эстетической эпохи. Он являл собой единственную профессионально развитую и художественно значительную светскую «школу» в музыке эпохи Возрождения, сумевшую выразить в музыкальных звучаниях ренессансные идеи, уже давно воплотившиеся в изобразительных искусствах и литературе». Мадригалы создавались на стихи Данте, Петрарки, Ариосто, Тассо, Гварини, Ринуччини. Высокая, нередко рафинированная поэзия предопределила утонченно изысканный музыкальный строй мадригалов эпохи Возрождения. «Музыка - это очарование и как бы душа поэзии», - писал выдающийся итальянский поэт XVI века Торквато Тассо. Композиторы стремились передать в музыке не только общий смысл текста, его основное настроение, но и отдельные детали, оттенки поэтического образа. Мелодия становилась выразительной, эмоционально окрашенной, рельефной, ритмика - четко периодичной, с элементами жанровости. Характер фактуры - гомофонно-полифонический, с выделением наиболее выразительного верхнего мелодического голоса. Мадригал - жанр хоровой (в основном пятиголосный), но камерный, рассчитанный на исполнение ансамблем в обстановке салона или небольшого концертного зала. Авторы мадригалов—Якоб Аркадельт родом из Льежа, Лука Маренцио, Карло Джезуальдо да Веноза (создатель «хроматического» мадригала), Джованни Палестрина, Клаудио Монтеверди. Драматизация мадригала привела к созданию на его основе во второй половине XVI века «мадригальной комедии», подготовившей рождение оперы. Мадригальные комедии писали Орацио Векки (1550-1605), Алессандро Стрид-жо, Клаудио Монтеверди. 9. Какую роль играли инструменты в эпоху Возрождения? Ведущие музыкальные жанры эпохи Возрождения - вокально-хоровые. Инструментальная музыка еще не играла самостоятельной роли. Инструменты использовались как аккомпанирующие хору, удваивая вокальные партии, или в быту - в танцевальных жанрах. 12 В профессиональной музыке велика роль двух инструментов - лютни и органа. Орган был ведущим церковным инструментом. Во Флоренции и Венеции сложились самостоятельные органные школы, связанные с именами Франческо Ландино, Клаудио Меруло, Джованни Габриэли. В период высокого Ренессанса (в XVI столетии) итальянские мастера, главным образом венецианцы, писали для этого инструмента уже довольно много произведений, стиль которых оказал большое влияние на развитие музыкальной культуры барокко. Лютня стала излюбленным инструментом домашнего (салонного) быта- её нежный тихий звук идеально соответствовал камерному стилю музицирования. Появились многочисленные лютневые пьесы гомофонного склада - интрады, прелюдии, прообразом сюиты стала пара танцевальных пьес - павана и гальяр-да. Возникла и оригинальная лютневая литература, крупнейшим представителем которой был знаменитый ломбардский виртуоз-лютнист Франческо да Ми-лано(1493-ок. 1548). В конце XVI века в творчестве венецианских композиторов Андреа и Джованни Габриели складываются жанры инструментальной ансамблевой музыки -канцоны и ричеркары. Особенность инструментальной музыки эпохи Возрождения - непривычный, терпкий, словно бы нестройный колорит звучания. Он объясняется тембровой пестротой входящих в ансамбль инструментов: струнных, духовых, ударных. 10. Рождение оперы во Флоренции в конце XVI века: эстетические предпосылки, творческие идеи, первые образцы. Италия была родиной большинства профессиональных музыкальных жанров - оперы, оратории, кантаты, инструментальной музыки (сонаты и concerto grosso). Рождение оперы во Флоренции в конце XVI века явилось кульминацией Возрождения: она единственный музыкальный жанр, который возник из идеи воскрешения античности. Если полифоническая музыка строгого письма эпохи Возрождения фактически развивала традиции средневековья, то создание оперы связано с возрождением принципов античной трагедии. Италия была исторически первой страной Ренессанса, и вполне закономерно, что опера - первоначально её называли dramma per musica («драма посредством музыки», то есть положенная на музыку) - появилась во Флоренции, самом сердце Возрождения, в городе Данте, Донателло, Микеланджело, Франческо Ландино. В кружке флорентийских аристократов Джованни Барди и Якопо Кореи -камерате (camerata) - родилась идея нового театрального синтеза. За образец была взята - как наиболее совершенная - форма древнегреческой трагедии. Опера создавалась в сознательном сближении с античным светским искусством: античной поэтической лирикой и театром Древней Греции и Рима. Идеологами этого кружка новаторов были гуманист Джироламо Меи и выдающийся теоретик музыки, виолист и лютнист Винченцо Галилей (1520-1591), отец великого астронома Галилео Галилея. В 1581 г. он опубликовал трактат «Диалог 13 об античной и современной музыке». Ему принадлежат первые образцы монодии (сольного пения с сопровождением) нового типа: «Плач Иеремии» и «Жалоба Уголино». Галилей сам исполнял их, аккомпанируя себе на лютне. Тексты плача, жалобы были весьма благодарны для музыкальной драмы: в них музыка передавала движение чувства (аффекта). Lamento - жалоба - станет в эпоху барокко излюбленным жанром и в оперной и в инструментальной музыке. Условия рождения оперы:
Истоки оперы:
С мадригалом оперу связывает: принципиально светская направленность; аристократичность происхождения, ориентация на образованную элиту - знатоков и любителей высокой поэзии; мадригал и dramma per musica были жанрами музыкально-поэтическими, музыка была в них «послушной дочерью» поэзии: наконец, оба жанра главной задачей ставили передачу душевных движений, внутреннего мира человека, его чувств и переживаний. Создатели dramma per musica стремились именно музыкой - в мелодии - передать выразительную смену аффектов - настроений и чувств человека. Особо значимые слова выделялись украшениями в пении, распевались более мелодично. В целом же преобладал речитативный стиль, идеально отвечающий задаче ясного произнесения текста: «Пение на полпути между обычным говором и чистой мелодией», - говорил Якопо Пери. Поэт был главным создателем dramma per musica: синтез искусств в ней был возрожден на основе высокой поэзии. Автором первых «либретто» - «Эвридика» и «Дафна» - был последователь Т.Тассо поэт Оттавио Ринуччини. Они были положены на музыку певцами Якопо Пери и Джулио Каччини. Опера «Эвридика» Д.Каччини (1600) - первый дошедший до нас образец dramma per musica. Художественное значение до настоящего времени сохраняет опера Клаудио Монтеверди «Орфей» (1607). Через год появилась «Дафна» Марко да Гальяно (1608) и «Ариадна» Монтеверди (не сохранилась). Эти произведения создали своеобразный канон жанра dramma per musica. Так, обязательным был пролог (как в античной трагедии), в котором выступает 14 аллегорический или божественный персонаж. Непременным атрибутом являлись и пасторальные сцены. Но не сформировались еще оперные формы: не было разделения на арии, речитативы, ансамбли. 11. Какие оперы Монтеверди вам известны? Ярчайшим достижением итальянской оперы первой половины XVII века является творчество Клаудио Монтеверди (1567-1643). Композиторский стиль Монтеверди сформировался в условиях позднего Возрождения: в его творчестве высокого совершенства достиг жанр итальянского мадригала. Мадригалы Монтеверди концентрируют все характерные черты позднего Возрождения; господство светской (преимущественно любовной) лирики, смешанный гомо-фонно-полифонический склад, изысканность и утонченность стиля. Некоторые мадригалы - почти настоящие «оперные» сцены, например, «Жалоба нимфы». С 1607 г. Монтеверди обращается к опере, параллельно сочиняя и мадригалы. Он становится первым оперным композитором, до него dramma per musica создавалась поэтами и певцами. Само определение opera - синоним opus, т.е. дело, создание, произведение. Далеко не все оперы Монтеверди сохранились. До нас дошли три: «Орфей», «Возвращение Улисса на родину» и «Коронация Поппеи» (1642) - первая опера на исторический сюжет. Из оперы «Ариадна» (1608) сохранился лишь один фрагмент - Жалоба (lamento) Ариадны. Этот сольный номер Монтеверди переделал позднее в пятиголосный мадригал. Главной темой творчества Монтеверди - как истинного представителя Возрождения - становится человек, его страсти, его чувства и переживания. Искусство Монтеверди идеально соответствует гуманистическим устремлениям Возрождения, между тем стилистически уже связано со следующей эпохой - барокко. 12. Сформулируйте черты стиля барокко применительно к музыке. Барокко - основное стилевое направление в искусстве большинства европейских стран в XVII - первой половине XVIII века. Искусство барокко рождено изменившимися представлениями о мире и человеке, крушением ренессанс-ной гармонии, антропоцентризма и оптимизма. Барроко - значит причудливый, вычурный. В новом художественном стиле отразились напряженные и трагические переживания, растерянность и тревога, призрачность и фантастичность. Усиливается значение религиозной тематики в искусстве, особенно тем, связанных с видениями, чудесами, мученичеством. В определенном смысле барокко воскрешало Средневековье, возрождая мистицизм и иллюзорность, тему смерти в искусстве, сознание суетности и бренности земной жизни. «Что молодость, почет, искусство, блеск наград? Придет последний час, все станет дым и чад». Андреас Грифиус Напряженность духовной жизни в неустойчивом, полном глубоких противоречий мире, стремление к отображению в искусстве психологических про- 15 цессов, смятения и драматизма в душе человека, создали благоприятную почву для расцвета именно музыки. Начиная с XVII века эволюция музыки становится синхронной с развитием других искусств. Поэтому достижения выдающихся композиторов эпохи барокко: Монтеверди, Перселла, Фрескобальди, Букстеху-де, Шютца, Корелли, Вивальди, Баха, Генделя - стоят в одном ряду с творчеством великих писателей и художников XVII века: Мильтона, Сервантеса, Лопе де Вега, Мольера, Корнеля, Расина, Караваджо, Веласкеса, Рубенса, Рембрандта и других. Барокко - стиль эффектный и противоречивый, напряженный и взволнованный. Излюбленные темы барокко - жизнь и смерть, временность, непрочность земной жизни перед лицом вечности, иллюзорность реальности, напоминание о смерти. Пышная декоративность, экспрессия и аффектированность, драматическая патетика, как характерные черты стиля, были свойственны всем видам искусства, которые стремятся «поражать, удивлять и очаровывать». Но музыка была способна наиболее ярко передать драматически напряженный, тревожный, патетический дух времени. «Барокко хочет увлечь со всею силою страсти, возбуждает, опьяняет, приводит в экстаз, но не дает счастливого бытия» (Г.Вёльфлин). Безусловное лидерство в создании характерных черт стиля барокко принадлежит итальянскому архитектору и скульптору Лоренцо Бернини (собор Святого Петра в Риме; скульптуры «Экстаз святой Терезы», «Аполлон и Дафна», «Похищение Прозерпины»). Искусству барокко свойственны монументальность и экспрессия, напряженность и драматизм, взволнованность и страстность, повышенная аффектация, стремление к величию и пышности, сложности композиционных решений, к совмещению реальности и иллюзии. Специфические для искусства барокко черты:
В музыке эпоха барокко довольно продолжительна и охватывает около полутора столетий от рубежа XVI-XVII веков (А.и Дж. Габриели и Монтеверди) до середины XVIII века (творчество Баха и Генделя). 16 Музыкальное барокко - понятие широкое и очень ёмкое, включающее множество новых жанров, рожденных эпохой послеренессансной культуры (от ранней dramma per musica до Страстей Баха и ораторий Генделя), и различных национальных композиторских школ (в Италии А.Скарлатти, Д:Кариссими, Д.Фрескобальди; в Германии Г.Шютц, Д.Букстехуде, И.С.Бах, Г.Ф.Гендель; в Англии Г.Пёрселл). Началом новой эпохи в истории музыкальных стилей является создание оперы (dramma per musica) в Италии и связанный с ним стилевой перелом: хоровая полифония строгого стиля Возрождения постепенно уступает место го-мофонно-гармоническому складу - основополагающему типу фактуры в музыке XVIII и XIX веков. В музыке «антиномии барокко» выявляются:
Противоречивая сущность барокко сказалась и в особом типе фактуры, основанном на равновесии между полифонией и гомофонией, который дал название музыке эпохи барокко: «полифония свободного письма» (в отличие от строгого стиля хоровой полифонии Возрождения). Новое качество полифонии XVII- первой половины XVIII вв. - инструментализм - определяет особенности мелодики, гармонии, фактуры, формы. Расширение интонационно-мелодических и ладо-тональных возможностей музыки связано в свободном стиле с хроматизацией тональности (см. Хроматическую фантазию и фугу И.С.Баха для клавира), формированием мажоро-минорной системы, активным использованием различных тональностей и техники модуляций. Употребление всех 24 мажорных и минорных тональностей было продемонстрировано впервые в сборнике прелюдий и фуг И.С.Баха «Хорошо темперированный клавир». Свободный стиль полифонии XVII- начала XVIII вв., который объединяет музыкальные жанры эпохи барокко, основан на сочетании имитационной техники с приемами классической гармонии. Универсальный тип фактуры в разных жанрах барокко (от оперы до трио-сонаты и concerto grosso) называется bassocontinuo- «длящийся бас», или иначе - «цифрованный бас». Это особый, специфически барочный, технологический прием, когда под непрерывно длящейся басовой партией (она исполнялась виолой да гамба - виолончелью) цифрами обозначались аккорды, исполняемые на клавесине или органе. Техникой «генерал-баса» владели все музыканты, поэтому композитор не выписывал 17 аккордовую вертикаль, а лишь намечал её цифровкой. Абсолютное господство свободного стиля и цифрованного баса в музыке эпохи барокко, позволило Г.Риману назвать её «эпохой генерал-баса». |