Алянский - Азбука театра - кино и эстрады. Азбука театра, кино и эстрады

• Название: Азбука театра, кино и эстрады
• Дата: 17.07.2022
• Размер: 6.93 Mb.
• Имя файла: Алянский - Азбука театра - кино и эстрады.docx
• Тип: Книга; #632035
• страница: 3 из 66

АДАЖИО

Адажио - 1. темп исполнения музыкальных произведений: медленно, протяжно. 2. Музыкальное произведение или часть его в таком темпе.

АДМИНИСТРАТОР

Администратор (лат. – управляю, заведую) – человек, профессиональная деятельность которого, направлена на прокат спектаклей, концертов в театре и на эстраде.

АЖИОТАЖ

Ажиотаж (фр. – волнение) – сильное возбуждение, волнение, борьба интересов.

АЗАРТ

Азарт (фр. – случайность) – запальчивость, задор. Сильное увлечение, рвение. Крайнее увлечение игрой.

АКАДЕМИЧЕСКАЯ МУЗЫКА

Академи́ческая му́зыка (серьёзная музыка, светская профессиональная) — музыка, находящаяся в отношении преемственности прежде всего к сформировавшимся в Европе в XVII—XIX вв. музыкальным жанрам и формам (опера, симфония, соната и т. п.), мелодическим и гармоническим принципам и инструментальному составу.

АКАДЕМИЧЕСКОЕ ПЕНИЕ (АКАДЕМИЧЕСКИЙ ВОКАЛ)

Академическое пение – это классическая вокальная школа, обучающая исполнителя петь в опере, в академическом хоре, капелле, с симфоническим оркестром, а также в жанре камерной вокальной музыки. В академическом вокале и народной музыке есть каноны и определённая манера пения.

Основы академического вокала были заложены еще в ХVI веке. Академический вокал развился из музыки европейского церковного пения. Претерпев множество изменений, и будучи дополнен величайшими композиторами разных эпох (в том числе русскими композиторами-классиками Римским-Корсаковым, Бородиным, Глинкой, Чайковским и другими), он стал основой для оперной и камерной музыки.

Академическое исполнение можно разделить на стили: кантилена, декламация и колоратура.

В оперной технике belcanto нет частых резких скачков и быстрой смены певческих регистров.

Академический вокал нацелен на передачу красоты голоса. Академический звук более звонкий, чистый, однородный и округлый. Однако иногда, наслаждаясь красотой звука, очень трудно понять текст композиции.

Академический вокал возник во времена отсутствия любого оборудования, способного усилить голос исполнителя. По этой причине певец мог рассчитывать лишь на собственные вокальные данные. Академический вокал не предполагает пения в микрофон. Классическая манера пения базируется на особом использовании гортани и дополнительных резонаторов, благодаря чему достигается чистое объемное звучание, способное заполнить большое помещение и подняться над симфоническим оркестром.

Академический вокал отличается от эстрадного, джазового и рок вокала своей строго классической позицией. В академическом вокале существуют определённые рамки, наработанные опытом и историей вокальной музыки. Эти рамки, как правило, не позволяют академическому певцу использовать свой голос в иных вокальных направлениях. С опытом у академического певца формируется определённая вокальная позиция, благодаря которой голос становится очень сильным и приобретает большой объём. Однако, в редких случаях, академисты могут выступать и в иных вокальных жанрах, если смогут облегчить подачу звука.

В академическом вокале все поется в одной позиции, на зевке. Зевок всему голова, он здесь правит бал. Гортань опускается как на обычном, человеческом зевке, когда Вам спать хочется. Попробуйте как следует зевнуть и издать звук, и вот Вы поете в академической манере! Академические вокалисты всю жизнь учатся петь в этот самый зевок. Это не так просто, как может показаться, не даром же они годами учатся, стажируются.

Репертуар поющих в академической манере – разнообразные арии, романсы, оперетты. Эти певцы выступают на сценах больших и малых оперных театров в качестве солистов либо в хоре.

Академические хоры следуют традициям, они могут петь либо под аккомпанемент инструмента и даже целого оркестра, но ничто так не завораживает, как хор, поющий a capella.

АККОМПАНЕМЕНТ

Аккомпанемент (фр. accompagnement) — музыка, гармонически сопровождающая и дополняющая главный голос. Аккомпанемент - музыкальное сопровождение.

АККОМПАНИАТОР

Аккомпаниатор (фр. Accompagnateur) — исполнитель партии аккомпанемента (пианист, аккордеонист, гитарист).

АКТ

Акт (лат. actus – поступок, действие)

1) Отдельная, крупная, составная часть драматического действия или театрального представления.

Законченная часть театрального произведения (например, оперы), отделенная от других подобных частей перерывом (антрактом); то же, что действие.

Законченная часть драматического произведения или театрального представления. В театре акт обычно разделяются перерывами (антрактами). Акт может дробиться на более мелкие части (явления, эпизоды, сцены, картины).

Деление спектакля на 5 актов впервые было осуществлено в театре Древнего Рима (в древнегреческой драме действие продолжалось непрерывно, перемежаясь выступлениями хора). Пятиактное деление затем перешло в европейскую драматургию эпохи Возрождения и классицизма (исключение составлял испанский театр, в котором было принято деление пьесы на 3 петихорнады). Драматургия последующих эпох имеет от 1 до 5 актов. В классическом театре ряда стран Востока (Китай, Япония, Индия, Иран и др.) пьесы имеют десятки актов.

2) В Англии, в т. н. Елизаветинском театре, актом называлась музыка между отдельными частями пьесы.

АКТЕР

А ктер (франц. acteur, от лат. actor – действующий, исполнитель, декламатор), артист (франц. artiste, от лат. ars – искусство), – исполнитель ролей в драматических, оперных, балетных, эстрадных, цирковых представлениях и в кино.

Актер – тот, кто действует, исполняет роль, становится действующим лицом драматического произведения на сцене театра и в кино.

Актер – живая связь между текстом автора, замыслом режиссера и восприятием публики.

Актер-творец должен быть в силах постигать все самое великое в своей эпохе, должен понимать ценность культуры в жизни своего народа и сознавать себя его единицей. Он должен понимать вершины культуры, куда стремится мозг страны в лице его великих современников.

Экзамен – каждый день

Есть разные профессии. Есть простые, есть сложные. Актерская профессия – одна из самых самых сложных. Она сложна и физически и психологически. Да и материально не всегда достойно награждается. Здесь нужен несомненный талант и увлеченность. И постоянная работа над собой. Не каждый способен ежедневно быть готовым к подвигу.

Главное правило актера – верить в то, что говоришь.

Однажды маленький польский мальчик спросил:

– Почему для людей, совершающих подвиги на войне и в труде, есть ордена, а тех, кто делает нас веселыми и счастливыми, орденами не награждают?

Взрослые подумали и решили, что мальчик прав. И тогда в Польше был учрежден орден Улыбки. Польские дети большинством голосов награждают им людей из всех стран мира по собственному усмотрению. Среди кавалеров этого ордена – учителя, писатели, музыканты, художники, актеры.

Первым иностранцем, удостоенным этой высокой награды польских детей, стал по подсчету ребячьих писем и предложений советский артист, режиссер, создатель и руководитель главного Театра кукол в СССР Сергей Владимирович Образцов.

После окончания спектакля, приуроченного к торжеству награждения, на сцену пригласили Сергея Владимировича. С другой стороны сцены вышел мальчик с большим жезлом. Мальчик постучал им по полу, а потом предложил Сергею Владимировичу выпить бокал неразбавленного лимонного сока. Сахара в бокале не было. И главное условие состояло в том, что сок надо выпить не поморщившись.

Образцов выпил и, хотя было очень кисло, ни разу не поморщился. Тогда под бурные аплодисменты зрительного зала ему прикололи на грудь красивый серебряный орден с изображением золотого смеющегося солнца.

Этим орденом дети награждают не только деятелей театра. В июле 1988 года они назвали его кавалером Михаила Сергеевича Горбачева.

Быть кавалером ордена Улыбки – высокая честь и большая радость. А чтобы получить такую награду, надо – так уж получается – совершить подвиг: сделать людей счастливыми и веселыми.

Подвиг актера? Что же это все-таки означает?

Когда началась Великая Отечественная война, весь театр СССР сразу же начал готовиться – нет, не к обороне – к атаке! Одни актеры брались за оружие и уходили на фронт, другие тоже получили оружие – новые пьесы, новые роли, жгучий материал духовного сопротивления фашистским захватчикам.

Тогда, в конце июня сорок первого года, в Центральном театре кукол задумались: какие теперь играть спектакли? Какие девать новые куклы? Для начала решили изобразить Гитлера в виде овчарки, а главаря итальянских фашистов Муссолини – в виде бульдога. Честно говоря, собаки не очень-то подходили для сатиры на фашистов: эти благородные животные – верные друзья человека. Пожалуй, мысль состояла в том, что фашистские главари – взбесившиеся животные, несомненно опасные для людей.

«Взрослые» театры ставили новые, только что написанные драматургами пьесы о войне, формировали фронтовые бригады. Удивительное, небывалое событие произошло 13, 14 и 15 июля 1942 года: газета «Правда», никогда прежде не печатавшая пьес, опубликовала в трех номерах этих дней пьесу поэта и драматурга Константина Михайловича Симонова «Русские люди», причем полностью – от начала до конца! Десятки театров страны сразу же приступили к репетициям.

Многие советские артисты выступали на передовой линии фронта, работали под огнем врага. Другие, в тылу, собирали деньги и на свой счет строили танки и самолеты. Истребители и бомбардировщики с надписями на борту: «Малый театр – фронту» или, к примеру, «Большой театр – за Родину!» взмывали в черное фронтовое небо. Актеры разили врага не только гневными, сатирическими спектаклями, но и трассирующими пулеметными очередями «своих» боевых машин.

Но особенная, трагическая доля досталась актерам осажденного Ленинграда. В условиях небывалой блокады города, когда на ленинградцев обрушились не только тысячи снарядов и бомб, но и муки голода, холода, непереносимых лишений, артисты и здесь вышли на переднюю линию огня. В разгар блокады, в 1942 году, в Ленинграде родился новый театр. На его сцене шли тогда не только драматические, но и оперные и даже балетные спектакли! Был поставлен, например, балет «Конек-Горбунок».

И все это было подвигом.

И все же совершить подвиг в искусстве можно не только на войне. В обычной жизни художнику тоже предоставляется возможность для творческого подвига.



В. Ф. Комиссаржевская

Выдающаяся артистка российской драматической сцены Вера Федоровна Комиссаржевская (1864–1910) еще в самом начале 20-го века в одном из своих писем рассказала о том, как понимает она свой долг, преданное служение искусству:

«В Парижской галерее изящных искусств есть знаменитая статуя. Она была последним произведением великого художника, который, подобно многим гениальным людям, жил на чердаке, служившем ему мастерской и спальней. Когда статуя была совсем почти готова, ночью сделался в Париже мороз. Скульптор не мог спать от холода и думал о том, что глина не успела еще высохнуть, что вода в ее порах замерзнет и в один час статуя будет испорчена и разрушится мечта его жизни. Тогда он встал и закутал свою статую одеялом. На следующее утро скульптора нашли мертвым, зато статуя была невредима. Вот как надобно любить свое дело».

Комиссаржевская и сама любила свое дело так, как скульптор, герой этой истории. В расцвете жизни, в разгаре славы артистка отправилась в 1910 году в большую гастрольную поездку по городам и местечкам тогдашнего Туркестана (так до 1924–1925 годов называлась нынешняя Средняя Азия). И заразилась черной оспой. В тех местах эта страшная, неизлечимая болезнь уносила сотни тысяч людей ежегодно. Комиссаржевская добровольно, по зову совести и сердца старалась облегчить страдания умирающих – и погибла сама.



Выдающаяся актриса Малого театра Вера Николаевна Пашенная (1887-1962) создала классический для нашей сцены образ Вассы Железновой в одноименной пьесе А. М. Горького. Премьера спектакля состоялась в 1952 году.
А вот еще пример мужества.

Знаменитый артист Малого театра Александр Алексеевич Остужев (1874–1953) был уже широко известным мастером сцены, когда неожиданно подкралась беда: начала надвигаться глухота. Врачи не могли ему помочь. Потеря слуха – тяжкое, непреодолимое препятствие в работе актера. Но Остужев остался на сцене. Никто уже не узнает, каких огромных усилий это ему стоило, какого напряжения и труда! Еще более сорока лет играл этот замечательный артист. Он не слышал партнеров, не слышал аплодисментов, дыхания зрительного зала. Но он выработал надежный метод общения с партнерами, и никто никогда не замечал, чтобы Александр Алексеевич опоздал с очередной репликой или «наступил» на предыдущую. У него появилось идеально отточенное чувство времени, ритма, паузы. Научился он читать и по губам... Особенно прославился Остужев, когда, уже будучи глухим, в 1935 году с блеском сыграл роль Отелло в одноименной трагедии Шекспира.

Все это – настоящие подвиги, совершенные на сценических подмостках. Игра и подвиг, как видите, могут соединяться.

Искусство актера – это искусство создания на сцене образа человека, положительного или отрицательного действующего лица пьесы. Артист как бы превращается в своего героя, перевоплощается, как говорят в театре. Искусство перевоплощения – очень сложное дело. Но оно необходимо: не владея им, актер может остаться в спектакле всего лишь самим собой.

Перевоплощение бывает иногда только внешним: артист изменяет с помощью грима свое лицо, надевает парик, старается изменить голос, придумывает необычную походку. Но всего этого мало для создания образа. Подлинное перевоплощение состоит еще и в том, чтобы понять и показать зрителям характер персонажа, его жизненные позиции и взгляды, верно передать его мысли и чувства.

В своей работе актер пользуется инструментами, какие дала ему природа: телом, движением, речью, голосом, жестом, мимикой. Ему помогают при этом память, наблюдательность, воображение, эмоциональность – так называется способность человека ярко выражать свои чувства, переживания – эмоции.



И. Г. Черкасов
Верным средством актерской профессии в драматическом театре всегда было и навсегда останется слово. Артист должен уметь правильно, грамотно, хорошо говорить. Не так, как в обыденной жизни, – небрежно пробрасывать слова, глотать, комкать их, иногда даже искажать. Сценическая речь – особое искусство, его преподают в театральных учебных заведениях наравне с другими предметами.

Разумеется, характер действующего лица в основном бывает заложен... скажу точнее: должен быть заложен в роли, если это, конечно, хорошая пьеса. Но артист и в этом случае с помощью режиссера или самостоятельно развивает характер, намеченный драматургом, углубляет его, придает ему новые черточки и оттенки. Талантливому актеру удается создать яркий, интересный образ даже в очень маленькой, почти бессловесной роли. «Нет маленьких ролей, есть маленькие актеры». Эта мысль давно стала одним из законов российского театра. А маленький актер – человек, недостаточно талантливый.

Вы можете спросить: а что же такое талант? Почему, перечисляя «инструменты», необходимые актеру в работе, я не назвал таланта и упомянул его только между прочим?.. И будете правы. Талант – важное качество, необходимое каждому художнику, а еще вернее – каждому человеку в любом деле, даже, казалось бы, самом простом.

Но что это такое? Откуда талант берется, можно ли его в себе развить, воспитать? Или он дарится природой избранным, от рождения?

На эти вопросы подробно отвечает выдающийся российский режиссер, актер, театральный педагог Константин Сергеевич Станиславский (настоящая фамилия — Алексе́ев) (1863-1938). К его мыслям о театре и его богатейшему опыту мы еще не раз обратимся на страницах этой книги.

Вот что писал Константин Сергеевич в своей книге «Моя жизнь в искусстве»: «Давнишнее мнение о том, что актеру на сцене нужен только талант и вдохновение, достаточно распространено и поныне. В подтверждение этого мнения любят опираться на гениальных артистов, вроде нашего Мочалова, который будто бы подтверждает это своей артистической жизнью...» (Здесь я хочу прервать цитату, чтобы сказать вам, что Павел Степанович Мочалов [1800–1848] – знаменитый трагический актер первой половины 19-ого века. Он жил и работал в Москве. И стал для своего времени, а потом и для всей истории российского театра классическим образцом актера, который играет исключительно по вдохновению.)

«Попробуйте сказать актерам, плохо осведомленным в своем искусстве, что вы признаете технику, и они с презрением начнут кричать: «Значит, вы отвергаете талант?»

...Чем крупнее артист, тем больше он интересуется техникой своего искусства».

Эти слова Станиславского выделим особо. Почти всю свою жизнь в театре Константин Сергеевич потратил на то, чтобы сделать технику актерского мастерства доступной каждому молодому актеру. Он стремился создать специальный метод – для помощи в овладении техникой. Этот метод называется «системой Станиславского». Мы о нем еще поговорим.

Интересно, что за полвека до Станиславского такие же мысли об актерской профессии высказал Островский: «...у каждого искусства и даже ремесла есть своя а з б у к а, которая называется техникой... Нельзя быть ни художником, ни хорошим мастеровым, не изучив основательно техники... Техника сценического искусства не из легких».

Больших успехов достигло искусство актера в российском театре. Этим мы обязаны творчеству выдающихся деятелей сценического искусства Константина Сергеевича Станиславского, Владимира Ивановича Немировича-Данченко, Евгения Багратионовича Вахтангова. Каждый из них воспитал поколения актеров. У которых, в свою очередь, появилась и свои ученики...

Перечисление выдающихся советских и российских артистов заняло бы немало страниц. При случае мы будем знакомить вас с некоторыми из них. При этом подчеркнем, что в США, когда говорят о чьих-то актерских заслугах, имеют в виду прежде всего кино. У нас же всегда говорят о театре. Кино – это слава, театр – творчество.

Один из создателей театра для детей в СССР режиссер и драматург Леонид Федорович Макарьев (1892 –1975) говорил своим ученикам: «На сцену не надо выходить для того, чтобы поражать, потрясать своим талантом, красотой, темпераментом, обаянием. Сцене нужен человек, артист, гражданин, который выходит не для того, чтобы развлечь и отвлечь, а чтобы научить, помочь, спасти!» То есть на сцене актер должен вести себя как Мессия.

Это важное напутствие для любого артиста.

АКТЕРСКИЙ ШТАМП

Актерский штамп – приемы сценической игры раз и навсегда зафиксированные актером в своем творчестве. Готовые механические приемы актера, которые входят в привычку и становятся его второй натурой, которая заменяет на подмостках человеческую природу. Штамп есть готовая форма для выражения того или другого чувства.

Штамп в театре, в актерской игре, – внешний, заученный, формальный прием, лишенный внутреннего духовного содержания.

Актерские штампы проникают в сценическую речь, мимику, пластику, а также и в режиссуру. Тогда рождается ремесленное искусство.

Актерский штамп – это очень примитивное, формальное, внешнее изображение чужих чувств роли, не пережитых и потому не познанных самим актером, исполняющим роль. Это простое передразнивание.

Когда актер стремится сделать непосильное для него, он попадает в трясину внешних, механических, ремесленных штампов. Актерский штамп есть результат артистического бессилия.

АКТЕРСКОЕ ИСКУССТВО (ИСКУССТВО АКТЕРА)

Актерское искусство – искусство создания сценических образов; вид исполнительского искусства.

Это искусство создания актером с помощью собственного психофизического аппарата живого образа, существующего во времени и пространстве.

Зародившись в ритуальных действах, искусство актера с самого начала носило синтетический характер: в ритуалах участвовали музыка, песня, танец, слово (можно сказать, и изобразительное искусство — грим, костюм). Постепенно выделились три основных вида актерского искусства: в балете оно органично соединилось с танцем, в опере — с пением, в драматическом театре оно неотделимо от слова, т. е. драматургии. Пение и танец, хотя и присутствуют в драматическом спектакле, носят, как правило, характер вставных номеров. Но искусство актера существует и в «чистом виде»: в пантомиме образ создается актером без слова, песни или танца.

Искусство актера обладает рядом важных особенностей. Каждое искусство имеет дело с определенным материалом: для живописца — это краски и холст, для скульптора — глина, мрамор, дерево. Для актера единственным материалом и инструментом является он сам — его тело, походка, жесты, мимика, голос и, наконец, психика. Поэтому он всегда стремится развивать свой голос, пластику, изучает технику грима, но в главном — во внутреннем перевоплощении — ему приходится полагаться на интуицию.

Материалом для работы актера над ролью служат собственные природные данные: речь, тело, движения, мимика, наблюдательность, воображение, память т.е. его психофизика. Особенностью актерского искусства является то, что процесс творчества в конечной стадии совершается на глазах у зрителя, в процессе спектакля.

Актерское искусство находится в тесной связи с искусством режиссера.

В актерском искусстве невозможно отделить творческий процесс от результата. Премьера — это не просто результат, это одновременно и продолжение творческого процесса, и его наивысшая, кульминационная точка. Актер творит на глазах у зрителей каждый раз заново, а значит — немножко иначе, меняется зритель — меняется в чем-то и спектакль. Но неразделимы не только творческий процесс и результат. Само произведение неотделимо от творца — актера, он как бы растворяется, исчезает в этом произведении, являя чудо перевоплощения.

Искусству актера присуща импровизационность. Особенно ярко проявлялась она в итальянской комедии масок. В современном театре импровизационность носит иной характер. При всей точности следования авторскому тексту и режиссерским мизансценам актер сохраняет внутреннюю импровизационность: строго придерживаясь рисунка роли, он проявляет свободу в вариации множества оттенков и красок внутри этого рисунка. К тому же каждый момент роли актер переживает как бы впервые, словно не зная, что произойдет в следующую секунду и какая у партнера возникнет реакция. С им– провизационностью связана непосредственность, и если они отсутствуют, зритель видит на сцене лишь заученные движения и слышит заученный текст. Один из важнейших элементов актерского искусства — вера в воображаемые обстоятельства. Она необходима актеру, чтобы органично и естественно действовать в предлагаемых (автором и режиссером) обстоятельствах.

Каждый вид искусства имеет свой язык, на котором оно говорит со зрителем. В искусстве актера — это психофизическое действие, т. е. единство физического движения актера с его внутренним волевым актом, устремленным к определенной цели. Действию подчинены все остальные выразительные средства, а также чувства и мысли актера. Actig в переводе с латинского означает «действие», и вне его нет искусства актера. Ведь спектакль состоит из актов-действий, и «населяют» его действующие лица. С огромной выразительностью актерского действия связаны богатые возможности интерпретации (трактовки) театром пьесы: подчеркивание различных смысловых оттенков, углубление ее смысла.

И наконец, искусство актера, его мастерство раскрывается в ансамбле с другими участниками спектакля.

АКТУАЛЬНЫЙ

Актуальный (лат. – существующий, современный) – важный, значительный для текущего момента, злободневный, современный.