Гооогг. Ответы_4-2. Балетный театр после революции 1917 года. Молодой балет
 Скачать 138.73 Kb.
|
|
26. Хореографическое искусство г.Воронежа (история и репертуар Воронежского театра оперы и балета). История - началась в сентябре 1931 года, когда в Воронеже начал свою творческую деятельность Театр музыкальной комедии, созданный на базе коллектива содружества профессиональных артистов под руководством актёра и режиссёра Лазаря Лазарева. Театр успешно ставил классические оперетты и современные музыкальные комедии для всего Центрального чернозёмного округа.В 1958 году он гастролировал в Москве, где получил высокую оценку зрителей. По результатам гастролей председатель Союза композиторов СССР Тихон Хренников предложил переименовать Театр музыкальной комедии в Музыкальный театр. В 1960 году, после одобрения этого предложения Министерством культуры СССР и руководством Воронежской области, театр был переименован.Важной вехой в истории труппы стало появление нового здания на площади Ленина. 25 февраля 1961 года, день премьеры оперы П. И. Чайковского «Евгений Онегин» на новой сцене, считается днём рождения театра. На следующий день — 26 февраля — был показан спектакль «Лебединое озеро», с которого началась история балетной труппы под руководством балетмейстера Т. Рамоновой. 1960-е годы ознаменовались творческой деятельностью режиссёра С. А. Штейна (народного артиста Белоруссии), главного балетмейстера К. А. Муллера (заслуженного деятеля искусств Белоруссии) и главного художника В. Л. Цыбина (заслуженного деятеля искусств РСФСР). В те же годы в театре работал народный артист РСФСР, лауреат Государственных премий дирижёр А. А. Людмилин, который создал в театре основы классического оперного и балетного репертуара. Под его руководством было поставлено 10 спектаклей, таких как «Аида», «Риголетто», «Травиата», «Кармен», «Тоска», «Чио-Чио-Сан», «Пиковая дама», «Демон», «Луд Гидия», «Огненные годы». После смерти А. А. Людмилина в 1966 году его традиции продолжил Ярослав Антонович Вощак, который поставил такие оперы, как «Мазепа», «Трубадур» и «Русская женщина». При нём в 1968 году театр получил современное название: Воронежский государственный театр оперы и балета. В 1979—1985 годах главным балетмейстером театра являлась народная артистка РФ Н. Г. Валитова, в 1995—2006 годах она занимала пост художественного руководителя балетной труппы. На настоящее время художественный руководитель - главный балетмейстер театра Литягин А.А. Репертуар: Оперы «Паяцы» (1961) «Аида» (1962) «Дочь Кубы» (1962) «Кармен» (1963) «Чио-Чио-сан» (1963) «Луд Гидия» (1963) «Дороги дальние» (1964) «Князь Игорь» (1964) «Огненные годы» (1966) «Брестская крепость» (1967) «Русская женщина» (1969) «Тихий Дон» (1967) «Мазепа» (1968) «Пиковая дама» (1970) «Олеко Дундич» (1972) «Бал-маскарад» (1972) «Волшебная флейта» «Иоланта» «Травиата» «Дон Жуан» «Царская невеста» «Макбет» «Марица» «Цыганский барон» «Кот в сапогах» «Севастопольский вальс» Балеты «Дон Кихот» (1963) «Тропою грома» (1963) «Барышня и хулиган» (1965) «Лебединое озеро» (1968) «Корсар» Адана (1969, 2018) «Гаянэ» (1971) «Антоний и Клеопатра» (1972) «Жизель» «Руслан и Людмила (балет)» (2017) «Продавец игрушек» (2020) 27. История Воронежского хореографического училища. Первая часть основана на сопоставлении двух образов. Первый — могучая унисонная тема в исполнении струнных, словно втаптывающая, грузная и кряжистая. Ее дополняет, несколько смягчая суровость, более оживленный мотив, интонируемый деревянными духовыми. Побочная тема — широкая песенная мелодия в исполнении виолончелей, — кажется, рисует раздольную русскую степь. Разработка строится на чередовании героических, напряженных эпизодов, вызывающих ассоциации с боевыми схватками, былинными подвигами, с лирическими, более личными моментами, в которых побочная тема в результате развития приобретает ликующий характер. После сжатой репризы, в коде части с гигантской силой утверждается первая тема. Вторая часть — стремительное скерцо, первая тема которого стремительно вырывается из глубины басов на фоне повторяемой валторнами октавы, а затем несется вниз, словно «не переводя дыхания». Вторая тема звучит несколько мягче, хотя и она сохраняет мужественный характер. В ее своеобразном синкопированном ритме слышатся звуки бешеной скачки степных коней по бескрайним просторам. Трио пленяет мелодическим очарованием, и как нередко у Бородина, мелодия овеяна восточной негой. Но средний эпизод невелик — и возобновляется стремительный бег, постепенно угасая, словно уносясь в неведомое. Третья часть, призванная по словам самого Бородина передать образ Бояна — легендарного древнерусского певца, — носит повествовательный характер и разворачивается в плавном, спокойном движении. Аккорды арфы имитируют перебор гусельных струн. После нескольких тактов интонируе мого кларнетом вступления валторна запевает поэтическую мелодию, принадлежащую к лучшим страницам музыки композитора. Однако недолго спокойное повествование: новые мотивы вносят смутное ощущение угрозы, сгущаются, мрачнеют краски. Постепенно восстанавливается первоначальная ясность. Чудесным лирическим эпизодом, в котором основная мелодия звучит во всей полноте своего обаяния, заканчивается часть. Повторение вступительных тактов переводит непосредственно в начинающийся без паузы финал. Его музыка захватывает своим размахом, блеском, жизнерадостностью и вместе с тем — величием. Основной музыкальный образ — главная тема сонатной формы — размашистая, буйно-веселая тема в остром синкопированном ритме, имеющая прообраз в народной хоровой песне «Пойду во Царь-город». Ее дополняет краткий «разгульный» мотив гобоя. Побочная тема более лирична и спокойна. Она носит характер славления и звучит сначала у кларнета соло, а затем у флейты и гобоя на фоне как бы «переливов гуслей звончатых». Эти три темы подвергаются разнообразной и мастерской разработке, начало которой отмечено сурово и мощно звучащим эпизодом в замедленном темпе. Затем движение все более оживляется, симфония заканчивается музыкой, полной молодецкой удали и неудержимого веселья. 28. Творчество М.Чернышова. После окончания сельской школы в 1918—1920 годах работал в Воронежском Большом советском театре. В 1920—1922 годах учился на балетном факультете Высших театральных мастерских (институт театрального искусства) при «Свободном театре» (преподаватели К. А. Трунов, Ю. А. Барто), танцевал в кордебалете театра. В 1929 году окончил Воронежское музыкальное училище(преподаватель В. В. Смольцов). Одновременно танцевал в Московском театре оперетты. В 1929—1937 годах был артистом Большого театра в Москве. В 1937—1939 годах преподавал в хореографической Драматической студии Ю. Завадского в Ростове-на-Дону, где вместе с ним работали В. П. Марецкая, Н. Д. Мордвинов, Р. Я. Плятт. В 1939—1941 годах работал балетмейстером Пятигорского театра музыкальной комедии. Во время Великой Отечественной войны в 1942—1943 годах — солист балета Саратовского театра оперы и балета. В 1943 году был инспектором по проверке и оказанию помощи и участником фронтовой бригады Юго-Западного фронта, много сочинял для выступлений на фронте. С 1943 года с перерывами был танцовщиком и балетмейстером Воронежского государственного академического русского народного хора имени К. И. Массалитинова. В 1942—1943 годах — балетмейстер Московской филармонии, в 1954—1959 годах — Волжского русского народного хора в Куйбышеве. В 1959 году восстановил родное Воронежское хореографическое училищеи в 1959—1968 годах был преподавателем и художественным руководителем училища. Среди его учеников были Вал. Драгавцев, В. Сычев, В. Бабай, Г. Захаров, А. Бондаренко, П. Попов. С 1968 года служил главным балетмейстером и художественным руководителем Воронежского государственного академического русского народного хора имени К. И. Массалитинова. Умер 29 декабре 1981 года в Воронеже 29. Русский балетный театр начала 20 века. Исполнительское искусство ведущих мастеров балета. В.Нижинский. Вацлав Фомич Нижинский (1889-1950). Родился в Киеве в танцевальной семье, в которой было трое детей, танцем со всеми занималась мать. Затем отец ушёл из семьи, мать переехала в Петербург, и Вацлав с сестрой Брониславой оказался в ПТУ. Обращал на себя внимание ещё учеником. Заторможенный и никакой в жизни, в танце преображался. Данные были великолепные и прыжок фантастический. Окончил в 1907 году и был принят в труппу Мариинского театра. Танцевал ведущие партии. Его партнёршами были Ольга Преображенская, Матильда Кшесинская, Анна Павлова. Сразу заявил о себе и в хореографии Фокина – Юноша в Шопениане, РабАрмиды в «Павильоне Армиды». Дягилев приглашает его для участия в первых «Балетных сезонах» в 1909 г. Юноша в «Сильфидах» Фокина и pasdedeux принцессы Флорины и Голубой птицы из «Спящей красавицы» сразу принесли ему славу. А на следующий год новый триумф в партиях Серого раба в «Шехерезаде», Арлекина («Карнавал»), Альберта («Жизель»). Он по-новому трактовал этот образ. Альберт соблазняет Жизель не из прихоти, он ищет не удовольствия, а гармонию и красоту. Он видел в Жизели родственную душу, а потому от горя сам был готов сойти с ума. Виллисы казались порождением его безумия. После третьего сезона Дягилев решает создать постоянную балетную труппу. Нижинский становится её премьером. Из Мариинки его увольняют. В ходе «Русских сезонов» 1911 г. Нижинский вновь потряс парижан в балетах Фокина «Видение розы» - танцует Призрак, грёзу. Юношу в «Нарциссе» и трагический образ Петрушки, куклы с тонкой человеческой душой – лучшая роль Нижинского. Нижинский становится кумиром Европы, но Дягилев, привыкший к постоянному обновлению, движению вперед, предлагает ему попробовать себя в качестве балетмейстера. Нижинский ставит сначала «Послеполуденный отдых фавна»(1912) на м-ку Дебюсси, с оформлением Бакста и сам танцует Фавна. Затем «Весну священную»(1913) И.Стравинского в декорациях Н.Рериха. Обе премьеры заканчиваются грандиозным скандалом. Особенно Стравинский – спектакль несколько раз останавливают, разбушевавшихся из публики выводят из зала. В том же году ставит балет «Игры» на м-ку Дебюсси (худ.Л.Бакст) о молодых людях, играющих в теннис. И здесь, обратившись к спорту на балетной сцене, он был первопроходцем. После женитьбы на Ромоле Пульской Нижинский покидает труппу Дягилева. Создать свою труппу или устроиться в другой театр ему почему-то не удается. В 1917 году он покидает сцену. Пишет книгу «Дневник Нижинского», много рисует. Из-за нервного истощения попадает в клинику для душевнобольных, где проводит остаток своих дней. Его короткая творческая жизнь до сих пор будоражит воображение. Три его балета содержали в себе открытия, на которых строился балет 20 века. Ему посвящены балет Мориса Бежара «Нижинский, клоун божий», балеты Джона Ноймайера «Павильон Армиды», «Вацлав» и многие драматические спектакли. В музее АРБ хранятся его костюмы и картины, подаренные музею его дочерью. Три балета. Но некоторые источники – последний балет «Тиль Уленшпигель» в Америке. 30. Русский балетный театр начала 20 века. Исполнительское искусство ведущих мастеров балета. А.Павлова. Анна Павлова – русская балерина, служила в Мариинском театре с 1906 по 1910 год. Признана величайшей балериной 20-го века. Высочайшим достижением Павловой считается миниатюра «Умирающий лебедь», повторить которую смогла только Майя Плисецкая. Анна Павлова стала легендой еще при жизни. Она была самой высокооплачиваемой балериной того времени, ей старались подражать, она вызывала восторг, в ее честь устраивались королевские приемы, кондитеры давали своим тортам ее имя. Для нее писали стихи и прозу, ее изображали на портретах. По мнению балетного критика Андрея Левинсона, искусство Павловой рождалось и умирало вместе с ней, чтобы танцевать как она, нужно просто быть Павловой. Балерина прославила русский балет на весь мир, она сумела творчески переосмыслить уже известные партии, вдохнуть жизнь в едва не погибший классический балет. Детство Факт рождения балерины окутан тайной и полон загадок. Официальная запись гласит, что она родилась 12 февраля 1881 года в Преображенском военном госпитале города Петербурга. Ее отца звали Матвей Павлов, он был простым крестьянином, на тот момент проходил службу в Преображенском полку. Мама – Любовь Павлова, работала прачкой. Согласно второй версии, отцом Анны был банкир-еврей Лазарь Поляков, у которого ее мать некоторое время трудилась горничной. Отцовство он не признал, так как занимал высокое положение в обществе, а рождение дочери от прислуги могло подорвать его авторитет. Тем не менее, он разрешил записать девочке отчество «Лазаревна». Анна родилась раньше срока, росла очень слабой и болезненной. Раннее детство Павловой прошло в Петербурге, а потом мама перевезла ее в село Лигово, где жила бабушка по линии отца. Свежий северный воздух закалил Анну, она окрепла, перестала так часто болеть. Мама начала брать ее с собой в Петербург. Во время одного из таких приездов в город Аня оказалась в театре, на балете «Спящая красавица». Рядом с ней в ложе были другие дети, которые рассеянно смотрели на происходящее на сцене. В отличие от них, Павлова не отводила глаз от артистов, наблюдала за каждым их движением, а когда спектакль закончился, то заявила, что мечтает танцевать точно так же, как принцесса Аврора. Мама приняла решение отвести Анну в балетную школу, где как раз проходили вступительные экзамены. В этот раз Павловой не повезло, ее не взяли. Однако упорная девчонка и не думала отступать, делала новые попытки, пока в 1891-м не добилась своего.Анна всегда стремилась быть первой, лучшей. А для этого не жалела ни сил, ни времени, тренировалась ежедневно по восемь часов. Вскоре ее пригласили выступить перед членами царской семьи, а через семь лет она вышла из стен Императорского театрального училища, получив диплом с отличием. 1899 году, когда ее взяли в Мариинский театр. Вначале ей доверяли небольшие партии, зато она была задействована в нескольких постановках, которые ставил прославленный балетмейстер Мариус Петип. Самыми известными среди них были «Камарго» и «Тщетная предосторожность». Прошло немного времени, и имя молодой балерины появилось наряду с прочими артистками, исполнявшими па-де-труа и па-де-де в постановках «Пахита» и «Корсар». После этого ей присвоили звание «балерина», и у Павловой появилась постоянная сценическая пара. Партнером Павловой некоторое время был Михаил Фокин, который впоследствии стал хореографом. Теперь их сотрудничество заключалось в том, что Фокин ставил для Анны танцы, среди которых самыми значимыми получились «Умирающий лебедь» и «Виноградная лоза». Эти танцы сделали Павлову невероятно популярной, и, начиная с 1908-го года, ее жизнь превратилась в сплошные разъезды. Она танцевала в «Клеопатре» и «Сильфиде», которые представили во Франции в «Русских сезонах», потом с тем же проектом посетила Бельгию, Германию, Англию и другие страны Европы. Художник Валентин Серов написал портрет Павловой, который впоследствии антрепренер Сергей Дягилев использовал как эмблему организованного им фестиваля. В 1910-м Павлова оставила Мариинский театр, и работала исключительно на основе самостоятельных договоров, которые заключала перед каждым отдельным представлением. Балерина появилась в главной партии балета «Жизель», который поставили в Лондоне, потом на протяжении месяца выходила на сцену театра Метрополитен-опера в Нью-Йорке. Одновременно с гастрольной деятельностью Анна и танцор из Штатов Адольф Больм организовали свою труппу, которая через некоторое время представила публике балет «Привал кавалерии» Армсгеймера, «Волшебную флейту» Моцарта, и второй акт балета «Лебединое озеро» Чайковского. Спустя некоторое время Анна начала выходить на сцену с собственными номерами, которые по художественной ценности можно было сравнить с шедеврами Фокина – «Танцем семи покрывал» и «Умирающим лебедем». Важно было и то, что сила искусства Павловой действовала вдохновляющее не только на коллег и почитателей балета, но и на людей, абсолютно далеких от мира искусства – кулинаров. Имя балерины было дано воздушному десерту, который состоял из безе в виде балетной пачки и свежих фруктов. Успех был невероятным, Павлова превратилась в живую легенду, которую ждали и приглашали все мировые государства. В 1922-1929-м годах балерина посетила Китай, Японию, Австралию, Египет, Новую Зеландию, танцевала на лучших сценах этих стран. Особое внимание Павлова уделяла танцевальным школам, которые посещала в каждой из своих поездок, и ставила собственную оценку мастерству студенток. Именно Анна помогла Тамаре Тумановой – прославленной балерине, актрисе, хореографу, попасть на большую сцену и прославиться вместе с труппой Русского балета в городе Монте-Карло. Получив мировую известность, Павлова затосковала по родине. Она мечтала когда-то вернуться в родной город и станцевать свои лучшие партии соотечественникам. Однако ее мечте не суждено было сбыться. В январе 1931-го балерина отправилась в гастрольную поездку в Гаагу. Она только вышла из поезда, и сразу поняла, что чувствует себя очень плохо. Прибыв в отель, Анна решила, что простудилась, а коллеги сказали, что в дороге поезд резко затормозил, и балерина пострадала при падении кофра. Анны Павловой не стало 23 января 1931 года. Причиной смерти стал плеврит. Многочисленные поклонники балерины никак не могли поверить в реальность этой новости, 31. Русский балетный театр начала 20 века. Исполнительское искусство ведущих мастеров балета. Т.Карсавина. Тамара Карсавина родилась 25 февраля (9 марта) 1885 года. Ее отец Платон Карсавин был педагогом и известным танцовщиком Мариинского театра. Семья была интеллигентной: Ее мать – выпускница Института благородных девиц – много времени уделяла воспитанию детей. Девочка рано научилась читать, и книги стали ее страстью. Именно мать мечтала о том, чтобы дочь сделалась балериной, связывая с этим надежду на материальное благополучие, отец же возражал: он слишком хорошо знал мир закулисных интриг. Но он сам давал дочери первые уроки танца и был строгим учителем. Когда ей исполнилось девять лет, родители отдали ее в театральное училище. Первый год в школе не был отмечен особыми успехами. Но вскоре ее взял в свой класс П. Гердт, замечательный педагог, воспитавший многих известных балерин, в числе которых была и несравненная Анна Павлова. Гердт был крестным отцом Карсавиной. Девочка стала более артистичной, появилась уверенность. Гердт стал поручать ей главные роли в ученических спектаклях. Она успешно выдержала выпускные экзамены, получила первую награду – и в течение четырех лет выступала в кордебалете Мариинского театра, после чего ее перевели в разряд вторых танцовщиц. Критики следили за ее выступлениями и оценивали их по-разному. «Расхлябанная, небрежная, танцующая кое-как… Танцы ее тяжелы и массивны… Танцует невыворотно, чуть косолапо и даже стать в правильную аттитюду не может как следует…», – ворчали присяжные балетоманы. Особенная, врожденная мягкая пластика Карсавиной, на которую первым обратил внимание опытный Чекетти, порождала естественную незаконченность, расплывчатость движений. Это часто нравилось зрителям, но не могло приветствоваться строгими приверженцами классического танца. Несовершенство техники с лихвой компенсировалось артистизмом и обаянием танцовщицы. Карсавина не походила на идеал балетной премьерши, олицетворением которого в то время была Матильда Кшесинская. Она не имела такого виртуозного блеска, напористости. Ей были присущи другие черты – гармония, мечтательность, нежная грация. Дебют Карсавиной в главной роли состоялся в октябре 1904 года в одноактном балете Петипа «Пробуждение Флоры». Он не принес ей успеха. Последовавшая спустя два года партия Царь-девицы в «Коньке-Горбунке» привела в восторг публику, но критикой снова была оценена неоднозначно. Карсавину упрекали в недостатке уверенности, заметной робости танца, общей неровности исполнения. Сменивший Петипа на посту балетмейстера труппы Н. Легат поощрял юную солистку. Она получила главные партии в балетах «Жизель», «Лебединое озеро», «Раймонда», «Дон Кихот». Постепенно Карсавина стала любимицей труппы, начальства, значительной части публики. Театральный сезон 1909 года принес ей две ведущие партии – в «Лебедином озере» и в «Корсаре». Но только сотрудничество с Фокиным принесло Карсавиной настоящий успех. Фокин не сразу разглядел в Карсавиной идеальную актрису для своего балета. Сперва он пробовал Карсавину на вторых партиях в своих первых петербургских постановках. Ее выступление в фокинской «Шопениане» в марте 1907 года показалось критикам бледным на фоне танца блистательной Анны Павловой. Весной 1909 года все артисты императорских театров были взволнованы разговорами о гастрольной труппе, набираемой Сергеем Дягилевым для первого «Русского сезона». Приглашение принять в нем участие получила и Тамара Карсавина. Первый вечер русского балета в Париже включал в себя «Павильон Армиды», «Половецкие пляски», дивертисмент «Пир». Карсавина исполняла па-де-труа в «Павильоне Армиды» с Вацлавом и Брониславой Нижинскими, па-де-де принцессы Флорины и Голубой птицы из «Спящей красавицы». В Карсавиной Фокин нашел идеальную исполнительницу. Их удивительно органичный дуэт с Вацлавом Нижинским стал украшением всех программ Русских сезонов. Началась мировая война. Карсавина после 1918 года,покидает Россию вместе с мужем и сыном, они уезжают во Францию. В 1929 году Карсавина с семьей переехала в Лондон. Два года она танцевала на сцене театра «Балле Рамбер», а затем решила покинуть сцену. Карсавина была избрана вице-президентом Британской Королевской академии танца и занимала эту почетную должность в течение 15 лет. Тамара Платоновна Карсавина прожила долгую, очень достойную жизнь. Умерла она в Лондоне 25 мая 1978 года. |