ИСТОРИЯ ТЕАТРА-ЛЕКЦИИ Части 1 и 2. Лекции для студентов заочного и вечернего отделения
 Скачать 1.94 Mb.
|
Италия – родина ВозрожденияПо своему географическому положению Италия раньше, чем другие страны Западной Европы, вступила в тесные торговые связи с Востоком, и это чрезвычайно обогатило итальянские города. Генуя, Венеция, Флоренция становились торговыми, промышленными и банковскими центрами и выходили на арену международных экономических связей как независимые города-государства. Важную роль в жизни таких городов-государств играла буржуазия (третье сословие). Она могла устанавливать в городах свои порядки. Это окончательно сломило диктатуру церкви. Следовательно, возникли условия для появления светской культуры, то есть, появляется буржуазная интеллигенция (ученые и философы теперь не являются служителями церкви). Появляется интеллигенция, деятельность которой связана с культурой и искусством. Культура гуманизма подразумевает светскую образованность, в отличие от богословской. Во многих странах Европы борьба против феодалов закончилась объединением страны, в них устанавливалась сильная централизованная монархическая власть. В Италии было иначе: централизации и перехода к абсолютной монархии не произошло. Это означает, что деятельность третьего сословия ничто не сковывало, и оно устанавливало в городах свои порядки. Так, Флоренция стала важнейшим городом, подобно тому, как Афины в древней Греции. Развитие промышленности, торговли и банков дало силу и уверенность классу ремесленников, купцов и менял. Они оказались настолько сильными в политическом отношении, что лишили дворян избирательных и вообще политических прав. Эти события длились целое столетие (в течение ХIV века). В атмосфере этих событий формировался гений Данте. Народившемуся новому буржуазному классу был чужд трагизм мироощущения, пафос страдания, культ нищеты (то есть, всё то, что отражалось в средневековом искусстве). Росло уважение к человеку, который побеждает. Человек ощущал полноту жизни во всем – в повседневной борьбе, в науке, в делах торговли и обогащения, в мирских наслаждениях. Люди в изображении художников Возрождения выглядят одновременно и совсем живыми, и необыкновенными. Тем не менее в искусство не проникали современные сюжеты. Содержанием его оставалась античная мифология. Но «богоподобные» античные герои изображались как реальные люди. Человек – венец всего сущего в мире – уподоблялся Богу, а Бог наделялся чертами современного художникам реального человека. Возрождение – это не только совокупность произведений художественной культуры, но прежде всего новый тип мышления и религиозности, особый духовный склад и образ жизни. Ренессанс соединил новое прочтение античности с новым прочтением христианства. Основой искусства Возрождения становится поиск индивидуальности. С эпохи Возрождения начинается утверждение принципа единственности и оригинальности каждого индивида. Возрождение соединило природного человека античности и христианское понимание личности, наделенной свыше свободой выбора. Этический и эстетический идеал Ренессанса – образ свободного, универсального творческого человека, создающего себя самого. Искусство Возрождения обращалось к простому человеку, но в качестве героев признавало рыцарей, святых, королей, мифологических персонажей. Но вместе с тем, огромная роль в формировании ренессансной культуры принадлежала церкви – в живописи, в архитектуре, в музыке. В эпоху Возрождения рождалось новое мировоззрение, шедшее на смену средневековому образу мыслей. Оно по-новому объясняло жизнь, и особенно – место в ней человека. Это новое мировоззрение было обращено к человеку и творению его рук (humana studia). От этого слова образовались названия «гуманист», «гуманизм». (Но понятия «гуманист» и «гуманный человек» имеют разные значения). Гуманисты эпохи Возрождения не были профессиональными философами. Это – поэты, художники, писатели, политики, меценаты. Гуманисты эпохи Возрождения – это по-новому мыслящие люди. Среди них были тиран Лоренцо Медичи, расчетливый и хитрый политик Никколо Макиавелли, коварный и жестокий Цезарь Борджиа. Они занимались философией, политикой, риторикой, этикой, историческими исследованиями и др., и в процессе их активной жизнедеятельности создавался новый тип мышления – ренессансный гуманизм. Гуманисты считали, что наука должна быть открыта людям, чтобы приблизить их к познанию природы и самого человека. Наука Ренессанса не восстает против Бога, она изучает мир, созданный им, и главное его творение – человека. И наука становится явлением культуры XIV – XV вв. Искусство Ренессанса – это и литература, и изобразительное искусство, и архитектура, и великий театр. Итальянский театр Возрождения Итальянские гуманисты первыми создали новый тип драматургии, которая стала исходным началом для всего последующего развития европейской драмы в формах комедии, трагедии и пасторали. Трагедия и комедия возникли по образцам античного театра, а пастораль возникла из поэзии, связанной с песнями пастухов, рисующей мирную пастушескую жизнь и идеальную любовь. Пьесы итальянских гуманистов ставились не для широкой публики; их зрителями были аристократы, ученые. Ставились пьесы силами любителей и не имели систематического характера. Назовем несколько имен – это Лудовико Ариосто, придворный комедиограф Феррарского герцога, автор «ученой комедии» под названием «Комедия о сундуке». Это всевластный государь Флоренции Лоренцо Медичи, ученый гуманист, превосходный поэт; ему принадлежит текст «Представления о святых Иоанне и Павле», а также комедия «Аридозия». Перу великого ученого и философа Джордано Бруно принадлежит комедия «Подсвечник», в которой он изобразил развратников, педантов, шарлатанов и тот культурный и социальный фон, на котором произрастают эти явления. Лучшей из всех итальянских комедий XVI века считается «Мандрагора» (1514). Ее автор флорентийский писатель, историк, крупнейший мыслитель, создатель политической науки в новой Европе и коварный политик, смелый атеист Никколо Макиавелли (1469-1527). В этой комедии он дает бытовую иллюстрацию для некоторых своих широких политических конструкций. Но знаменитым театральным явлением был не этот придворный театр. Живой народный театр, связанный с народным фарсом и городскими карнавальными зрелищами, пошел самостоятельной дорогой. Он был независим от литературной драмы. Оформился он к середине XVI века как театр импровизационной комедии – комедии дель арте (commediadell’arte). Комедия дель арте была высшим достижением итальянского театра эпохи Возрождения и в значительной степени способствовала профессионализации всего европейского сценического искусства. Существовавший в Италии разрыв между литературной драматургией и сценической практикой привел к тому, что новый театр рождался самостоятельно, без непосредственного влияния и поддержки гуманистов. Во всех странах Европы писатели-гуманисты станут активными строителями нового театра, а в Италии в создании комедии дель арте участия не принимали. Своим происхождением итальянский профессиональный театр обязан только актерам. Итальянские актеры выработали у себя удивительную способность к импровизации, что и позволило им создавать спектакль без помощи написанного драматического текста. Текст рождался прямо на глазах у зрителей, по ходу спектакля. Источником, живительной почвой для такого импровизационного театра были городские карнавальные зрелища. Именно отсюда на сцену комедии дель арте пришли ее маски, очень популярные в карнавалах. Атмосфера карнавального веселья определила динамику спектаклей комедии дель арте, обилие в них песен, плясок и всяческих трюков, озорства, изобретательства. Другим источником был фарс. Импровизационные спектакли комедии дель арте имели в своей основе только сценарии. Сценарий тем отличается от пьесы, что в нем дается лишь краткая сюжетная схема будущего действия. Руководствуясь этими указаниями, актеры сами должны по ходу спектакля уметь строить наиболее увлекательное, логически обоснованное целостное действие. Сценарии были в основном комедийные. С начала XVII века стали издавать сборники сценариев, так как число трупп комедии дель арте значительно увеличилось, а не всякий коллектив был способен сам сочинять для себя сценарии. Авторами и составителями сборников были чаще всего главные актеры трупп. Расцвет комедии дель арте приходится на середину XVII века. В каждом крупном городе Италии была своя труппа комедии дель арте. Генуя, Мантуя, Венеция, Болонья, Флоренция, Милан, Турин, Верона, Пиза, Падуя и другие города обладали своими актерскими труппами комедии дель арте, которые соперничали между собой. Маски комедии дель арте В комедии дель арте отсутствует психологическая характеристика персонажей. Состав труппы включал Влюбленных, стариков, мешающих развитию любовной интриги, и дзанни (слуг), которые должны были помочь привести интригу к благополучному концу. Таким образом, поначалу в труппе было шесть актеров. Потом в интересах углубления сатиры персонажей становилось больше: удваивалось количество и стариков, и Влюбленных, и дзанни. Потом стали появляться новые маски – служанка у одной из влюбленных в паре – Фантеска, потом – еще одна пожилая служанка. Далее еще одна маска – Капитан. Всех персонажей стало 13. Но основные маски изначально были такие – Панталоне, Доктор – это маски господ; Бригелла, Арлекин – маски слуг. Происхождение масок таково: Панталоне – это купец-венецианец. В XII-XIV вв. Венеция была крупнейшим торговым центром в Италии, и венецианский купец был фигурой героической, потому что благодаря купцам в то время шел расцвет и процветание Италии. Но в XV веке торговые пути переместились в другие страны, начался упадок торговли, и значение купцов угасло. Купец теперь старый, скупой, злой, но все еще уверенный, что он – крупная фигура. Именно таковым он и предстает в комедии дель арте. Происхождение имени таково. Некоторые купцы «открывали» какой-либо необитаемый остров, не имеющий никакого значения для страны. Но они водружали на таком острове знамя святого Марка (с изображением льва). Потом докладывали в сенате, что они открыли для страны новые земли. Их называли «водрузители Льва» (по-итальянски – piantaLeone) – Панталоне. В комедии дель арте это старый, богатый, скупой, хворый и хилый старик, любит ухаживать за женщинами, но всегда терпит неудачу. В костюме его превалирует красный цвет (камзол, панталоны), чулки чаще всего желтые, головной убор тоже красного цвета, плащ и башмаки черные. Доктор – старик-ученый из Болоньи. В XII веке Болонья была научным центром, там – старейший в Европе университет. Юристы Болоньи славились во всей Европе: они приспособили римское право к политическим, торговым и гражданским отношениям. Ученые университета Болоньи помогли обосновать теорию императорской власти Фридриху Барбароссе. Но к XVI веку передовые позиции этого научного центра утратились, научные центры переместились в другие города Европы. А у здешних ученых остались лишь амбиции, претензии на ученость. Доктор в комедии дель арте чаще всего юрист. Он сыплет латинскими цитатами, но перевирает их нещадно. Он путает Ахиллеса с Геркулесом, в стих Горация вставляет латинские молитвы. Публика это понимала и комическому эффекту аплодировала. А если Доктор по ходу спектакля выступал на суде, то те, против кого была направлена его речь, обязательно выигрывали дело. Речь Доктора была центральным моментом сцены и вызывала бурный хохот. Иногда Доктор был врачом. Тогда в его речах сыпались цитаты из Гиппократа и Галена и тоже перевирались. От медицинских советов Доктора здоровый человек заболевал, а больной выздоравливал вопреки его советам. В комедии дель арте Доктор – старый, богатый человек, любит выпить, падок до женщин, но тоже бывает одурачен. Костюм Доктора черный, как носили ученые средневековья, но широкий белый воротник и белый носовой платок за поясом – непременные детали. На голове черная ермолка, черная широкополая шляпа. Черный плащ завершает костюм. Маска Доктора считалась одной из самых трудных; актер должен был быть образованным человеком, потому что только образованный человек мог создать комические эффекты с обрывками знаний и с использованием латыни. Маска Доктора была не во всех труппах комедии дель арте. Дзанни – слуги, это душа комедии дель арте. Это плебеи из народа, из крестьянства.Они либо простоватые, бесхитростные, либо умные, жуликоватые. Самые популярные – Бригелла и Арлекин. Бригелла – первый дзанни, Арлекин – второй. Это канон, традиция. Бригелла ловок, изворотлив, он себе на уме. Язык у него подвешен отлично, он хорошо приспосабливается к положению. Своему господину он служит за хорошую плату, а не за идею. Он всегда готов поживиться за счет своего хозяина. Что значит украсть? Это значит – найти вещь прежде, чем ее потерял тот, кому она принадлежала. Что такое краденое добро? Это вещи, которые наследуют раньше, чем умер их владелец. Бригелла всегда против стариков, которые мешают молодым соединиться. Маска Бригеллы очень трудная. Он должен завязывать и развязывать узел интриги, запутывать и распутывать извилистую нить сюжета. Он должен хорошо знать сценарий, чтобы после любых отступлений от сюжета в комических интермедиях, всегда вернуться к прерванной линии действия. Его костюм – это крестьянская одежда северных провинций, головной убор немного напоминает широкий берет. Маска Бригеллы дала многочисленное потомство – слуги в комедиях Лопе де Веги, Шекспира, Мольера, Бомарше. Арлекин – второй дзанни. Он весел и наивен, в нем много непосредственности. Если Бригелла хорошо вписывается в любую ситуацию, то Арлекин действует наугад, нескладно, за что и получает побои. Он вызывает сочувствие к своим горестям, в то время как Бригелла вызывает восхищение своей ловкостью, находчивостью. Арлекин – крестьянский парень из Бергамо. Другие имена Арлекина – Труфальдино, Пасквино, Табарино, Граделлино, Меццетино и др. Его костюм – тоже крестьянская одежда, но в отличие от Бригеллы, его костюм с большим количеством разноцветных заплат. Впоследствии стилизация их привела к символическому костюму Арлекина – из цветных ромбов; но это произошло в более поздние эпохи. Фантеска – значит служанка. Беспомощная, наивная крестьянская девушка – деревенская дуреха, постоянно становящаяся жертвой своей наивности. Но она хочет оставаться честной девушкой. У нее веселый нрав, хорошее настроение. С течением времени эта маска как бы раздвоилась: стали появляться две служанки – постарше и помоложе. Старшая была замужней женщиной, а молодая становилась орудием интриги. Так появилась Коломбина, далее – Кораллина, Змеральдина, Арджентина, Мирандолина. Существенной особенностью комедии дель арте было то, что актер всегда играл одну и ту же роль до конца своей актерской жизни: если он появился в труппе в амплуа Панталоне, то он всегда играет только Панталоне и т.п. Количество масок огромно. Но образы, выражаемые ими, были сходны. Все они – образы-маски. Названные выше маски относятся к северным провинциям Италии. Южный квартет масок – это Ковиелло, Пульчинелла, Скарамучча и Тарталья. Важнейшие отдельные маски – Капитан, Влюбленные, Фантеска. Ковиелло – первый дзанни среди неаполитанских масок. Он задуман как южная параллель Бригеллы. Пульчинелла, считают некоторые, происходит от Маккуса, персонажа древнеримских ателлан. Но вряд ли это так. Известно, что однажды группа актеров комедии дель арте шла в Неаполь, возвращаясь с очередной гастроли. Путь проходил мимо виноградников, где работали крестьяне, которые были уже игриво настроены и начали задевать актеров. Актеры не оставались в долгу, ибо словесная перепалка была их профессиональным приемом. Постепенно перевес оказывался на стороне актеров, но только один крестьянский парень не унимался, посылая в адрес актеров немало язвительных острот. Актеры решили пригласить его в свою труппу и спросили, как зовут из противника. Он принял предложение. Звали его Пуччо д’Аньелло. Когда он стал популярен, его сложное имя упростилось и превратилось в Пульчинеллу. Так возникла еще одна маска дзанни. Скарамучча – тоже слуга, но с гитарой. К маскам господ принадлежит Тарталья (в переводе – заика) – некий чиновник. Все маски-образы носили маски на лице. Маски не надевали женщины (служанки) и Влюбленные. Расцвет комедии дель арте пришелся на середину XVII века, а к началу XVIII века она утрачивает свою популярность и значение. Тем не менее, комедия дель арте оставила заметный след в истории мирового театра. Мировое значение комедии дель арте. Комедия дель арте установила главные законы сцены:
Комедия дель арте выдвинула первых великих мастеров, широко популярных в Европе. В игре актеров комедии дель арте слитно существовали танец, пение, трюк. Всё это было динамично и подчинено главной мысли спектакля. В игре актеров были неотделимы друг от друга лицедейство и клоунада. Актеры комедии дель арте были учителями для актеров всех европейских стран. Все крупные деятели театра во все последующие эпохи, стремясь к обогащению театральной выразительности, увлекались идеей комедии дель арте (импровизацией, сочетанием слова, танца, пения, трюка). |