Махметова Г.Ш.. южноуральский государственный гуманитарно педагогический университет (фгбоу во ЮУрггпу)
 Скачать 76.52 Kb.
|
|
МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение высшего образования «ЮЖНО-УРАЛЬСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ГУМАНИТАРНО- ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ УНИВЕРСИТЕТ» (ФГБОУ ВО «ЮУрГГПУ») ФАКУЛЬТЕТ НАРОДНОГО ХУДОЖЕСТВЕННОГО ТВОРЧЕСТВА КАФЕДРА ХОРЕОГРАФИИ ФУНКЦИИ БАЛЕТМЕЙСТЕРА В ОБЩЕМ ТВОРЧЕСКОМ ПРОЦЕССЕ СОЗДАНИЯ ДРАМАТИЧЕСКОГО СПЕКТАКЛЯ Выпускная квалификационная работа по направлению 51.03.02 Народная художественная культура Направленность программы бакалавриата «Руководство хореографическим любительским коллективом» Проверка на объем заимствований: % авторского текста Выполнил(а): Студент(ка) группы ЗФ-407-115-3-1 Кст Махметова Гульжазира Шайгаликызы Научный руководитель: к.филол.н./доцент кафедры хореографии Л у) Ованесян Л.Г. Работа /. /it,Хк защите рекомендована/н<ц>екомендована «ЛО » /х 20# г. зав. кафедрой хореографии ‘ Чурашов А.Г. Челябинск 2017 Содержание ВВЕДЕНИЕ Актуальность исследования. Драматический спектакль - это результат совместной работы целого творческого коллектива: драматурга, режиссера-постановщика, балетмейстера, художника, актеров, композитора и многих других. Как бы ни была интересна работа одного из создателей сценического произведения, она не будет иметь художественной ценности, если существует сама по себе, вне связи с другими компонентами, составляющими гармонию спектакля. Анализируя многочисленные театральные постановки, можно с уверенностью сказать, что в искусстве современного драматического театра одним из основных выразительных средств является танец, а балетмейстер часто становится сопостановщиком режиссера. Хореография способствует раскрытию характера действующих лиц, выражает их эмоциональное состояние, раскрывает идею произведения, замысел автора и режиссера. Выявляя социальную среду, национальность персонажа, народный или местный колорит, танец характеризует эпоху, способствует созданию необходимой атмосферы эпизодов, отдельных сцен и спектакля в целом. При умелом использовании выразительных средств хореографии танец будет способствовать целостности спектакля, придавать ему особую художественную убедительность, усиливать эмоциональное воздействие спектакля на зрителя. Насколько полно балетмейстер справляется со своей задачей, настолько динамичен, зрелищен будет спектакль. Поэтому режиссеры сегодня тесно сотрудничают с балетмейстерами, во всех театрах есть штатные хореографы. Многие музыкально-драматические театры имеют собственную танцевальную группу. Работа балетмейстера драматического театра существенно отличается от работы балетмейстера театра оперы и балета, ансамбля народных танцев, народного хора или ансамбля песни и пляски. Первые требования, которые предъявляет драматический театр - разносторонность и творческая гибкость. Согласно должностной инструкции, балетмейстер драматического театра должен разбираться в вопросах культуры и искусства, знать историю балета, владеть исполнительскими навыками классической, современной и народной хореографии, знать специфику творческого решения танцевальных сцен в драматическом театре, владеть технологиями организации педагогической, тренажной и творческой работы с актерами и режиссерско-постановочной группой. Иными словами, балетмейстер в театре драмы должен быть универсалом. И здесь мы встречаемся с первой проблемой - профессиональной подготовкой хореографа. Не существует специальных учебных заведений для подготовки балетмейстеров именно для драматических театров. Все учебные заведения ориентируются на выработку профессиональных умений и навыков для работы с хореографическими коллективами. Однако балетмейстер работает не с профессиональными танцорами, а с актерами, у которых на сцене другие цели и задачи. Ситуацию осложняет и тот факт, что, несмотря на существование учебных заведений, где готовят артистов (колледжи искусств и академия искусств), система распределения выпускников не действует. Выпускники стараются остаться по месту учебы (Алматы, Астана) и закрепиться в столичных труппах. Многие провинциальные театры испытывают нехватку молодых актеров, поэтому практикуют привлечение в труппу молодежь без специального образования, как говорится - людей с улицы. По собственной инициативе, порой на энтузиазме актеров и режиссеров, организовываются студии, где молодые люди постигают азы театрального искусства в коротко рекордные сроки, практически сразу же вливаясь в действующий репертуар. В данной ситуации хореограф становится еще и педагогом, который должен научить будущего актера танцевать, добиться его пластической свободы, причем за короткий промежуток времени. Еще одна существенная проблема, которая редко, но встречается - недооценивание режиссером роли хореографии в целостном процессе создания спектакля. Хореограф, балетмейстер привлекается для разовой работы (на один-два месяца) и в его обязанности входит постановка отдельных танцевальных сцен и эпизодов. В таком случае работа с актерами проводится не систематически, т.е. занятия пластикой и танцем не включены в рабочее расписание в течение всего театрального сезона, а проводятся только в процессе необходимых репетиций. К тому же хореограф не всегда глубоко осознает режиссерский замысел. Таким образом, выдвинутые проблемы обозначили противоречие между возросшими требованиями современной режиссуры и недостаточной профессиональной подготовкой актеров и хореографов. Все это и определило актуальность выбора темы: «Функции балетмейстера в общем творческом процессе создания драматического спектакля». Хореограф в театре часто исполняет функции режиссера по пластике, и наоборот, режиссер по пластике часто является автором танцев в спектакле. Поэтому понятия «хореограф», «балетмейстер» и «режиссер по пластике» мы рассматриваем как идентичные. Цель исследования - определить особенности работы хореографа в драматическом театре и показать взаимосвязь режиссера-постановщика и балетмейстера в работе над драматическим спектаклем. Задачи исследования: 1.Определить значимость хореографа в драматической театре. 2.Обосновать роль танца в актерском искусстве и раскрыть особенности системы профессиональной подготовки драматического актера средствами хореографии. Раскрыть принципы построения творческого сотрудничества режиссера и балетмейстера в работе над театральной постановкой. Разработать программу театральной студии «Танец и основы пластической выразительности актера». Объект исследования - хореография в системе искусства драмы. Предмет исследования - работа хореографа в драматическом театре. Теоретическую базу исследования составили труды по теории и истории драматического театра (К.С. Станиславский, Г.А. Товстоногов), сценического искусства, танцевального творчества (Ж.Ж. Новер, Р.В. Захаров, М.М. Фокин), методические и учебные пособия (Ф.Ф. Кристерсон, Е.П. Валукин, В.А. Звездочкин, Б. Голубовский). Источниками исследования стали также рецензии, статьи о драматических спектаклях, видео и фотоматериалы режиссерских и балетмейстерских работ, анализ и выводы на основе собственных впечатлений как зрителя. Методы исследования: метод теоретического анализа литературы по теме исследования; метод наблюдения, фиксации творческого процесса; метод сопоставительного анализа творческих работ актеров и балетмейстеров драматических театров. Гипотеза исследования основывается на том, что результативность работы балетмейстера в драматическом театре будет достигнута, если занятия с актерами по танцу и пластике будут обязательными и систематическими в рабочем графике театра; достигнуто единодушие и понимание, согласованность действий в решении творческих задач режиссера, балетмейстера, актера. Практическая значимость исследования - разработана программа «Танец и пластическая выразительность актера», которая может быть использована в качестве рекомендаций для начинающих актеров, учащихся и руководителей любительских театральных студий. База исследования: областной драматический театр им. Погодина г. Петропавловска. Структура: введение, заключение, три главы, список литературы. ГЛАВА 1. ТАНЕЦ КАК СОВОКУПНОСТЬ ПЛАСТИЧЕСКОЙ ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТИ АКТЕРА И ДРАМАТИЧЕСКОГО СПЕКТАКЛЯ 1.1. Роль танца в актерском искусстве Большинство людей, произнося слово «танец», понимают его в достаточно узком смысле, представляя себе какие-то конкретные танцы, исполнявшиеся на балах, танцплощадках, народных гуляниях: вальс, полька, менуэт, фокстрот, рок-н-ролл и т. д. Театр в этом значении обращался к танцу тоже достаточно утилитарно: то есть в случаях, когда этого требовали предлагаемые обстоятельства, обусловленные ремаркой автора. К примеру, сцены празднований, балов в «Ромео и Джульетте», «Отелло» В. Шекспира, «Вишневом саде» А. Чехова, «Маскараде» М. Лермонтова и множестве других. То есть танец чаще всего ассоциировался и в жизни и на сцене как непременный атрибут развлечений. Жюли Шарлотта ван Кэмп собрала основные положения, из которых состоят определения танца: «Танец - это человеческое движение, которое формализовано, то есть выполняется в определенном стиле или по определенным шаблонам. Танец имеет такие качества, как грациозность, элегантность, красота, сопровождается музыкой или другими ритмичными звуками, имеет целью рассказ сюжета и имеет целью коммуникацию или выражение чувств, тем, идей которому могут содействовать пантомима, костюм, декорации, сценический свет и прочее». Между узким пониманием танца и сценическим его воплощением существует огромный пробел, не восполнив который, невозможно в полной мере оценить роль танца в театре драматическом, то есть театре, где доминирует слово. Еще Аристотель отмечал, что «именно посредством выразительных ритмических движений актеры воспроизводят характеры, душевные состояния и действия. На наш взгляд лучше взять за основу более лаконичное и более емкое определение: «Танец - вид искусства, в котором художественный образ создается средствами пластических и ритмических движений человеческого тела». Можно предположить, что пластическая выразительность актера и целого спектакля является своеобразным танцем в широком смысле этого понятия. Тем более, что сами эти определения «пластика» и «танец» во многом схожи и взаимодополняют друг друга: «Пластика - согласованность, соразмерность движений и жестов, создающих общее впечатление гармонии; движения, жесты, внешний облик, посредством которых выражается характер, внутренний мир действующего лица» . Театр, по мнению подавляющего большинства исследователей, это не просто род искусства, специфическим средством выражения которого является сценическое действие, возникающее в процессе игры актера перед публикой. Театр - это синтез искусств, включающих в себя другие искусства: литературу, архитектуру, живопись, музыку и т.д. Это искусство живое и бесконечно развивающееся, поэтому все новое вскоре непременно оказывается в его арсенале. Танец, история которого равна истории человечества, не мог остаться вне поля его досягаемости. Современный драматический театр, все больше и больше усложняясь, обращается в значительной степени к хореографии. Танец в драматическом театре имеет свои, только ему присущие особенности. Он отличается от танца в оперных или балетных постановках, у него другие цели и задачи, неразрывно связанные с содержанием и спецификой драматической постановки. Пластика и танцевальные композиции возносят сценическое действие в новую эмоциональную сферу, часто способствуют раскрытию главной мысли спектакля, обнаруживают глубинную суть его художественной структуры. Танцы же, как справедливо замечает Станиславский, «стремятся к созданию плавности, широты, кантилены в жесте. Они развертывают его, дают ему линию, форму, устремление, полет. Гимнастические движения прямолинейны, а в танце они сложны и многообразны». Танцы и танцевальные экзерсисы шлифуют движения, придают им законченность, округлость, делают их пластичными и музыкальными. Сам Станиславский брал у представителей танцевального искусства то, что ему казалось правильным и полезным для драматического искусства. В частности, наблюдая за мастерством перевоплощения А. Дункан, он сделал заключение, что оба они искали «одного и того же, но лишь в разных отраслях искусства». Ученик К.С. Станиславского Е.Б. Вахтангов создал сценические образы, отличавшиеся психологической глубиной, остротой и точностью характеристик. Однако психологическая разработанность роли сочеталась у него с графической четкостью пластического рисунка, предельной отточенностью формы, идеальной ритмичностью. Эти качества Вахтангова-актера стали основным требованием его режиссерского творчества. Работая с артистами, он предлагал им режиссерские задачи, способствовавшие достижению образной пластической выразительности. Идеалом В.Э. Мейерхольда была свободная пластика итальянской комедии масок, пластика балаганного актера, взращенного цирковой пантомимой. Мейерхольд изучил технику греческого актера, игравшего в маске, то есть лишенного мимики и достигавшего максимума выразительности через тело. По свидетельству A.M. Мессерера «все актеры мейерхольдовского театра изумительно двигались по сцене, танцевали, прыгали, кувыркались, делали почти акробатические трюки. Физкультура, ритмика, акробатика, танец, фехтование - всей этой премудрости они были обучены». В разные годы в школе В.Э. Мейерхольда преподавали известные балерины - В.И. Мосолова, Е.И. Долинская, А.А. Джури. Пластика и жест занимали важное место в постановках одного из крупнейших режиссеров - реформаторов театрального искусства XX века, руководитель Камерного театра - А.Я. Таирова, умевшего создавать целостный пластический образ спектакля. Его музыкально-драматические спектакли требовали актера, владеющего пластикой и эмоциональным жестом. В числе педагогов, работавших в школе при Камерном театре, был хореограф Касьян Голейзовский. И сегодня режиссеры-постановщики все чаще уделяют внимание пластическому решению спектакля. Об этом свидетельствуют постановки таких режиссеров, как В. Пази, С. Спивак, Р. Виктюк и др. Довольно часто в последнее время встречаются работы режиссеров, где динамика спектакля, его темпо-ритмы определяются танцем, точным пластическим решением постановки. С помощью пластики раскрывается иной раз смысловое содержание кульминации спектакля. Сегодня режиссер вместе с хореографом ставит сложные спектакли, пронизанные танцем, пластикой, пантомимой, которые позволяют зрителям увидеть весь объем их замысла, понять и проследить не простые внутренние сплетения, параллели, выстраиваемые режиссером и балетмейстером, объединяя танец, слово и действие в единое целое. Одно призвано дополнять и поддерживать другое. Сценическое движение развивает и организует работу мышц, способствует выработке ловкости, активности и целеустремленности движений, смелости, стремительности и точности их выполнения. Однако, хореография в драматическом спектакле не только яркая, пластическая краска, но и образное выражение замысла автора и режиссера. В балете или в ансамбле народного танца хореография является основным средством выразительности, и она одна несет смысловую нагрузку. В драматическом спектакле хореография подчинена общему замыслу, является органической частью сценического действия, тесно связана с ритмом, колоритом, характером и атмосферой спектакля. Она способствует раскрытию замысла драматургии и режиссера, помогает артисту полнее выразить свой образ, идейное содержание спектакля. |