билеты. 1. Архитектура Франции 18 века
 Скачать 117.39 Kb.
|
|
30. Творчество Курбе Во Франции реализм был связан с прагматизмом, господствующей ролью науки. Ключевой фигурой во французском реалистическом искусстве является Гюстав Курбе. Был революционером не только в живописи, но и в жизни. Он активно участвовал в Парижской Коммуне, за что отсидел полгода в тюрьме и окончил свои дни в изгнании. На его творчество, в особенности раннее, большое влияние впоследствии оказали малые голландцы и испанские художники, в особенности Веласкес, у которых он заимствовал общие тёмные тона картин. Он первым из западноевропейских художников открыто провозгласил своим творческим методом реализм, указав на его демократическую природу. Обращаясь к насущным вопросам действительности, он изображал их без прикрас, идеализации и сентиментальности, не обходя вниманием самые неприглядные стороны жизни. Персонажами его картин были представители всех слоёв населения, в том числе самых низших-нищие, проститутки, рабочие. Но главным в творчестве Курбе было его умение при изображении конкретных людей придавать их облику черты типической значимости и в каждом герое угадывать судьбу целого поколения. Таковы его крупные работы «Послеобеденный отдых в Орнане», «Дробильщики камня», «Похороны в Орнане». Наиболее показательна картина «Ателье»- сложная аллегорическая композиция, где за каждым реалистическим, портретно узнаваемым образом скрывается определённый типаж, возведённый в ранг символа. Художник подчёркивал, что это аллегория нового типа, в которой каждый образ взят из жизни, а место действия вполне конкретно. Для Курбе неотъемлемым качеством реалистического искусства являлась его полезность и социальная характеристика модели, а не отражение её внутреннего мира. Ставя вопрос о функции реалистического искусства, Курбе уподоблял его философскому трактату или литературному манифесту, утверждая, что сущность реализма-это отрицание идеала, что разум должен главенствовать во всём, что касается человека. Отрицание идеала приводит к освобождению личности и в конечном счёте к демократии. Колорит картин холодный, сильный контраст света и тени, живая техника живописи. Пейзаж. Теплое Средиземное море не очень вдохновляло Курбе. Он предпочитал суровое северное побережье Нормандии. Курбе стал первым активно рисовать мастихином — специальным ножом (шпателем), которым художники до него только смешивали краски на палитре, считая лезвие ножа слишком грубым для рисования. Если под рукой не было мастихина, Курбе использовал обычный кухонный нож и любые подручные средства. Благодаря использованию ножа, пейзажи Курбе — удивительно живые, телесные, рельефные и предметно осязаемые. На первый взгляд, работы Курбе имеют грубую текстуру поверхности (она как будто покрытой коркой) и кажутся какими-то незаконченными. Однако, это обманчивое впечатление — его картины удивительно гладкие и сложные в техническом исполнении. Картины Курбе очень многослойные. Он стремительно наносит на холст слой краски один за другим, разгребает их мастихином, где-то растирает пальцем, где-то протирает ветошью. Палитра Курбе темная и землистая. Однако за счет многослойности у него получались очень мягкие градации тонов и цветовые оттенки невероятной сложности. Курбе называл свои марины — пейзажи моря и настаивал на таком названии, делая упор на слове море и тем самым, противопоставляя их традиционным морским пейзажам. Наиболее интересные из произведений Курбе: «Косули у ручья», «Драка оленей», «Волна», «Автопортрет с чёрной собакой», «Отчаяние. Автопортрет», «Деревенские священники, возвращающиеся с товарищеской пирушки» (едкая сатира на духовенство), «Купальщицы», «Женщина с попугаем», «Вход в долину Пюи-Нуар», «Ораньонская скала», «Олень у воды» и многие пейзажи («Порыв ветра», Смерчь в Эртрета и др.), в которых талант художника выражался ярче и полнее всего. Курбе — автор нескольких скандальных, не выставлявшихся, но известных современникам эротических картин («Происхождение мира», «Спящие» и др.); это также органично вписывалось в его концепцию натурализма. 31. Творчество Милле и Домье Оноре Викторен Домье — французский художник-график, живописец и скульптор, крупнейший мастер политической карикатуры 19 века. Домье родился в Марселе в семье стекольщика. С детства увлекался рисованием, освоил мастерство литографа. Поначалу зарабатывал на жизнь созданием литографий-иллюстраций для музыкальных и рекламных изданий. В 1832 году за карикатуру на короля («Гаргантюа») Домье был на полгода заключён в тюрьму. Сотрудничал с журналом «Карикатюр», позже с «Шаривари». Его острое, отточенное искусство оказало громадное воздействие на развитие критического реализма, и прежде всего сатирической графики, и карикатуры. Но Домье не только разоблачал пороки буржуазного строя, также он дал образ положительного героя — рабочего, сознательного борца за свои классовые интересы. Таков рабочий-печатник в литографии «Руки прочь! Свободу печати!». Кроме того, он оставил замечательные произведения живописи, иногда обращался и к скульптуре, везде находя новые средства и формы для воплощения своих замыслов. На использовании разоблачающих портретов строит художник Домье одну из самых прославленных литографий — «Законодательное чрево». Портретное сходство ясно обнаруживается в литографии «Мы все честные люди, обнимемся», где изображены видные политические деятели Июльской монархии во главе с Луи-Филиппом. Акцентируя на основном, Домье создает монументальный стиль в литографиях, раскрывающих эпизоды классовой борьбы рабочих, застенки и мрачные сцены убийств. Иногда в сатирические рисунки Домье проникают ноты лиризма, поэтичности в изображении природы. (серии «Пасторали», «Лучшие дни жизни», «Супружеские нравы») С 1848 года его внимание все больше поглощает живопись. Эмоционально насыщенная, монументальная, обобщенная живопись художника всегда выражает характер его творческих исканий, и когда он пишет сцены современной жизни и когда создает композиции на сюжеты бессмертного «Дон-Кихота»( «Прачка», «Вагон 3-го класса», «Любитель эстампов») Домье вслед за Делакруа создает пламенный образ восставшей Франции в картине «Семья на баррикаде» ,пронизанной пафосом революционного порыва, стремительной динамикой ритма. Художник постоянно использует свет для усиления эмоциональной насыщенности произведения. Жан-Франсуа Милле— французский художник, один из основателей барбизонской школы. Милле родился в семье зажиточного крестьянина из маленькой деревушки Грюши. Его художественные способности были восприняты семьёй как дар свыше. Ученик Поля Делароша. В 1840-х годах Милле писал тонкие по настроению портреты, мифологические композиции, галантные сцены в духе Франсуа Буше, но концу десятилетия сблизился с художниками барбизонской школы. Тогда он нашёл главную тему своих последующих работ. Он не только обратился к родной природе, но главной темой своего творчества избрал жизнь и труд крестьян, которых изображал с необычайной теплотой, проникновенностью и правдивостью. Крестьянин-труженик становится героем его произведений. Воспринимал и воспевал труд как выражение творческой силы, как закон бытия человека, органически связанного с природой. Милле не был человеком революционных взглядов, но, правдиво изображая жизнь и труд крестьянства, он невольно придавал своим картинам социальный смысл, который улавливался его современниками. Патриархальные воззрения художника нашли выражение в картине «Вечерний звон». Более сложны по построению композиции с несколькими фигурами, как, например, «Прививка дерева». В этой жанровой картине художник дает свое представление о жизненном назначении человека, о его связи с природой, его долге перед потомками. Тесно переплетаются здесь темы семьи и труда. Милле строит свое произведение не на занимательности жанрового сюжета, а на раскрытии большой идеи — нравственной чистоты образа крестьянина. В последние годы жизни Милле искал в природе гармонию, недоступную, по его мнению, человеческому обществу. Все более значительное место в его творчестве занимал пейзаж. К нему обратился художник, выехавший в Шербур в период осады Парижа и славных дней Коммуны. Но, оставшись чуждым общественно-политической борьбе своего времени, Милле до конца дней сохранил свои демократические убеждения. Другие работы- «Сборщицы колосьев», «Пастушок», «Человек с мотыгой», «Молодая пастушка», «Сеятель». 32. Творчество Гойи Франсиско Гойя-главный художник испанского романтизма. Был признан в высшем свете. Пользуется покровительством представителей самых знатных семейств Испании. Побывал в Италии. Писал портреты, жанровые и батальные сцены. Гойя отличался потрясающей работоспособностью и высочайшим техническим мастерством. Насыщенные по цвету и простые по композиции картины изображали людей, занятых повседневными делами, а также народные празднества и гуляния. («Молодой бык», «Раненый каменщик», «Игра в жмурки»). В 70-е годы Гойя начинает заниматься графикой и в гравюре избирает технику офорта. (Бегство в Египет, Удушенный железной цепью) Испытывал влияние творчества Веласкеса и Тьеполо. Как церковный живописец, был сильно скован традицией. (фреска «Небесная слава», фрески в Церкви Сан Антонио де Флорида). Капитул церкви дель-Пилар предлагает ему выполнить эскизы для плафона капеллы на тему «Поклонение имени Бога». После успешной работы, приглашен расписать ораторий дворца Собрадиэль. Позже, Благодаря Мануэлю Байеу, его приглашают в монастырь Аула, где он выполняет 11 композиций на темы из жизни Св.Девы Марии. В Мадриде выполняет свой первый придворный заказ- картоны для серии шпалер для принца. («Танец на берегу Мансанареса», «Драка в харчевне», «Маха и маски», «Запуск змея» и «Зонтик»). С начала 1780-х годов Гойя получил известность и как автор выполненных в тонкой цветовой гамме портретов, фигуры и предметы в которых как бы растворяются в тонкой дымке (“Семья герцога Осуна, портрет маркизы А. Понтехос). В 1780 году Гойя был избран в мадридскую Академию, позже- “первый живописец короля”. Его портреты не все одинаково закончены, но отличаются живой индивидуальностью лиц и вдохновенным письмом. Одновременно в творчестве Гойи нарастают черты трагизма, неприязнь Испании “старого порядка”. (Связано с событиями в Испании. В Мадриде вспыхнуло восстание, а позже началась партизанская война) Уродство ее моральных, духовных и политических основ живописец раскрывает в гротескно-трагической форме, питающейся фольклорными истоками, в большой серии офортов “Капричос. Смелая новизна художественного языка, острая выразительность линий и штрихов, контрастов света и тени, соединение гротеска и реальности, аллегории и фантастики, социальной сатиры и трезвого анализа реальности открывали новые пути развития европейской гравюры. (Бедствия войны, “Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде”, “Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года”) В 1790-х – начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи, в котором звучат тревожное чувство одиночества (портрет сеньоры Бермудес), мужественное противостояние и вызов окружающему (портрет Ф. Гиймарде), аромат тайны и скрытой чувственности (“Маха одетая” и “Маха обнаженная”). С удивительной силой обличения запечатлел художник надменность, физическое и духовное убожество королевской семьи в групповом портрете “Семья Карла 4”. В 1824 художник борется с серьёзной болезнью, которая приводит в глухоте. В созданных в этот период картинах появляются остродинамичные изображения многоликих масс и устрашающие символико-мифологические образы. Гойя воплощал идеи противостояния прошлого и будущего, бесконечно-ненасытного дряхлого времени (“Сатурн”) и освободительной энергии юности (“Юдифь”). Еще сложнее система мрачных гротескных образов в серии офортов “Диспаратес”. Но и в самых мрачных видениях Гойи жестокая тьма не может подавить присущее художнику ощущение вечного движения, обновления жизни. (“Похороны сардинки”,“Тавромахия”). С 1824 года Гойя жил во Франции (опасался преследований со стороны нового правительства Испании), где писал портреты друзей, осваивал технику литографии. (портрет бывшего алькальда Мадрида Пио де Молина). Умер в Бордо. 33. Архитектура Англии первой половины 19 века. Архитектура XΙX века развивалась в условиях, когда в каждой стране смена стилей происходила по собственным законам. Формы и декор одного и того же стиля, как и время его властвования, в разных государствах могли не совпадать. Архитектура в начале 19 века во многом формировалась недавно появившимся новым буржуазным классом, развивающимися торговыми связями между разными регионами мира. Эклектика архитектуры в начале 19 века привела к разрушению вековых традиций, сложившихся стереотипов и канонов, изменила художественный подход зодчих, вкусовые пристрастия заказчиков. Смешение стилей расширило использование архитектурных форм, соединив приемы творчества западной и восточной культур. Эклектика разрушила старые подходы и способствовала расширению творческих поисков. Становление архитектуры 19 века было обусловлено ходом сложных общественных процессов, на которые влияли самые разные факторы. Англия в этот период стала центром европейского экономического и культурного развития и задавала моду на архитектуру другим странам и даже континентам. Архитектуру Англии этого периода можно разделить на несколько течений, которые развивались практически одновременно. В 1800-1830 гг. в моде был стиль Регентства, продолжающий традиции георгианства и классики. В то же время процветала архитектура романтизма, возрождающая и смешивающая предшествующие стили. В английскую архитектуру второй половины 19 века вошло новое индустриальное направление. Стиль Регентства в Англии продолжил традиции классицизма. Стремление к классике возросло после открытий любителя-археолога лорда Элгина. Дома в этом стиле выглядят нарядными за счет лепнины, колонн и светлых фасадов. Наиболее известный архитектор стиля Регентства - Джон Нэш (1752-1835 гг.), который создал ансамбль Риджентс-парка, Эпсли-хаус (лондонская резиденция герцогов Веллингтонов в Лондоне) работы Роберта Адама (1770 - е гг., в 1818 - 1819 гг.) - дань классическим мотивам. Романтизм в архитектуре 19 века в Англии был основан на средневековых традициях, сельском зодчестве, в результате появлялись коттеджи в сельском стиле или с готическими мотивами. В романтическую архитектуру начала 19 века. также вплетались экзотические для Европы мотивы. Примером может служить Королевский павильон в Брайтоне (1815-1822 гг.) архитектора Джона Нэша (1752 - 1835гг.): в фантазийном сооружении объединились резьба, купола, минареты, а в интерьере - индийские мотивы с колоннами-пальмами. 34. Пейзажная живопись Англии первой половины 19 века. Английское искусство первой половины 19 века развивалось в особых общественных условиях, отличных от того, что происходило на континенте. Существенным фактором особого развития пейзажной живописи именно в Англии было то, что здесь раньше всех создаётся капиталистический город (и капиталистический уклад). Особенно ярко проявляются различия между городом и деревней, обостряющие восприятие художником сельской природы по контрасту с пыльным, лишённым зелени городом. Материалистические идеи, неразрывно связанные с углублением научного познания природы как объективно существующей реальности, становились достоянием лучших, передовых представителей искусства и содействовали укреплению и развитию реалистических тенденций в художественном отображении действительности. Как уже говорилось ранее, самые интересные достижения английского изоб. искусства этого времени лежат в жанре пейзажа, прежде всего акварельного. И именно в пейзаже живопись Англия опередила континентальную Европу. Реальные связи с живописью континента воплощал Ричард Парке Бонингтон, учившийся в Париже у Гро и друживший с Делакруа. Запечатлел акварельные виды Нормандии и Парижа. Бонингтон был инициатором большого альбома литографий, изображающий старые города Франции, -коллективного труда многих художников под названием «Живописные путешествия». Художник оставил прекрасную по рисунку и классически строгие по живописи пейзажи Франции, Италии и особенно Венеции. (Партер в Версале). Несомненно, самое существенное влияние на живопись 19 столетия оказал Джон Констебл. Он не получил истинного признания на родине. Первыми его оценили французские романтики, с которыми его сближала искренность в выражении чувств. Типичным романтиком скорее можно назвать другого английского пейзажиста- Джозефа Тёрнера, с его гигантскими красочными полотнами. Полными световых эффектов. В отличие от Констебла к Тёрнеру рано пришло признание. Английские художники стали известны в остальной Европе на заре самых яростных битв академистов с романтиками. Их смелая свободная живописная техника, выраженная у каждому по-своему, их интерес к природе имели огромное влияние на искусство 19 века. 35.Творчество Констебла Джон Констебл-крупнейший мастер английской реалистической пейзажной живописи. Испытывал влияние Клода Лоррена. Учился в Академии Художеств. Чаще всего работал в окрестностях Лондона и в южной части Англии. Чтобы сводить концы с концами Констэбл начал писать портреты; это занятие он считал скучным, хотя и создал несколько прекрасных работ. Среди его работ встречались картины с религиозными сюжетами, однако по мнению Джона Уолкера «Констэбл как религиозный живописец не состоялся» (Портрет Марии Бикнелл) Он с исключительным вниманием работает над этюдами. Они написаны широко и свободно. Констебл стремится запечатлеть состояние природы в конкретных атмосферных условиях и в определённое время дня, зачастую записывая на обороте холста дату, час и погоду в момент написания. Готические соборы, виды городка Солсбери, морской берег в Брайтоне, его родная река Стур, луга, мельницы и фермы его «любимой, старой зелёной Англии»-всё это передано художником достоверно и зритель ощущает свежесть ветра, прохладную тень, залитое солнцем пространство. Констебл достигал искусной передачи быстро сменяющихся эффектов освещения, ощущения свежести зелени благодаря тому, что одним из первых стал писать этюды на пленэре. (Собор в Солсбери из сада епископа, Телега для сена, Прыгающая лошадь) Скромные по размерам пейзажи Констебла близки к этюдам с натуры, а этюды, в свою очередь, имею самостоятельное значение, хотя и многие из них предназначались для какой-то большой картины. (Вид на Хайгет с Хэмпстедских холмов) Констебл органически связывает в своих картинах землю и небо точной передачей светотеневых и цветовых отношений, правдивым изображением влажной атмосферы, смягчающей очертания предметов и изменяющей их окраску по мере удаления от зрителя. Он передаёт свет и тени цветом образ природы в его произведениях постоянно насыщен. Он никогда не писал города. Его пейзажи всегда населены людьми, занятыми обычными повседневными делами. Человек в его работах неразрывно связан с жизнью природы. (Хлебное поле, Мельница в Флэтфорде) В 1831 году был назначен Инспектором Академии и стал читать лекции по истории пейзажной живописи. Эти лекции были весьма популярны у широкой публики. На одной из таких лекций в Королевском институте он сформулировал три правила: во-первых, пейзажная живопись столь же технична, сколь и поэтична; во-вторых, воображение не может в одиночку породить художественное мастерство, которое выдержало бы сравнение с действительностью; и, в-третьих, ни один из великих художников не был самоучкой. |