билеты. 1. Архитектура Франции 18 века
 Скачать 117.39 Kb.
|
|
18. Русская скульптура 18 века. Во второй половине 18 века приходит расцвет русской пластики. Скульптура представляет слияние черт барокко и классицизма. В основе всех классических произведений русских мастеров лежит внимательное изучение натуры. (например, у скульптора Растрелли. «Бюст Петра 1», «Статуя Анны Иоанновны») Образование мастеров строилось прежде всего на изучении античной мифологии, слепков и копий произведений античности и Ренессанса. Их объединяют также общие идеи гражданственности и патриотизма, высокие идеалы античности. Достижения портретного жанра в скульптуре связаны с творчеством Ф.И Шубина. Учился в Академии, бывал в Париже и Риме. Первое его произведение – бюст А.М Голицына. Некоторые детали скульптуры напоминают стилистические приёмы барокко. Но несмотря на это, он трактует свои модели в соответствии с просветительскими идеями обобщённо-идеального героя. Со временем в образах Шубина усиливается конкретность, жизненность, острая характерность. Он редко обращался к бронзе, работал в основном в мраморе и всегда использовал форму бюста. Языком пластики он создаёт образы, совсем не стремясь к их внешней героизации. Он не боится снизить, «заземлить» образ. (бюст генерала-фельдмаршала З.Г Чернышева, образ фельдмаршала П.А Румянцева-Задунайского). У него нет интереса только к «внутреннему» или только к «внешнему». Человек предстаёт во всём многообразии своего жизненного и духовного облика. В работах 90-тых годов использует метод трактовки образа, который предвещает эпоху романтизма. (Бюст Ломоносова, скульп. образ Павла 1). Кроме того, Шубин работал и как декоратор. Исполнил 58 истор. портретов для Чесменского дворца. Гордеев. Стажируется в Париже у Ж.Б Лемуана. Испытывает живой интерес к скульптуре стиля барокко, который проявляется в скульптурной группе «Прометей». В смелом и динамичном решении проявилось серьёзное изучение молодым скульптором живой натуры и одновременно его интерес к современной скульптуре и скульптуре античности. Гордеев наиболее ярко показал себя в области мемориальной пластики. Страстность и бурная динамика образов ранних произведений сменяется более сдержанным, элегичным решением; проявляются черты классицизма с его идеалом «благородной простоты и спокойного величия». (надгробие Н.М Голицыной, фасады Казанского Собора, рельефы Останкинского дворца) Козловский. Главной темой его произведений в начальный период творчества становится тема гражданской доблести, силы духа и самопожертвования. (Прощание Регула с гражданами Рима, Камилл избавляет Рим от галлов. Статую императрицы Екатерины 2 исполнил в образе древнеримской богини мудрости Минервы. Так Козловский воплощает представление об идеальном монархе – защитнике Отечества и мудром законодателе. Скульптура «Бдение Александра Македонского». Образ античного героя послужил скульптору для воплощения нравственных идеалов эпохи Просвещения – воспитания твёрдой воли и стремления к знаниям. Во время пребывания в Париже у него зародилась тема следующего крупного произведения – «статуи Поликрат». Переданные здесь страстная жажда свободы, чувство страдания и мучительной обречённости отразили стремление художника сделать искусство более эмоциональным, обогатить его обратный язык. Во второй половине 1790 гг. Козловского привлекают темы российской истории. (статуи «Князь Яков Долгорукий, разрывающий царский указ», «Геркулес на коне») Иван Мартос. Учился в Академии Художеств и в дальнейшем стал её ректором, стажировался в Риме. Автор многих надгробий в некрополях Петербурга. (надгробие С.С. Волконской, М.П. Собакиной, Е.И. Гагариной. Памятник Минину и Пожарскому в Москве) Сила дарования Мартоса проявилась в мастерской передаче чисто пластическими средствами целой гаммы противоречивых чувств, в широкой обобщённой лепке. Сочетает сложные ракурсы с ясностью силуэтов и формы. Иван Прокофьев. Воспитанник училища при Академии художеств, стажировался во Франции. Был одним из авторов пластического комплекса петергофских фонтанов. Он исполнил для Большого каскада статую «Акид», аллегорическую фигуру «Волхвов» и группу «Тритоны»- в их полных жизни и экспрессии телах чувствуется безупречное знание анатомии и истинно барочное умение заставить бронзу подчеркнуть каждый мускул в светотеневой игре. 19. Пейзаж в русском искусстве 18 века. Русский пейзаж как жанр сформировался в конце 18 века. Его становление было связано с сентиментализмом – течением, призывающим к естественности и открытости душевной жизни человека. Тяготение к естественности было связано с культом природы, среди которой человек только и может обрести покой и внутреннюю свободу. Новые духовные веяния повлекли за собой и потребность изменить окружающую человека среду. Наиболее полно это отразилось в замене "регулярных", французских парков на "пейзажные", английские, которые должны были выявлять богатство, красоту и разнообразие природы. Теперь художники стремятся прежде всего выразить поэтическую сущность содержания изображаемого; именно оно становится основой создания художественного образа живописи. Это сочетается со стремлением показать «простые» пейзажи, передать в картине «сельскую простоту». Основоположником русской пейзажной живописи является Семён Фёдорович Щедрин. В ранних произведениях художник находит поэтичность в условном, кулисном построении пейзажа, в нарядных узорах пышной листвы, в декоративной выразительности цвета. Он изображает «сочинённые» им, несуществующие местности. В 90 годы Щедрина привлекают окрестности Петербурга (Вид на Гатчинский дворец с Серебряного озера, Каменный мост в Гатчине у площади Конетабля). К этому времени относятся лучшие работы художника, могущие именоваться новаторскими. Наряду с парками Щедрин писал и столицу (Вид на Большую Невку и дачу Строгановых). Здесь памятники архитектуры отступают на задний план. Главенство пейзажной темы в картинах подчёркнуто огромными деревьями, глубиной и ширью далей, частыми контрастами между крупными и тяжёлыми массами первого плана и открывающимися за ними зелёно-голубыми просторами. Позднее Щедрин обращается к более конкретным бытовым сценам в пейзажных произведениях. Пишет не только гуляющих господ, но и крестьян на плоту, рыбаков у костра. (Вид на Каменноостровский дворец и плашкоутный мост) Михаил Матвеевич Иванов. Современник Щедрина. Работал в технике акварели. Реалистические тенденции сказались уже в ранних его рисунках во время путешествия по Италии и Швейцарии. Лучшие стороны творчества художника развились во время пребывания на Украине, на Кавказе, в Крыму и Бессарабии. Он обращался к образам национального прошлого в новгородских видах в изображении древностей Старой Ладоги на Волхове. С особой проникновенностью и свободой Иванов показал в ряде акварелей Царское село. Он был не только пейзажистом-некоторые его работы относятся к батальному жанру: изображал места сражений русской армии. (Штурм Измаила) Иванов первый из русских художников столь широко охватил пейзаж различных местностей страны. Много работая с натуры и глубоко воспринимая поэтическое очарование «неукрашенного» вида, он стремится внести в искусство одухотворённое и вместе с тем ясное отношение к природе, показать глубину пространства, передать в светлых тонах акварели ощущение света и воздушной среды. Фёдор Яковлевич Алексеев. В 11 лет поступил в Академию художеств. Был отправлен в Венецию для изучения театрально-декоративной живописи. Боролся с советом Академии на почве выбора факультета. В итоге, вопреки всем, стал заниматься пейзажной живописью. Творчество Алексеева открывает ряд архитектурных пейзажей- видов Петербурга. (Вид дворцовой набережной от Петропавловской крепости). В этих картинах 90-х годов он создал новый образ города. С подлинным поэтическим подъёмом запечатлён величавый облик столицы могущественной державы. Картины свои писал на основе детально проработанных акварельных этюдов с натуры. Художник увлечённо изучает старинную русскую архитектуру. Современники отмечали «гармонию и прозрачность» его живописи. В 1795г художник совершил поездку для «снятия видов» на юг России, ставшую новым явлением для русского искусства. Вскоре Алексеев написал большие виды Бахчисарая, городов Херсона и Николаева. В картинах южного цикла есть некие общие черты. Композиция организована чётко и ясно. Появляется стаффаж. Все детали изображены весьма живо, образуя жанровые сценки. Начиная с этих работ, стаффаж стал обязательной деталью всех картин художника. Стремление познать лицо родины, запечатлеть в худ. Образах ансамбли драгоценных памятников прошлого, побудили его посетить Москву. (Красная Площадь, Вид Московского Кремля и Каменного моста). Наряду с направлением, представленным Щедриным, Ивановым и Алексеевым, в конце 18 в начале 19 века существует и иное течение. Идеальный «героический» пейзаж в стиле классицизма с наибольшей силой и последовательностью представляет Ф.М. Матвеев. Он стремится выявить «вечную», отвлечённую красоту классической Италии, избегая конкретных особенностей, определяющих индивидуальный облик местности, а иногда создаёт целиком вымышленные пейзажи. Однако при всей условности пейзажи Матвеева, передающие величавую и облагороженную природу, несут в себе эпическую широту замысла и декоративно выразительны. 20. Творчество Ф.Рокотова Фёдор Рокотов-мастер портретной живописи. Он станет создателем особого типа камерного(интимного) портрета. О биографии художника известно довольно мало. Родился в семье крепостных. При активном содействии графа Шувалова, Рокотова приняли в петербургскую Академию художеств. Вся яркая творческая жизнь художника в дальнейшем будет связана с Москвой. В манере художника отражаются элементы рококо. Также, его живопись перекликается с древнерусским искусством. В совершенстве владел основами европейской живописной культуры. Модели Рокотова как бы выступают из мерцающего сумрака, черты лица слегка размыты, словно окутаны дымкой. Полотнам присуще богатство оттенков, изысканные цветовые сочетания. Часто пишет фон в оливково-зелёных тонах. Редко пишет моделей в полный рост, чаще- по грудь. Мягкие, приглушённые тона создаёт атмосферу интимности: в его портретах нет ничего показного, внешне эффектного. Портретируемые одеты в неофициальную, иногда домашнюю одежду. Художника привлекает внутренняя красота человека. По словам одного из современников, он с удивительным мастерством умел передавать не только «вид лица», но и «нежность сердца». В 1758 году пишет портрет великого князя Петра Фёдоровича (будущего Петра 3), а через 3 года художнику позирует будущий император Павел 1. На портрете мы видим капризного, непоседливого мальчика; он представляется живым, а не позирующим. И между тем портрет не лишён черт официальности и парадности. В работах 60-х годов всё более точно наблюдается правдивость портретных образов. (Портрет Майкова (известный поэт сатирик, изображён с выражением насмешливого превосходства)). Своих подлинных вершин мастерства Рокотов достигает в ряде женских портретов. (Портрет графини Санти) «Портрет А.П. Струйской»-показал возвышенность образа молодой женщины. Её фигура на портрете кажется необычайно лёгкой и воздушной. «Неизвестная в розовом платье»-считается одним из шедевров художника. Тончайшие градации розового-от, насыщенного в тенях, до тёплого светлого создаёт эффект мерцания, трепетания тончайшей световоздушной среды. Этот образ исполнен лирическим очарованием. Рокотовские портреты-это история в лицах. 21. Творчество Левицкого. Дмитрий Левицкий- русский живописец, родился на Украине. Отец был священником и превосходным гравером. Ученик Антропова. За портрет архитектора А.Ф. Кокоринова ему было присуждено звание академика. В Академии Левицкий вел портретный курс, и с Академией связалась у него вся жизнь — клубок радостей, когда он чувствовал в учениках плоды своих стараний, и вместе ощущения некоторой неполноценности: жанр Левицкого считался искусством второго сорта, ибо не требовал «сочинения» (как, например, историческая живопись), и потому академические чиновники относились к художнику свысока и пренебрежительно. Левицкий был Мастером парадного и камерного портрета, также писал интимные портреты. Великолепно передавал особенность фактуры. Свободно владел всеми средствами художественного выражения: от насыщенной пластики и повышенной «цветности» барокко до строгого классицизма. Особенно замечателен среди ранних работ мастера портрет знаменитого франц. филос. Дидро. В этом портрете Левицкому удалось с необычайной проникновенностью передать образ человека высокого интеллекта. Если портреты Кокоринова и Сеземова не лишены черт парадности, то изображение филос. относится к типу камерного или интимного портрета. Женщины Левицкого переданы пламенно и виртуозно: изумительная Урсула Мнишек — это серебро пудры и атласа, это прекрасное лицо с горящим румянцем, надменные дуги бровей и удивительные глаза, умные и глубокие, но не допускающие в душу. И как антипод этой «хладной богини» — куртизанка и ласкательница, «первая певица оперы-буфф и вторая — серьезной оперы», итальянка Анна Давиа Бернуцци. В 1773 году Левицкому было поручено исполнить серию портретов воспитанниц Смольного института. (серия «Смолянки») Хотя в прихотливых нарядах, в позах, в улыбках девушек есть жеманство и уточнённая кокетливость, всё же в этих произведениях с большой теплотой показаны образы молодых девушек. В «Смолянках» Левицкого есть подлинная человечность содержания. 1783 году был написан Портрет Екатерины 2. В отличие от всех остальных работ, здесь он вовсе не передаёт реального облика изображаемого человека. Екатерина 2 представлена здесь не такой, какой она была в действительности, а какой хотела казаться своим современникам. К 1790-м годам Левицкий необратимо начинает терять популярность. Главные заказчики и покровители уходят. С той поры Левицкий в немилости. Теперь отношение двора ее величества к Левицкому определяла его дружба с Новиковым (был в немилости у Екатерины 2) и другими деятелями русского просвещения. И художник ищет новые пути. Он ищет пути к народу, к народной тематике. Пишет портрет своей дочери в свадебном народном уборе. Но долголетнее писание заказных портретов сделало свое. Портрет Агаши не задался. Он получился салонный, далекий от жизненной правды. Душа художника была выхолощена дворцовыми буднями, сиятельными портретами, где почти каждый холст носит следы искусственности, слащавости и холодности. Левицкий умер в нищете, почти слепой и забытый. 22. Творчество Боровиковского. Владимир Боровиковский родился на Украине в семье казака. Отец, дядя и братья будущего художника были иконописцами. В молодости учился иконописи под руководством отца. Позже станет учеником Левицкого. Не учился в Академии Художеств, но за свои успехи в живописи в 1795 году был признан академиком, а затем и советником портретного искусства. Работал в стиле сентиментализма. Писал парадные и одиночные портреты (камерные, интимные). Выработал особую манеру письма: мягкие переливы тонов, чёткая и классическая стройность линий. В противовес официальному сословному портрету он разрабатывает тип изображения «частного человека» с его простыми, естественными чувствами, проявляющимися наиболее полно на лоне природы. Художник тонко передаёт внутренний мир изображаемых им людей. Стремится к утверждению самоценности и нравственной чистоты человека. В женских образах В. Л. Боровиковский воплощает идеал красоты своей эпохи. Создал определённый стиль женского портрета: поясное изображение, погружённая в задумчивость фигура, опирающаяся рукой на подставку, а фоном для томного изгиба тела в лёгкой светлой одежде служит тихий пейзаж. Нежный, блёклый колорит, лёгкое прозрачное письмо, плавные мелодичные ритмы создают лирическую атмосферу мечтательности. Женские портреты не столь эффекты, как мужские, небольшие по размеру. (Портреты Е.Н Арсеньевой, Е.А Нарышкиной, В.А. Шидловской, М.И Лопухиной; Лизонька и Дашенька) Боровиковский воспроизводит в портрете типичные особенности национального русского пейзажа – белые стволы берёз, васильки и ромашки, золотые колосья ржи. Национальный дух подчёркнут и в образе Лопухиной. Екатерину 2 написал необычно, в тёплом салопе (Широкое женское пальто особого фасона), на прогулке в Царском селе, как властную барыню без пышностей и регалий. В 1810-е его привлекают сильные, энергичные личности, он акцентирует внимание на гражданственности, благородстве, достоинстве портретируемых. Облик его моделей делается сдержаннее, пейзажный фон сменяется изображением интерьера (портреты А. А. Долгорукова, М. И. Долгорукой) Он— автор ряда парадных портретов. Наиболее известными из них являются «Портрет Павла I в белом далматике», «Портрет князя А. Б. Куракина, вице-канцлера». В своих парадных портретах мастерски передаёт материальность и фактуру. Также является признанным мастером портретной миниатюры. В свои последние годы Боровиковский вернулся к религиозной живописи, в частности написал несколько икон для строящегося Казанского собора, иконостас церкви Смоленского кладбища в Петербурге. Стал наставником начинающего художника Алексея Венецианова. 23. Ампир в архитектуре первой половины 19 века (Европа и Россия) Ампир (фр.— «имперский стиль») — стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период правления императора Наполеона 1. Утверждает абсолютное превосходство императора над странами и народами. Считается, что начало стилю ампир положил живописец Жак Луи Давид. Художник писал картины, возвеличивающие Наполеона, делал специальную мебель для императорского дворца. Стиль ампир в архитектуре ориентируется на образцы зодчества времен Древнего Рима. Они служили примером для создания сюжетов и мотивов, воплощающих идею величия и мощи воинской силы и славы. Стиль заимствовал элементы римского зодчества: мощные портики, фронтоны с барельефами. Из декора ампир перенял рельефные изображения орлов, львов, копья, щиты, топоры, венки. Вместе с тем, в ампире присутствовали и элементы романтизма, они выражались в древнеегипетских мотивах, которые украсили архитектурные элементы строений. Новые черты придал ампиру завоевательный поход Наполеона в Египет. Появилось множество древнеегипетских архитектурных и пластических мотивов: большие нерасчлененные плоскости стен и пилонов, массивные геометрические объемы, египетский орнамент, стилизованные сфинксы. Здания начали отделывать позолотой, а колоннады стали нарядней и масштабней. Здания имели характерные для античности Древнего Рима архитектурные формы. Например, архитектор Пьер Виньон при постройке парижской церкви Мадлен обратился к форме периптера. Здание замыкает улицу Руаяль, идущую от площади Согласия. Архитекторы Шарль Персье и Пьер Фонтен, творившие вместе, основоположники стиля, работали над оформлением дворцов Наполеона I. (Мальмезон — резиденция Наполеона Бонапарта и Жозефины Богарне) (Тюильри- после объявления Наполеоном Тюильри в 1799 году официальной резиденцией, у главного входа во дворец была воздвигнута Триумфальная арка на площади Карузель) В России и Германии ампир стал выразителем идей государственной независимости, которую эти страны отстаивали в антинаполеоновских войнах. Русский ампир оказался мягче, свободнее, пластичнее французского и, кроме того, делился на «столичную» и «провинциальную» версию (имеются в виду загородные усадьбы). Период развития стиля первой половины 19 века иногда называют «николаевским» (правление Николая I) Есть также мнение, что николаевский ампир – это последняя завершающая стадия русского классицизма. В этот период стиль был более всего характерен для северной столицы - Петербурга. В архитектуре Москвы после пожара появились новые строения с ампирским декором, в котором присутствовали орлы, факелы, венки, стрелы. Но при этом композиции зданий соответствуют типу классической московской городской усадьбы. Архитекторы: К.И Росси -Арка генерального штаба. Захаров -Адмиралтейство. Н. Воронихин- Горный институт, Казанский собор. Александровская колонна – арх. О. Монферран, скульп. Б. Орловский. В.П Стасов – Троицкий собор Измайловского полка, Спасо-Преображенский и Свято-Троицкий соборы, Нарвские Триумфальные ворота, Московские триумфальные ворота. |