билеты. 1. Архитектура Франции 18 века
 Скачать 117.39 Kb.
|
|
36.Творчество Тёрнера Уильям Тёрнер занимает особое место в развитии английской пейзажной живописи. Он нелюдим, ведёт жизнь отшельника. Учился в Академии художеств. Рано стал известным, в 15 лет уже выставлял свои акварели. Изъездил всю Европу. В Венеции он открыл, что пейзаж можно писать тёплыми тонами (жёлто-голубым и т.д.). Тёрнер начал с простых и несколько суховатых пейзажей, но вскоре перешёл к созданию больших пейзажных картин на античные сюжеты, в которых подражал Клоду Лоррену. (Улисс и Полифем, Грот королевы Мэб). Он пишет свои восходы и закаты очень чистыми тонами-пурпурными, оранжевыми, синими-зачастую заливая всю картину ярким светом, оставляя в ней минимальное количество теней. Тёрнер оставался романтиком на протяжении всей своей деятельности, но в нём не было цельности и убеждённости Констебла. Формировался художник под воздействием классического пейзажа, а также голландских маринистов. Он тщательно изучал природу, но «ему были нужны лишь некоторые стороны видимой реальности, от которой могла бы отталкиваться его фантазия, создающая пейзаж». Стихией Тёрнера было море, насыщенный влагой воздух, движение туч, взлёт парусов, бушующие природные силы. (Кораблекрушение). Его интересовали воздушная атмосфера, мгновенные изменения в природе. Писал на утёсах, обрывах, в лодке. В его работах присутствовала панорамность и низкая линия горизонта. Создал множество зарисовок и эскизов. Он постоянно совершенствовал свою технику, изучал связь между архитектурой и геологией, природу движения воды и воздуха. Отбрасывая излишнюю детализацию, он создавал новый тип пейзажа, посредством которого художник раскрывал свои воспоминания и переживания. В свои картины он вводил изображения людей в сценах прогулок, пикников, полевых работ. Внимательно и с любовью изображая человека, подчёркивал несовершенство его природы, бессилие перед огромным окружающим миром. (Трафагарская битва, Поле Ватерлоо) Бушующие или победно торжествующие стихии, борьба как нечто возвышенное, как закон жизни-вот содержание самых оригинальных полотен художника. (Ганнибал, пересекающий Альпы в метель, последний рейс корабля «Отважный») Для передачи бури, пространство заворачивается в воронку. Резкое сочетание тёплого света и тёмной, холодной бури. Предметы в системе Тёрнера постепенно превращаются в красочное пятно и служат лишь материалом для колористически-декоративного построения. В этой «беспредметности»-основа тёрнеровского декоративизма. 40-е годы- начало тяжёлого внутреннего кризиса живописца. «Метель. Остов корабля и рыбачья лодка», здесь пропадает напряжение, утрачены контрасты цвета и остаётся зрелище унылого хаоса. В эти годы часто изображает виды Венеции или тихие швейцарские городки. Присутствует дисгармония цвета. Консебл говорил, что Тёрнер пишет «подкрашенным паром». Формы теряют чёткость. Уильям Тёрнер является предвестником импрессионизма и абстракционизма. 37. Русская архитектура первой половины 19 века Первая половина 19 в. в России прошла в обстановке всеобщего подъема, связан он был с Отечественной войной 1812 г. Именно это событие во многом определило, как будет развиваться архитектура первой половины 19 века. Перед архитекторами того времени стояли четкие задачи решения градостроительных задач. В Петербурге завершают планирование основных площадей: Дворцовой и Сенатской. Особенно интенсивно идет восстановление Москвы после пожара 1812 г. Идеалом для многих зодчих становится античность в ее греческом варианте; не отстает также гражданственная героика. Широко используется тосканский (или дорический) ордер. Основные элементы ордера укрупняются, подчеркивается мощь гладких стен, арок и колоннад. Главную роль в общем облике сооружения играет скульптура, которая выражает определенное смысловое значение. Архитектура первой половины 19 века удивляет цветовым решением. Архитекторы высокого классицизма выделяют два цвета: обычно колонны и лепные статуи создают белые, а фон чаще всего – желтый или серый. Среди архитектурных построек главное место по-прежнему занимают общественные сооружения различного характера: театры, учебные заведения, значительно реже ведется постройка дворцов и храмов. В Петербурге завершается планировка основных площадей столицы: Дворцовой и Сенатской. Создаются лучшие ансамбли города. Крупнейшими архитекторами этого времени являются: А.Н. Воронихин, Ф.И. Тома де Томон, А. Д. Захаров, К. И. Росси, В. П. Стасов. Крупнейший архитектор этого времени Андрей Никифорович Воронихин (1759–1814) – архитектор классицизма – много сил отдал созданию городского ансамбля, синтезу архитектуры и скульптуры, органическому сочетанию скульптурных элементов с архитектурными членениями, как в больших сооружениях, так и в малых. Воронихин работал в Петергофе, исполнив проект галерей у ковша фонтана «Самсон», принял участие в общей реконструкции фонтанов Большого грота, работал в пригородах Петербурга. Выпускник Петербургской Академии Андреян Дмитриевич Захаров (1761–1811), начинает строительство Адмиралтейства (1806–1823). Перестроив старое коробовское здание, он превратил его в главный ансамбль Петербурга. В захаровском Адмиралтействе соединились лучшие традиции отечественной и самые современные градостроительные задачи: здание тесно связано с архитектурой центра города. Отсюда берут начало три проспекта: Вознесенский, Гороховая ул., Невский проспект. Захаров умер, не увидев Адмиралтейства в законченном виде. 38. Русский портрет первой половины 19 века В 1801 – на престол взошёл Александр 1. Он основал первое учебное заведение для крестьян (Лицей), позже появился институт Благородных девиц. Первые десятилетия 19 века в России прошли в обстановке всенародного подъёма, связанного с Отечественной войной 1812 г. В литературе и искусстве появляются романтические мотивы. Возросла общественная роль художника, его право на свободу творчества. Главенствующий стиль этого времени-классицизм. Оставаясь формально в рамках классицистического метода, придерживаясь специфического табеля о рангах в живописи, в котором первенство оставалось за историческим жанром, в русской живописи первой половины 19 века проявляются романтические идеи и темы: сложная, противоречивая личность человека, поиск правдоподобности, персональности. Отсюда такой всплеск и небывалый расцвет искусства портрета, невероятный психологизм образов, созданных О. Кипренским, В. Тропининым. Орест Адамович Кипренский – знаменитый русский художник-портретист, исторический живописец, график; представитель романтизма. Был сыном помещика, мать была крепостной крестьянкой. Учился в Академии художеств. Портрет А.К. Швальбе подготовил разрыв Кипренского с классицистической эстетикой. Более подобных портретов он не создал. В написанных позднее портретах романтическая взволнованность сочеталась с поисками более глубокого раскрытия человеческой личности. Запечатлевал себя в разные моменты и в различных настроениях, проявляя интерес к творческой персоне. Кипренский был прекрасным рисовальщиком, он выработал свободную и динамичную романтическую манеру, запечатлевая едва уловимые оттенки и движения чувств. Первым из русских художников стал широко известен в Европе. Поездка в Италию заметно повлияла на его творчество, портреты художника приобретают бОльшуюю определённость формы, обобщённость образа. Как портретист, смог раскрыть индивидуальность русского человека. В портрете Е.В. Давыдова художник создал сложный образ мечтателя и воина. Эмоционально выразительны и богаты средства этого портрета-сочетание красного и золота, белого и серебра на сумеречном фоне вечернего пейзажа, перед грозой. А в портрете Дарьи Хвостовой, напротив, он создаёт образ спокойный и умиротворённый. Кипренский привносит в мир каноны нравственной красоты, приглашая в мир, где нет лжи, где царит гармония и покой. Этот портрет стал идеалом романтиков. В поздний период творчества созданы: портреты А.С. Пушкина и Е.С. Авдулиной. Портрету поэта чужды бытовые черты. Художник изобразил Пушкина, как человека высоких душевных качеств, как великого национального поэта. Другие работы: Портрет А.А. Челищева, Читатели газет в Неаполе, Бедная Лиза, Портрет Жуковского. Тропинин Василий Андреевич-русский художник золотого века, мастер портретной живописи. Жил попеременно в украинском поместье и графском доме Моркова в Москве. Выполнял обязанности крепостного живописца и дворового человека. Картины Тропинина этого периода несут отпечаток сентиментализма. Тематика работ разнообразна: многочисленные портреты, иконы для поместной церкви, жанровые сцены, представлявшие быт украинских крестьян. После получения «вольной», решил получить статус профессионального живописца. В период расцвета творчества наблюдается рост живописной манеры: колорит произведений приобретает насыщенность, форма становится более объёмной. Усиливаются жанровые мотивы, характерные для всего искусства Тропинина. Уже с раннего периода художник активно интересуется и бытовым жанром. (Гитарист, Кружевница, Золотошвейка) В дальнейших портретах возрастает роль выразительной детали, в ряде случаев-пейзажного фона, усложняется композиция, колорит становится более напряжённым. Важную часть наследия Тропинина составляют его рисунки, в особенности карандашные портретные наброски. Тропинин стал первым художников, создавший портреты, где герой занят работой. Художник также выполнил портрет Пушкина, он получился земным, в отличие от Кипренского. Тропинин изобразил Пушкина просто, в халате, с распахнутым воротом рубашки, но при этом глубоко передал значимость внутреннего мира поэта. Другие работы: Портрет сына, Мальчик с жалейкой, Девушка с розами, Самсон Суханов. 39. Пейзажи Щедрина. Их роль в формировании европейской пейзажной живописи Сильвестр Щедрин-родился в семье ректора Петербуржской Академии художеств. В дальнейшем отправляется в Италию, где изучает историю, античное искусство и европейскую живопись. Первые картины художника («Вид с Петровского острова» и «Вид с Петровского острова на Тучков мост») были написаны в мастерской. Исполнены они в манере классицизма, с присущей этому стилю условностью в цвете и композиции. Ранние пейзажи этого периода верны натуре, но ни один из них не представляет собой целостного пейзажа-картины. В них присутствует некоторая разобщённость, разрозненность точно скопированных деталей. (Колизей, Водопад, Вид в Тиволи) Серия картин «Новый Рим. Замок святого Ангела» являлась поворотным этапом в творчестве художника. Прежде всего, по-новому трактуется сам сюжет. Меняется цветовая гамма: на смену сумрачным коричневым тонам ранних работ приходят теперь более холодные, серебристые голубые и зеленоватые тона. (Террасы в Сорренто) Большой шаг Щедрин сделал в изображении людей. Человеческие фигуры в его картинках не просто стаффаж, а живые люди, занятые повседневной работой. Правдиво передавая жизнь рыбаков и простых итальянских граждан, Щедрин тем самым внёс в свои пейзажи черты жанра. В пейзажах 30-х годов присутствует романтическая приподнятость, стремление к сложным световым и колористическим эффектам. Картины обретают зыбкий и тревожный драматизм. (Лунная ночь в Неаполе) Щедрин дал своё поэтическое истолкование природы Италии. Это не удалось сделать многим его современникам итальянцам. В пейзажах Щедрина заключено то лирическое утверждение красоты простого и мечтательного, которое свойственно и русскому портрету, и жанру первой половины 19 века. 40. Русская скульптура первой половины 19 века Первая половина 19 в. отмечена расцветом русской скульптуры и в особенности ее монументальных форм. Она отражает рост национального и общественного самосознания русского общества. Очень сильно на эти умонастроения повлияла борьба с Наполеоном. Отечественная война 1812 года породила высокий патриотизм, в искусстве отразившийся в интересе к воспеванию величия победившего народа. Именно в этот период создавались памятники выдающимся русским людям, надгробия, оригинальные произведения станковой и декоративной пластики. Характерной чертой русской скульптуры означенного периода являются огромные достижения в области синтеза скульптуры и архитектуры. Крупнейшим скульптором России конца 18 - первой половины 19 вв. и видным представителем классицизма в скульптуре является Мартос. Начав с мемориальной скульптуры и создав замечательные образцы в этом виде искусства (надгробия С.С.Волконской и М.П.Собакиной), к началу 19 в. он обращается к монументальному жанру. Выдающимся произведением Мартоса является памятник Минину и Пожарскому в Москве. Памятник отличается строгостью и простотой силуэта, эмоциональностью образа, монументальностью пластических форм. Также, он создал монументальный горельеф «Источение Моисеем воды в пустыне» на аттике колоннады Казанского собора. В монументально-декоративной скульптуре начала первой четверти XIX в. с большим успехом работал Ф.Ф.Щедрин(Не путать с его сыном, пейзажистом). К лучшим произведениям Щедрина относятся его статуи и скульптурные группы для Адмиралтейства. В аллегориях, созданных мастером, воспето величие России как морской державы, передано торжество человека над силами природы. В русле упомянутого жанра развивалось творчество В. И. Демут-Малиновского и С.С.Пименова. Им принадлежит основное убранство арки Главного штаба, фасадов Александрийского театра, Михайловского дворца и других зданий Петербурга. Талантливым скульптором был И. И. Теребенев. Наиболее значительное его произведение — горельеф «Заведение флота в России», помещенный на здании Адмиралтейства. Здесь можно увидеть и портретное изображение Петра, аллегорические образы вроде Нептуна, Минервы, и образы русских тружеников, тянущих на канатах сети, суда. Изображение сцен труда было необычным явлением в монументальной скульптуре начала 19 в. В 30-40-е годы в развитии скульптуры происходят определенные изменения. Образы теряют прежнюю условность, становятся более реальными, но при этом утрачивают монументальность. Жизненность героев передана в творчестве Б. И. Орловского. (Памятники М.И.Кутузову и М.Б.Барклаю-де-Толли (1829-1837), поставленных у Казанского собора) Выдающаяся роль в русской скульптуре принадлежит П. К. Клодту. Одними из ранних крупных работ, которые принесли ему всеобщее признание, были конные группы для Аничкова моста в Петербурге. В этих группах выражена идея покорения человеком природы. Укрощение человеком коня передано в динамичной и темпераментной композиции. Оригинальные работы в области медальерного искусства принадлежат Ф.П.Толстому. Под впечатлением событий войны 1812 г. он создал серию медальонов («Народное ополчение 1812 года»; «Бородинская битва») Его творчество способствовало развитию медальерного искусства. Таким образом, российская архитектура и скульптура достигли больших успехов. Они представляли творческий синтез мировых европейских достижений с национальной традицией. 41.Творчество Брюллова Карл Павлович Брюллов-русский художник, живописец, монументалист, акварелист, представитель классицизма и романтизма. Родился в обрусевшей немецкой семьи в Петербурге. С детства был очень одарён. Учился в Академии художеств. В годы учёбы попал под влияние классицизма. (Гений искусства, Всадница). Посетил Италию, Венецию. Художник восхищался творениями Тициана, Рафаэля, Леонардо да Винчи. В картинах художника присутствует красочная образность, поэтичность, лирика. Брюллов с увлечением занимается жанровой живописью. Появляются его «Итальянское утро», «Итальянский полдень», «Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя». Радость жизни пронизывает эти работы. Прекрасное Брюллов видит в полноте жизненных ощущений, в непосредственности человеческих чувств в простом и повседневном. Восхищение красотой натуры, свободным проявлением чувств человека вызвали в творчестве художника интерес к камерно-интимному портрету и портрету-картине. (Автопортрет, Графиня О.П.Ферзей на ослике) Самое значительное произведение, созданное Брюлловым-«Последний день Помпеи», в основе содержания которого лежит трагедия римского народа, погибшего при извержении Везувия. Он работал над этим полотном свыше 6 лет: изучал документы, связанные с этим событием, письма Плиния Тациту, присутствовал на раскопках Геркуланума и Помпеи, исследовал исторические и археологические материалы. Действие в картине развивается со стремительной быстротой и охватывает огромное пространство. В работе применил резкие контраста света и тени. «Последний день Помпеи» отлично характеризует романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом, повышенным интересом к пленэру и страстной любовью того времени к подобным историческим сюжетам. Брюллов сумел передать на картине самое ценное чувство, которое есть в людях-любовь к ближнему. Созданная художником галерея современников в Петербурге-самое ценное в его наследии. Парадные портреты занимают значительное место и в этот период творчества. (Портреты сестёр Шишмарёвых). Картина «Графиня Самойлова, удаляющаяся с бала с приёмной дочерью Амалицией Паччини» имеет у Брюллова своеобразный аллегорический смысл. Маскарад ассоциировался у художника с представлением о фальши и пустоте высшего света. В портрете противопоставлены образы гордой Самойловой и задумчивой нежной Амалиции Паччини. Особенных успехов добился художник в реалистическом, психологическом портрете. (Портрет Н.В. Кукольника, Портрет пота В.А. Жуковского, Портрет И.А. Крылова) Брюллов любит и постоянно использует красный цвет, он присутствует почти во всех работах и выражает его творческий темперамент. В его портретах есть некоторая импульсивность и неуловимое движение, они приятны и не темны по колориту. Меланхолия, пронизывающая его поздние портреты, сближает его с романтиками. 42. Бытовой жанр в творчестве Венецианова Алексей Гаврилович Венецианов-классик русского изобразительного искусства, утвердивший бытовой жанр в отечественной живописи. Родился в Москве. Стили-сентиментализм, романтизм. Педагог, член Петербургской Академии Художеств, основатель так называемой венециановской школы. К числу ранних произведений художника относятся портреты. Интерес Венецианова не к этому жанру не случаен. Именно в портрете в начале 19 века складывались новаторские искания художника. Успехи молодого живописца сразу были замечены. Большинство ранних портретов выполнено пастелью. Они лишены какой бы то ни было парадности, отличаются скромностью и простотой. В сорок лет он словно заново начинает работать в живописи. Его привлекали люди из народа, крепостные крестьяне, мужественно и героически сражавшиеся с Наполеоном и сохранившие высокое человеческое достоинство и благородство, несмотря на крепостной гнёт. Уже первые картины Венецианова в новом жанре: пастели «Чистка свеклы», «Жница», убедительно свидетельствовали о том, что художник сознательно стремился к реалистической верности изображения. Центральным произведением в творчестве художника явилась картина «Гумно». Несмотря на все выразительные приёмы, стремление запечатлеть «как в натуре» привело к некоторой сухости, статичности в изображении человеческих фигур. В стремлении поэтизации русского человека Венецианов несколько идеализировал труд и быт крестьян, не показывая подлинных тягот крепостного труда. Подлинный расцвет творчества падает на 20-30 годы 19 века. На картине «На пашне. Весна» тема труда переплетается с темой материнства, с темой красоты родной природы. Жанровое полотно «На жатве. Лето» отличается лирико-эпическим восприятием окружающей действительности. К самым поэтическим произведениям Венецианова, проникнутым умиротворённостью и покоем, любовью к человеку и природе, принадлежит небольшая картина «Спящий пастушок». Пейзаж в картинах художника являлся уже не просто фоном, а играл активную роль в передаче настроения, решения образа. В годы Отечественной войны 1812 года Алексей Гаврилович Венецианов снова обращается к сатирическим гравюрам. (ранее в 1808 год) На этот раз сатира русского художника направлена против дворянства, восхищавшимися всем французским. В этот же период Венецианов пишет несколько бытовых картин, среди которых «На Конном рынке», «Уличная иллюминация», «Гулянье», «У Петербургской биржи», «На Сенном рынке». В 1824 году на выставке в Петербурге были представлены его картины, вызвавшие восторженный отклик передовой русской общественности. Кисти Венецианова принадлежали также иконы для собора всех учебных заведений (Смольного собора), для церкви Обуховской градской больнице. В последний год жизни художник работал над иконами для церкви пансиона дворянского юношества в Твери. Значение в истории искусства творчества Венецианова чрезвычайно велико. Он был одним из первых художников, посвятивших своё творчество изображению крестьян и утвердивших бытовой жанр в качестве равноправной и важной области в искусстве. Другие работы: Гадание, Захарка, Девушка в платке, Девушка с гармошкой. * Венециановская школа — круг художников, сложившихся вокруг Алексея Венецианова и работавших преимущественно в «крестьянском» жанре. Следуя принципам мастера, художники школы отражали жизнь демократических кругов общества, писали городские и сельские пейзажи, интерьеры, натюрморты. |