Культурология

• Название: Культурология
• Анкор: Laletin
• Дата: 09.02.2020
• Размер: 1.61 Mb.
• Имя файла: laletin.pdf
• Тип: Документы; #107747
• страница: 21 из 25

10.3. Художественная культура Западной Европы в XX веке
Развитие художественной культуры в ХХ веке в Западной Европе определялось, во-первых, тенденциями, возникшими в конце предшествующего периода и, во-вторых, бурными событиями и процессами ХХ века войнами, революциями, прогрессом науки и техники, научно-технической революцией, формированием нового мирового порядка и т.д.
Одной из важнейших особенностей развития художественной культуры в это время стала как бы многонаправленность, отсутствие единственного господствующего стиля в искусстве. Другая существенная черта – резкое повышение доступности искусства для самых широких слоёв населения, интенсивное развитие на этой основе так называемой массовой культуры (о чём говорилось ранее. В искусстве в этот период возникают и существуют много направлений или стилей. О наиболее заметных и пойдёт речь далее. Авангардные течения первой половины века
фовизм, дадаизм, экспрессионизм, супрематизм и сюрреализм
В 1905 году в Париже группа живописцев во граве с Анри Ма- тиссом потрясла художественный мир картинами, написанными в новой живописной манере яркие чистые цвета, плоские композиции. Один из критиков, посетив выставку, назвал живописцев Дикими бранное слово закрепилось как имя. В русском языке название «фовизм» произвели от звучащего по-француз- ски слова, не переводя его.
Кроме Матисса, в группу вошли Альберт Марке, Жорж Руо, Шарль Камуа, Жан Пьюи и Анри Манжина. К ним присоединились Андре Дерен, Морис Вламинк, Рауль Дюфи, Жорж Брак, голландский живописец Киз ван Донген и другие.
Фовизм возник как очередная попытка передать некую глубинную истину, недоступную непосредственно зрению. На эту попытку вдохновили поиски Винсента ван Гога, Поля Гогена и других постимпрессионистов. Фовизм впервые демонстративно отошёл от классических художественных традиций. Он стал первым взрывчатым движением искусства ХХ столетия

Фовисты никогда не выпускали теоретического манифеста. Сам
Матисс двигался от непосредственного использования интенсивного цвета, что и отличало фовизм, к более декоративному формализму. Когда Матисс в 1908 году написал свои Заметки живописца, пик фовизма был уже пройден. Хотя движение существовало недолго, оно оказало заметное влияние на дальнейшее развитие живописи. Оно способствовало возникновению ряда других авангардных движений, в частности, немецкого экспрессионизма (см. ниже, группы Мост (Die Brücke) в Дрездене. Дадаизм был международным, авангардистским художественными литературным движением, существовавшим около 1915–
1922 годов. Дадаисты протестовали против бессмысленного насилия войны. Они считали, что первая мировая война обессмыслила всю привычную мораль и эстетические ценности. Сам термин означает по-французски детская лошадка есть сведения, что он был выбран наугад из словаря. Дадаисты утверждали, что искусство никак не ограничено какими-либо нормами, канонами или мастерством. Единственной реальностью они объявили воображение, безумие и бессмыслицу, а единственным законом искусства – случайность. Дадаизм провозгласил создание антиискусства, поэтому дадаизм часто рассматривается как нигилизм. Однако он может быть понят и как своего рода вдумчивая алогичность (иррациональность, как путь к освобождению, достигаемому проникновением в неизвестные области сознания. Дадаизм появился почти одновременно в Цюрихе, Нью-Йорке и Париже и скоро был усвоен в Германии. В конце концов он сконцентрировался в Париже. В Цюрихе основателями дадаизма были немецкий актер и драматург Хьюго Баль, эльзасский живописец и поэт Жан Арп, немецкий поэт Ричард Хюльзенбек, румынский художник Марсель Янко и румынский поэт Тристан Тзара (Тсара). Они основали Кабаре Вольтер» – театр, место литературных встречи выставочный центр. Они читали лекции, издавали журнал того же названия и выставляли вместе самых разных художников –
Арпа, Джорджо де Кирико, Макса Эрнста, Василия Кандинского,
Пауля Клее, Пабло Пикассо. Арп создал новый тип коллажа, разрывая куски цветной бумаги и располагая их в случайном порядке.
Тзара (Тсара) в 1918 году написал манифест движения. Идеологом дадаизма считается Марсель Дюшан.
Дюшан в 1915 году изобрёл термин «реди-мейд» («ready-made»).
«Реди-мейд» – обычные бытовые предметы типа совков, лопат, писсуаров, бутылочных подставок, которым Дюшан давал названия,
213

подписывал их как автор и выставлял в галереях. Дюшан также изобрел словесные игры, снял абстрактный фильм, с 1913 года редактировал в Соединенных Штатах несколько журналов. В Германии главной фигурой дадаизма стал Курт Швиттерс, который придумал для дадаизма название «мерц» – что-то отверженное, барахло. М. Эрнст и Курт Швиттерс широко использовали в живописи технику коллажа. В Париже салон дадаизма открылся в 1922 году. Дадаизм долго, вплоть до конца ХХ века, оказывал существенное влияние на искусство в 1989 году в Музее искусств графства Лос-Анджелес состоялась его выставка. Несомненна связь дадаизма с возникновением сюрреализма.
Литературное выражение дадаизм нашел во Франции – преимущественно в форме бессмысленных стихов и случайных комбинаций слов – в произведениях Луи Арагона, Андре Бретона и Поля
Элюара. Они основали журнал Литературное ревю в 1919 году он издавался до 1924 года. Однако эти авторы скоро оставили дадаизм и обратились к сюрреализму.
Экспрессионизм – термин, обозначающий движение в немецком авангардистском искусстве начала ХХ столетия живописи, скульптуре, графике. Экспрессионизм явно испытывал влияние фовизма, где также использовался взрывной яркий цвет и упрощённые формы, и творчества Поля Гогена, Винсента ван Гога и Эдварда Мунка. Как и другие авангардные течения, экспрессионизм отрицал инертные академические стандарты предыдущего столетия. В самом широком смысле термин экспрессионизм приложим к любому произведению искусства, в котором объективная действительность искажается, чтобы точнее и полнее передать душевное состояние художника.
Экспрессионизм поставил задачу навести мост между искусством и его субъективными психологическими источниками. Для этого была провозглашена энергичная эстетика. Экспрессионисты отказались от изобразительного натурализма, поставив главной задачей возможно более полное выражение внутреннего мира художника, его эмоций. Очень часто этот внутренний мир противостоит объективной действительности, и это противостояние передаётся посредством смелых искажений формы и ярких ненатуральных цветов, в том числе ядовито-красных и синих. Для экспрессионизма характерна подчёркнутая эмоциональность, трагизм, часто гротеск и мистицизм. Первые экспрессионисты – группа под названием Мост, организованная в Дрездене в 1905 году Эрнстом Людвигом Кирхнером.
214

Их манифест появился в 1906 году. Он утверждал, что художник должен следовать за правдой внутренних убеждений. Другая группа экспрессионистов, Синий всадник, возникла в Мюнхене в 1911 году. Название группы дано по картине одного из ее ведущих вдохновителей, Василия Кандинского. Синий всадник тяготел к лирической абстракции. К группе присоединились французские живописцы Анри Руссо и Роберт Делони, Пауль Клее, Пабло Пикассо и Жорж Брак. Синий всадник распался в 1914 году, с началом первой мировой войны. Однако экспрессионизм в искусстве ХХ столетия оказал сильное влияние на нью-йоркских живописцев хи х годов, оказавшись причастным к возникновению абстрактного экспрессионизма.
Вслед за изобразительным искусством появились опыты применения эстетики экспрессионизма в литературе. Однако целостного литературного движения не возникло. В поэзии и драме экспрессионизм был реакцией на сентиментальность романтизма конца XIX столетия. На экспрессионистских поэтов, писавших в Германии и Австрии между и 1924 годами, влияли фрейдистские теории подсознательного, антирационализм Фридриха Ницше и романы Фёдора Достоевского. Для стихов И. Бехера, В. Верфеля, Г. Бенна и других характерны хаотические образы и неистовый тон. Некоторые качества экспрессионизма обнаруживаются в прозе Франца Кафки, но ярче всего экспрессионизм реализовался в театре (драмы Августа Стриндберга, Франка Ве- декинда и др. После 1917 экспрессионистская драма несколько лет доминировала в немецком театре и оставила свой след в немом кино. Супрематизм был создан в России живописцем Казимиром Ма- левичем в 1913 году. Это один из самых строгих видов геометрического абстрактного искусства начала ХХ столетия. Как объяснял
Малевич, своими супрематистскими картинами он хотел избавить искусство от балласта объективного мира. Для этого он сначала использовал только квадрат. Затем он включил в своё искусство всё разнообразие чистых геометрических форм. В отличие от творчества Мондриана, искавшего неподвижность, художественный мир
Малевича сего использованием диагоналей был динамичен. Целью
Малевича было передавать в искусстве чистое чувство, лишенное реальности объектов видимого мира.
Супрематизм был важен для развития абстрактного искусства. Идеи Малевича стали особенно влиятельны в Германии и Нидерландах, когда в 1927 году был издан немецкий перевод его Необъективного мира. Эта книга признана одной из самых важных работ по абстрактному искусству, она занимает место рядом с книгами Василия Кандинского и Пита Мондриана. В бывшем СССР супрематизм стал предшественником так называемого конструктивизма, направления, которое многие годы было официально принято в архитектуре и некоторых других видах искусств.
Термин сюрреализм (сверх, над-реализм) ввёл Гийом Апол- линер в 1917 году. Сюрреализм – движение в искусстве и стиль, создающий образы на основе фантазии, мира мечтаний и воображения. Сюрреализм вырос в годы первой мировой войны и сразу после неё из дадаистских нигилистических тенденций и эффектов освобождения. Это антиэстетическое движение, которое объявило своим пространством непосредственно человеческое мышление. Анри Бретон предположил, что рациональная мысль угнетает творческий потенциал и воображение, а потому препятствует художественному выражению. Бретон как сторонник Зигмунда Фрейда и его концепции подсознательного чувствовал, что контакт с этой скрытой частью сознания мог открыть новые поэтические истины. Сюрреализм начался как восстание против контроля, осуществляемого рациональностью в принятых способах коммуникации. Сюрреалисты призывали порвать с соглашениями, предписанными правилами и священными ценностями – как культурными, таки эстетическими. Они утверждали, что ограничены только человеческой способностью к самовыражению, которую они и стремятся расширять. Литература, живопись, кино, скульптура или любая другая художественная форма для сюрреалиста принимают значение, когда они выражают сюрреалистическое состояние сознания.
Первые сюрреалисты начали с отрицания общепринятых мнений о природе и функции поэтического слова. В 1921 году А. Бре- тони Филипп Сюпо (Soupault) опубликовали первый определенно сюрреалистический текст, Магнитные поля, созданный так называемым автоматическим письмом перо свободно выражает на бумаге образы из подсознания, не прошедшие цензуру мышления. Художественное движение возникло, когда французский поэт Андре Бретон в 1924 году издал первый манифест сюрреализма. Сюрреалистами объявили себя Луи Арагон, Роже Витрак и поэт Бенджамин
Перет. Скоро Бретон признал близость своих литературных задач художественным целям некоторых живописцев, также захваченных концепциями фрейдизма. В 1925 году в Париже при поддержке Бретона состоялась первая выставка живописцев-сюрреалистов. Среди них были Джорджо де Кирико, Макс Эрнст, Андре Массон, Хуан Миро,
Пабло Пикассо и Мэн Рей. К этому направлению присоединились Сальвадор Дали, Рене Магритт и Ив Танги. Они разрабатывали сказочные, фантасмагорические или галлюцинаторные образы, потрясающие
216

своей совершенной реалистичностью. Живописцы использовали био- морфные формы и случайные эффекты, которые приближались каб- стракции. Идеи сюрреализма пытался воплотить в кино Луис Бюнюэль фильмы Андалузский пси Золотой век, 1930). Сюрреализм использовал некоторые из методов дадаизма, включая ассембляж – форму скульптуры, объединяющей несогласующи- еся, несовместимые объекты и материалы (например, Объект М.
Оппенхейма – Кубок и блюдце с меховой подкладкой. В поисках вдохновения живописцы-сюрреалисты обращались и к прошлому – к Иеронимусу Босху, к маньеристам, к движениям романтизма и символизма, и к примитивному искусству, и к творчеству душевнобольных. Характерными чертами сюрреализма являются ирония (в том числе и самоирония) и склонность к мистификации. Эти черты хорошо заметны, например, в творчестве одного из самых ярких сюрреалистов – Сальватора Дали. Сюрреализм был действительно международным движением. Его влияния обнаруживаются во всех главных художественных движениях, которые возникли после второй мировой войны. Сюрреализм повлиял на возникновение абстрактного экспрессионизма в Соединенных Штатах в х годах его приёмы используются сегодня во многих видах искусства (кинематограф, театр, литература, телевидение) и даже в массовой культуре. Абстрактное искусство и основные течения современного западного искусства
Латинское слово «abstraho» означало оттаскивать, отвлекать, отделять, отрывать. До некоторой степени абстрактно всё искусство, потому что оно произведено из воспринятой чувствами реальности – как будто отделено от не, отвлечено. В скульптуре архаичной Греции, Египта, древних и современных примитивных племен используются упрощенные, часто геометризиро- ванные формы. В современном искусстве (модерне) термин абстрактное искусство обозначает живопись и скульптуру, имеющие целью передавать непосредственно духовные сущности, а не представлять реальные или узнаваемые объекты (предметы. Абстрактные произведения призваны возбуждать свободные ассоциации, стимулировать эмоции, спонтанное движение мысли, не направляемое каким-либо конкретным узнаваемым предметом. Иначе говоря, абстрактное искусство претендует чисто изобразительными средствами выражать внутреннюю жизнь человека, душевные движения и состояния психики. Начала абстрактного искусства связаны с концепцией искусство для искусства. Многие абстракционисты утверждают, что музыка есть универсальный абстрактный язык. Поэтому первые абстрактные произведения живописи тесно связаны с музыкой, даже объявлены изображениями музыки. Такова, например, первая сознательно абстрактная акварель Василия Кандинского (1910 год) – композиция из вращающихся, взаимодействующих цветных пятен. В 1911–12 годах чешский художник Франтишек Купка написал полотно, которое часто считают первой полностью абстрактной картиной, Фугу в красном и синем, где ритмичные цветовые сочетания непосредственно вдохновлены музыкальными соответствиями. Центральной идеей в «орфизме» Роберта Делони и Фрэнсиса Пика- биа (начал развиваться в 1912 году) был цвет как таковой, цвет как форма и предмет. Чистую абстракцию стали первыми использовать русские художники. Они с 1913 года начали расширять философские и геометрические элементы кубизма и развивали абстракцию, полностью отделён- ную от внешней реальности. Такая абстракция была призвана передавать реальность четвертого измерения (внутренней жизни. Именно в этом направлении экспериментировали Наталия Гончарова и Михаил
Ларионов («лучизм», 1911–1912 годы, Наум Габо, Антон Певзнер и Владимир Татлин (конструктивизм, Казимир Малевич (супрематизм. Принципы, установленные этими художниками, легли в основу всего последующего развития абстрактного искусства от Баухауза (е годы) к структурам минимального искусства 1960-х.
На западе лидерами абстрактного искусства стали Пит Мондри- ан и художники группы Стиль (Тео Ван Дуисбург, Барт ван дер
Лекк и др, возникшей в Нидерландах около 1917 года. Мондриан пытался ограничиться использованием трёх основных цветов (красного, желтого и синего) и прямого угла. Попытки выразить изобразительными средствами универсальные структуры и ритмы внутренней действительности продолжаются в творчестве ряда живописцев, скульпторов и архитекторов вплоть до сегодняшнего дня. Такова главная претензия абстрактного искусства, сформированная его создателями. Не лишены основания утверждения, что уход в абстракции является бегством от кошмаров действительной жизни, которых в ХХ веке (да и ранее) было более чем достаточно

После начала второй мировой войны многие авангардные австрийские, немецкие и итальянские художники, включая Андре
Бретона, Марка Шагала, Макса Эрнста, Фернана Леже, Андре
Массона, Пита Мондриана и Сальватора Дали, эмигрировали в Соединенные Штаты Америки. В Нью-Йорке состоялись выставки европейского искусства, в том числе Кубизм и абстрактное искусство) и Фантастическое искусство, дадаизм, сюрреализм
(1936–37). Было представлено много работ Василия Кандинского. Американские художники уже знали мексиканскую фресковую живопись, восточное искусство, имели свои традиции пейзажной живописи. Знакомство с экспериментами европейцев привело к возникновению абстрактного экспрессионизма и других течений современного западного искусства. В числе первых начал искать новые методы в живописи в 1947–1951 годах Джексон Поллок. Абстракционисты использовали на своих холстах новые материалы типа пластмассы, металлических и акриловых пигментов. Появился
хэппенинг – произведение, существующее как театральный спектакль. Хэппенинг (позднее очень на него похожий перформанс) состоит из самых разных, по видимости случайных действий, причём зрители вовлекаются в эти события как участники. Правда, все эти случайности происходят по заранее написанному сценарию и под руководством режиссёра. Чаще всего режиссёром является сам художник автор такого произведения. Возникли такие направления, как поп-арт, оп-арт, минимализм, концептуализм и проч.
Поп-арт (от англ. сокращения слова «popular», популярное, общедоступное искусство) – авангардистское направление в западном, прежде всего английском и американском, искусстве середины ХХ века. В нём странным образом соединились находки да- даистов и сюрреалистов, направленные творцами поп-арта на опровержение абстрактного искусства и возврат к реальности жизни. Первые произведения поп-арта были коллажами, то есть самыми неожиданными сочетаниями различных объектов, взятых из самой обыденной жизни. Художники создавали гибриды человека икре- сла, телевизора и газовой плиты к холсту прикрепляли рядом постельное бель, металлический лом типа помятых автомобильных крыльев, вёдра, страницы комиксов и т.п. Объявлялось, что таким образом раскрывается эстетическая ценность вещей, созданных индустриальным способом. Некоторые художники выставляли увеличенные до гигантских размеров муляжи предметов типа пивной банки, тюбика губной помады и т.п. Добивались двусмысленности, противопоставления игры и реальности, искусственного и естественного. Среди художников этого направления наиболее известны Энди Уорхол, К. Олденбург, Р. Раушенберг.
Оп-арт (от сокращения англ. слов «optical art» – оптическое искусство одно из поздних направлений абстрактного искусства, вошло в моду в е годы прошлого века, когда прошёл повышенный интерес к поп-арту. Его основоположником считается В. Вазарелли.
Оп-арт считал самым важным фактором в искусстве акт восприятия. Художники оп-арта говорили, что исследуют механизмы человеческого восприятия и влияние этих механизмов на нашу картину мира, включая возможность её искажения. Оп-арт стремился воздействовать на зрителя оптическим иллюзиями, которые создавались путём манипуляций формами и цветом. Он, подобно другим абстрактным стилям ХХ столетия (орфизм, конструктивизмом, супрематизм, футуризм, использовал абстрактные отношения форм, добиваясь ощущения движения и динамизма. Это движение исследовало потенциал и цветных образов, и чёрно-белых линейных конструкций. Оп-живописцы применяли простые повторяющиеся формы параллельные линии, клетки шахматной доски, квадраты, вложенные друг в друга, концентрические круги и т.п. Для создания цветовой напряженности сопоставлялись дополнительные цвета равной интенсивности. Возникала иллюзия движения, так что глаз не мог достаточно долго задержаться на любой части композиции.
Европейскими пионерами стиля был Джозеф Алберс и Виктор
Вазарелли. Основными авторами оп-арта, наряду с Виктором Ваза- релли, были Бриджит Рилей, Ричард Анушкевич, Лэрри Пунс и
Джеффри Стил. Минимализм – стиль и движение в живописи и скульптуре, возникшее в Соединенных Штатах в 1950-ых и 60-ых годах. Минимализм является кульминацией редукционистских тенденций в современном искусстве, начавшихся в 1913 году композицией российского живописца Казимира Малевича «Чёрный квадрат и картинами голландского живописца Пита Мондриана (е. Эти работы сих чистыми законченными линиями и недостатком нарративных отношений, бесспорно, минималистские, хотя они выросли из полностью различных теоретических структур. Цели и направленность минимализма отражают другие его названия системная живопись, упрощенное искусство, последовательное искусство и т.п.
Минимализм был задуман в значительной степени как оппозиция абстрактному экспрессионизму, движению, которое доминировало в е годы. Абстрактные экспрессионисты стремились выражать эмоциональный опыт непосредственно, через спонтанные методы
220

живописи типа наносимых случайно мазков или свободно набрызги- ваемой краски. Предполагалось, что таким образом художественный результат определяется подсознанием художника. Подсознательное провозглашалось главным импульсом мотивации искусства и самой высокой инстанцией. Сторонники минимального искусства, напротив, интересовались логическими системами и универсальными физическими принципами (типа математических прогрессий или тяготения, а не индивидуальными чувствами и их выражением. Минималисты полагали, что форма абстрактной живописи была слишком личной, и утверждали, что произведение искусства не должно соотноситься ни с чем другим, кроме себя самого. Приверженцы минимализма пользовались несвободными мазками кисти, а твердыми, жёсткими, прямыми линиями индустриального чертежа. Они интересовались в первую очередь явным физическим присутствием художественных произведений, не осложнён- ных иллюзией или метафорой. Чтобы подчеркнуть этот принцип, они часто создавали работы очень больших размеров.
Основными инициаторами минимализма были Карл Андре,
Дональд Джадд, Сол Льюит и Роберт Моррис. Минималистские произведения включают в себя компоненты, не имеющие никакого эмоционального или эстетического значения. Минималистские картины и скульптуры состоят из простых геометрических форм, часто организованных в ряды«модулей» (стандартных единиц. В живописи ограничивалось до минимума использование формы и цвета. Так, Роберт Раушенберг написал серию картин только чёрной краской. Живопись «жёсткого контура характеризуется большими, упрощёнными, обычно геометрическими формами на полностью плоской поверхности точными, острыми как бритва контурами обширными пятнами яркого, немодулированно- го цвета, нанесёнными на незагрунтованный холст. Она отличается от других типов геометрической абстракции, отклоняя и лирическую, и математическую композицию, потому что даже в этой упрощенной области они – средство выражения личности художника. Минималистская живопись «жёсткого контура – это анонимное построение простого объекта.
Минималистская скульптура обычно создавалась из банальных индустриальных материалов типа пластмассы или бетона. Часто использовались объекты промышленного изготовления – ряды кирпичей или одинаковых коробок, расположенных так, чтобы просто подчеркнуть их конкретное физическое присутствие. Один из первых минималистов Александр Калдер ещё использовал в своих
221

скульптурах органические формы, но позднее скульпторы применяли только кубы, сферы и лучи. Такие произведения не имеют целью что-то изобразить или передать какие-либо эмоции, они должны казаться просто самими собой.
Скульптуры Джадда состоят из простых геометрических форм, организованных в повторяющиеся ряды (серии от одной единицы к следующей и отряда кряду последовательно нарастают изменения. Большая часть его работ представляет линейные ряды кубов или прямоугольников, сделанных из металла и плексигласса, многие из которых частично покрашены автомобильной кузовной краской. Скульптуры Джадда подвешивались на стене или размещались непосредственно на полу устранение опор считалось принципиальным для скульптуры минимализма, потому что это, якобы, обеспечивало более непосредственное взаимодействие между зрителем и скульптурой.
Минимальное искусство проявилось ив музыке(композиции
Эрика Сати, эстетика Джона Кейджа). Выступая против интеллектуально сложного и изощрённого стиля современной музыки, несколько композиторов начали сочинять в простом, буквальном стиле, создавая чрезвычайно простую и доступную музыку. Ла
Монт Юнг, например, предлагал электронные непрерывные частотные окружающие среды он генерировал несколько тонов и затем с помощью электроники поддерживал их, иногда в течение многих дней или недель. Янг немного добавил к этой структуре и фактически отказался от вариаций. Мортон Фелдман, подобно
Янгу, пробовал устранить вариации. Его работы исследовали инновационные инструментальные тембры в медленных последовательностях несвязанных, мягких звуков. Другая группа композиторов –
Филип Гласс, Стив Рич, Корнелиус Кардю и Фредерик Ржевский – находилась под влиянием музыки Индии, Бали и Западной Африки. Они использовали в своей очень вторичной музыке простую гармонию и мелодичные образы.
Несмотря на все эти громкие, часто скандальные эксперименты, интерес к реализму и классическому искусству не исчезал. Ещё в
1929 году итальянский писатель Альберто Моравиа опубликовал роман Время безразличия, в котором обратился к проблемам морали, социальной и политические жизни. Роман был переведён на основные европейские языки. Он считается на Западе началом неореализма. После низвержения в 1943 году фашистского режима появились романы Васко Пратолини, Доменико Реа и Итало Каль- вино, сочувственно изображавшие тяжелое положение рабочего
222

класса. Неореализм как стиль, имеющий некоторую политическую ориентированность, получил широкое международное признание благодаря вышедшим в течение хи после войны кинофильмам итальянских режиссёров Лукино Висконти (Одержимость, 1942; Земля дрожит, 1948; «Рокко и его братья, 1960 и др, Роберто
Росселини (Рим – открытый город, 1945; «Пайза», 1947, Генерал
Делла Ровере») и Витторио Де Сика (Чистильщик обуви, 1946; Похитители велосипедов, 1948; «Умберто Д.»,1952).
Термин концептуальное искусство»(«концептуализм») появился около 1965 года. Концептуальное искусство(концептуализм)при- даёт главное значение концепции художника, а не созданию уникального, постоянного, материального художественного объекта. Идея живописца в концептуализме могла бы быть выражена только как документально оформленные предложения неосуществленных и часто нереализуемых проектов, так что концептуализм подверг сомнению традиционное определение живописи как визуальной, конкретной художественной формы. В «перформансе» и «хеппенинге», которые используют методы, родственные театральным, сами художники становятся своего рода средой.
Сол Льюитт, пионер и теоретик концептуального искусства, утверждал, что не все художественные идеи требуют принятия физической формы. В концептуальное искусство включены разнообразные формы письменной или визуальной документации, включая текстовые данные, написанные от руки тексты, напечатанные инструкции, диаграммы, рисунки, карты, фотографии, даже устную речь, разговоры. Другой основатель концептуального движения, Джозеф Козут (Joseph Kosuth), объявлял, что концептуальное искусство базируется непосредственно на исследовании природы искусства. Концептуализм подчёркивал использование языка и процессов мышления как таковых, он использовал факты в буквальном смысле.
Льюитт предложил инструкции или практические рекомендации для создания рисунков, определяя типы линий длиной, кривизной, цветом и т.д. Сами эти инструкции и составили выставляемые и предлагаемые на продажу художественные произведения рисунки стали только вторичным результатом оригинальной творческой концепции. Козут в 1965 году выставил единичные объекты отдельный стул, молоток и т.п., а также напечатанное на плакате словесное определение объекта рядом сего фотографией в натуральную величину. Другое исследование связи между искусством и языком осуществил в своём творчестве американский художник Лоренс Вейнер.
Вейнер написал прямо на стенах галереи фразы о материальном состоянии объектов о масштабе, положении, цвете и даже цене. Он считал, что таким образом производил искусство из языка. Для своего Номера 051 Вейнер напечатал на стене галереи слова Основной объём материала стоимостью 1000 немецких марок, переданный из одной страны в другую. Вейнер настаивал, что фраза должна быть представлена рядом с упомянутым материалом. Инструкции Вейне- ра преднамеренно открыты, так что водной инсталляции они могли бы относиться к рулону ткани стоимостью 1000 немецких марок, а в другой – к груде кирпичей той же цены. Согласно концепции Вейне- ра, объект вообще необязательно должен быть построен слова могут быть просто произнесены, и тем самым объект воображён и понят.
Концептуальное искусство возникло не вдруг, его важные элементы появлялись ещё вначале ХХ столетия. Американский художник французского происхождения Марсель Дюшан, напомним, выставлял установленное вверх тормашками или наоборот одно и тоже Велосипедное колесов 1913 году, утверждая, что оно и другие обыденные объекты являются скульптурой, если художник объявляет, что они будут ими. Вскоре за колесом велосипеда Дюшан объявил произведениями искусства стойку для бутылок, лопату для снега и – наиболее скандальный случай – писсуар. Позиция Дюша- на и других дадаистов была реанимирована вначале х международной группой художников, называвших себя «Флюксус»
(«Fluxus»). Работая под духовным руководством американского композитора Джона Кэйджа (John Cage), художники «Флюксуса» стремились разрушить барьеры между искусством и жизнью и позволить руководить их творчеством хаотичности и случаю. Другой важный предшественник концептуального искусства – минимализм. Концептуалисты пытались избавить искусство от всей так называемой объективности, а, таким образом, также и от коммерческой ценности. Их усилия просуществовали в самой чистой форме в течение всего нескольких лет. Но наследники концептуализма процветают. В х множество художников, включая американцев
Барбару Крюгер (Barbara Kruger) и Дженни Холзера (Jenny Holzer) и немецкого художника Лотара Баумгартена, начали использовать в своём искусстве слова, чтобы исследовать визуальные и устные соглашения. Наследство концептуального искусства – вера, что выраженное в словах мышление может быть искусством.
В начале х годов появился фотореализм. Так проявилось возвращение интереса к представительной (фигуративной) живописи и моды на не. Фотореализм объединил фотографическую точность в передаче явлений с отсылкой к банальным объектам.
224

Появился также и живописный реализм, представлявший впечатления и чувства, полученные при восприятии природы. Среди его главных представителей – скульптор Джордж Сигали живописец
Вэйн Тибо. Продолжали работать итальянские режиссёры, прославившиеся как основатели неореализма. Западное искусство х характеризовалось разнообразием сосуществовали абстракция, предметно-изобразительная (фигуративная) живопись и скульптура и множество других концептуальных направлений. Перформанс и видеоискусство предложили новые пространства для выражения художественных интенций. Столь же разнообразно было и искусство х годов, хотя главные тенденции в основном сохраняли место классических традиций и реализма. Ведущие позиции сохраняла фигуративная живопись. Какое-то время был моден международный неоэкспрессио- низм – эмоциональная живопись, которая использовала крупномасштабные холсты и эклектично смешанную стилистику. Снова возник интерес к инсталляции, изобретенной в е годы как смесь сюрреализма и конструктивизма, хэппенинга и ряда моментов театрального действа. В отличие от живописи или скульптуры, которые могут быть перемещены с места на место неизменными, этот полиморфный жанр существует только в течение конкретной выставки. Своей недолговечностью инсталляция бросает вызов фундаментальному определению искусства как уникального и бесконечного процесса.
Заметное место в художественной культуре ХХ века занимает архитектура. Она проектирует здания из индустриальных материалов преимущественно стали, стекла и бетона, формируя простые геометрические объемы, свободно размещённые в пространстве. Такие здания начали появляться в е годы в Германии, Нидерландах, СССР и Франции. На выставке 1932 года в Музее современного искусства в Нью-Йорке, названной Современная архитектура, они были представлены как явления единого стиля. Общие черты этого стиля главное внимание объёму, а не форме асимметричная композиция отказ от украшений. Новый стиль в архитектуре получил название международный стиль. Важную роль в его возникновении и развитии сыграли немецкие архитекторы, связанные с так наз. «Баухазом» (der Bauhaus), Веймарской художественной школой. Наиболее известные представители международного стиля Вальтер Гропиус и Людвиг Мис ван дер Роэ. Предшественниками международного стиля считают голландский неопласти- цизм (группа Стиль) и советский конструктивизм (1918 год,
225

скульптор Владимир Татлин с моделью памятника Третьему Интернационалу, где ряд стеклянных объемов вращался внутри спиральной стальной башни. Знамениты также швейцарский архитектор Карл Эдуард Джиннерет, более известный как Ле Корбюзье, и американец Фрэнк Ллойд Райт.
Все вышеописанные процессы в западной художественной культуре происходили на фоне разрастающейся, становящейся всё более заметной, яркой и вездесущей массовой культуры (см. соответствующий раздел. Они взаимодействовали с ней, испытывая со стороны последней определённое влияние, и сами в некоторой степени формировали массовую культуру. Так, произведения авангардной живописи и скульптуры достаточно часто стали включаться в оформление интерьеров.
Однако всё многообразие направлений, все поиски новых путей развития не отменили значимости классического наследия в художественной культуре. Наряду с усилением массовой культуры, саван- гардистскими и постмодернистскими экспериментами можно всё же говорить о существовании некоторого главного направления в художественной культуре. Оно сохраняет сформировавшиеся в веках шедевры и ценности, обогащается за счёт новаторских поисков, не утрачивая своего главного качества. Никакие манифесты авангардистов не смогли изменить этого главного направления, и, по-видимому, оно сохранится на всё предвидимое будущее культуры.
Вопросы для самопроверки. Каковы основные тенденции развития культуры в Европе в
ХХ веке. В чём сущность научно-технической революции. Какова связь научно-технической революции с промышленным переворотом начала нового времени. Как научно-техническая революция влияет на развитие культуры. Вспомните основные авангардные течения ХХ века.
6. Каково место авангардных поисков в процессе развития художественной культуры

ОСНОВНЫЕ ЭТАПЫ РАЗВИТИЯ КУЛЬТУРЫ РОССИИ