Уроки изобразительного искусства 6 класс. Просвещение
 Скачать 0.53 Mb.
|
|
проектную деятельность, создав коллективное панно с изображением реального или фантастического города будущего в технике коллажа из бумаги и ткани. Урок: «Выразительные возможности изобразительного искусства. Я3ЫК и смысл» Планируемые результаты: уметь рассуждать о месте и значении изобразительного искусства в культуре, в жизни общества, в жизни каждого человека; получать представление о взаимосвязи реальной действительности и её художественного изображения, т. е. художественного образа; объяснять творческий и деятельностный характер процесса восприятия произведений искусства; узнавать и называть авторов известных произведений, с которыми познакомились в течение учебного года; участвовать в дискуссиях по теме учебного года; участвовать в обсуждении творческих индивидуальных и коллективных работ учащихся, проектов, выполненных в учебном году. Понятия: художественное произведение, мир художественного произведения, художественный образ, эпоха, стиль, направление в искусстве, творческая индивидуальность художника. Зрительный ряд: произведения живописи, графики, скульптуры; натюрморты, портреты, пейзажи разных эпох и стилей. Выделяются две ведущие цели итогового урока — это обобщение знаний, полученных учащимися за год, и осмысление собственных творческих достижений. Можно смоделировать несколько вариантов подведения итогов года. Для этого, очевидно, одного урока будет недостаточно, потребуются дополнительные внеклассные часы для подготовки выставки и проведения вернисажа (праздника искусства). Последний урок года можно начать с чтения и обсуждения текста в учебнике на с. 172—173. Затем следует спросить учащихся, как они понимают прочитанное. Будет полезно ещё раз полистать учебник, вспомнить, какие виды и жанры изобразительного искусства они изучали, о чём повествуют жанры, какими выразительными средствами пользуются художники при создании произведений живописи, графики, скульптуры, какие умения нужны зрителю для понимания смысла художественного изображения, наконец, вспомнить имена художников и наиболее понравившиеся картины. Можно выбрать более сложную форму диспута, на котором обсуждаются следующие проблемы: «Значение изобразительного искусства в жизни человека»; «Особенности видения картины мира в разные эпохи»; «Действительность и её отображение в искусстве»; «Направление в искусстве и творческая индивидуальность художника»; «Язык изобразительного искусства» и т. п. Возможен также вариант предварительной подготовки выступлений и высказываний учащихся по теме урока. При любом сценарии итогового занятия акцент делается на значении изобразительного искусства в жизни людей. Повторяются жанры изобразительного искусства и средства выразительности, основы образного языка. Рассматриваются понятия «эпоха» (и её отражение в искусстве), «направление в искусстве» (и их разнообразие), «творческая индивидуальность художника» (и как она проявляется). Подчёркивается роль художника, помогающего своим искусством увидеть людям мир во всём его многообразии. Акцент ставится на формирование понимания того, что произведение искусства — это всегда диалог художника и зрителя. Поэтому очень важно подчеркнуть, что возможны разные уровни понимания произведений искусства — от поверхностного, наивного до глубокого, развитого опытом осознания искусства. «Понимание искусства — непростой труд души» (Б. М. Неменский). «Общение с искусством — это творчество, которое позволяет открывать в себе самом новые чувства и мысли, способность понимать окружающих людей, проникать в строй души предшествующих поколений» (учебник, с. 172). Задача учителя раскрыть своим ученикам это великое значение искусства и построить свои уроки так, чтобы общение с искусством — и восприятие его, и собственное творчество — приносило детям радость. Очень важно в конце учебного года подготовить вместе с ребятами экспозицию итоговой выставки, которую можно провести в кабинете изобразительного искусства. Затем можно организовать более широкий показ в выставочном зале школы. Выставку должны увидеть учителя школы, друзья и, главное, родители. Ребята готовятся и проводят экскурсии по выставке своих работ, используя в рассказе багаж знаний, полученных в VI классе. На уроке также организуется презентация выставочных проектов, которые готовились в течение года. Приложение НАТЮРМОРТ Вечное цветение Натюрморт в истории мирового искусства — это не «мёртвая натура», запечатлённая кистью художника, а летопись человеческого мировосприятия, меняющегося от особенностей познания мира в разные эпохи, это предметный мир, одушевлённый чувствами и эмоциями, это и творческая лаборатория художника. Как самостоятельный жанр натюрморт появляется в творчестве нидерландских художников в начале XVII в. И время, и место не случайны. В эпоху Возрождения происходит распад единой синкретичной картины мира, сложившейся в эпоху Средних веков. Искусство реагирует на это своими средствами: изображения предметов быта, природы, людей выделяются в самостоятельные жанры — натюрморт, пейзаж, портрет. Религиозный символизм Средневековья сменяется в XVI в. символическим пантеизмом, который предполагает присутствие Бога во всём, в том числе и во множественности предметного мира человека. Основоположники нидерландской живописи Р. Кампен (1378— 1444) и Я. ван Эйк (1390—1441) традиционно помещали религиозные сюжеты в подробно охарактеризованные интерьеры. Кампен представляет сцену Благовещения так, словно она происходит в комнате бюргерского дома — мирном, уютном и покойном. Все предметы написаны с величайшим вниманием к форме, фактуре и освещению, но эти предметы присутствуют здесь не для того, чтобы показать бытовую обстановку дома, они раскрывают сакральный смысл Благовещения. Белая лилия в вазе на столе — символ непорочности Девы Марии, три цветка на стебле символизируют Троицу, свеча уподобляется Христу и т. д., т. е. принцип отбора предметов в картине продиктован религиозной символикой. Такой принцип мышления помогал соотнести каждую мельчайшую частицу с миром божественным. Историк искусства Эрвин Пановски назвал это «скрытым символизмом». Для человека того времени это был общепринятый и понятный язык метафор, которым были написаны сочинения религиозных мистиков. Живописцы переводили словесные метафоры в зримые образы. К концу столетия развитие светских начал в культуре приводит к тому, что интерес к земному, реальному миру выступает на первый план, и изображение предметного мира обосабливается в самостоятельный жанр — натюрморт, картину, сюжетом которой являются определённым образом организованные предметы. Особое развитие натюрморт получил в Голландии, и именно голландский натюрморт дал классические образцы этого жанра, к которым потом обращались художники многих поколений. Особенностью голландского натюрморта была специализация художников по темам, и в разных городах были свои излюбленные типы натюрморта. Характерный вид голландского натюрморта — «Завтраки». В «Завтраках» П. Класа натюрморт становится отражением индивидуальных вкусов человека, его образа жизни. В колорите картин В. Хеды преобладал серо-серебристый тон, и за эту колористическую сдержанность их стали называть «монохромными завтраками». В Утрехте появляется нарядный цветочный натюрморт. Главные его представители Я. Д. де Хем, Ф. ван Хейсум. В Гааге, центре морского промысла, П. де Кюттер и А. ван Бейерен довели до совершенства изображения рыб и других обитателей моря. Университетский Лейден создал тип философского натюрморта «Суета сует», повествующего о бренности всего земного и приоритете духовного. Голландские живописцы передают материальный мир во всём богатстве и разнообразии, демонстрируют блестящее мастерство передачи реальности, но здесь предлагается пища не только для глаз, но и для ума. Картина обязательно вступает в диалог со зрителем, погружая его в философские размышления о смысле жизни. Реальность воспринималась сквозь призму иносказаний и символических ассоциаций. Отличительной особенностью светской культуры Северной Европы XVII столетия был сильно выраженный морально-дидактический характер, опиравшийся на христианскую этику, но в отличие от Средневековья художник и зритель имели определённую свободу выбирать и комбинировать толкования. В это время были очень распространены сборники эмблем, эмблемность, когда любой объект из окружающего мира воплощает некое высшее, сверхчувственное понятие. Таким образом, зная символику предметов, картину можно было читать, как книгу. В натюрморте В. Л. ван дер Винне «Суета сует» книги — людская мудрость; рисунки и музыкальные инструменты — атрибуты искусства; знамя — символ воинской славы; песочные часы — быстротекущее время; опрокинутый бокал — пустой и хрупкий сосуд, которому подобен мирской человек; стеклянная сфера — символ мироздания. Всё это служит наглядной иллюстрацией к словам, написанным на листе бумаги: «Вся слава мирская есть пустое и обманчивое беспокойство». В стеклянной сфере отражается мастерская живописца и он сам, а на столе — автопортрет — воплощение популярной в то время идеи «жизнь коротка, искусство долговечно». В других европейских школах художники также отдавали дань увлечения изображению вещного мира. Во Фландрии цветочные натюрморты Я. Брейгеля Старшего стоят у истоков жанра. С барочным размахом и динамикой, изобильно и красочно написаны рыбные, овощные, фруктовые, мясные «кухни», «лавки» и «рынки» Ф. Снейдерса. Я. Фейс составлял натюрморты из охотничьих трофеев — битой дичи и птицы. Фламандский натюрморт — это гимн плодородию и щедрости земли. В Италии ранние образцы жанра встречаются у Караваджо, и развитие натюрморта происходит в кругу караваджистов. Изображение обыденных вещей у испанцев Ф. Сурбарана и А. Нереды отмечено возвышенной строгостью и особой значительностью, отрешённостью от быта. В натюрмортах Сурбарана предметы расставлены в строгом порядке. Обычно выдвинутые к переднему краю холста, они обретают своеобразную монументальную значительность и строгость. Фон представлен неопределённым, духовно «несущественным» пространством мира. Один из крупнейших мастеров XVIII в. во Франции Ж.-Б. Шарден в своём натюрморте «Атрибуты искусства» расположил предметы согласно академическим правилам построения композиции: первый план — введение в сюжет, второй план — место основного действия, третий план — спокойный фон. Этот натюрморт говорит нам о высоком предназначении художника и о награде за свои труды, о признании его обществом (орден на переднем плане). У Шардена иное отношение к вещам, чем у голландцев. «Натюрморт с кувшином и курительной трубкой» — это уже не аллегория преходящей жизни, а сама жизнь, жизнь спокойная, размеренная, с оттенком философской созерцательности. По этому натюрморту можно составить представление о хозяине вещи в отличие от голландских натюрмортов, где вещи выражают какую-либо идею. В искусстве импрессионистов и постимпрессионистов натюрморт уже не имеет повествовательного сюжета. Живопись импрессионистов передавала ощущение непосредственного, сиюминутного взгляда на мир, предметы как бы растворялись в воздухе и свете. Постимпрессионист В. Ван Гог решал другие задачи в живописи натюрмортов. Мазки, оставленные кистью Ван Гога, рассказывают о состоянии его души. Он постоянно пребывал в состоянии творческого неистовства, независимо от того, изображал ли он пылающее солнце или обыкновенные вещи. Художник не очень заботился о «правильности изображения», он хотел, чтобы его картины выражали то, что он чувствует, и, если искажение помогало ему достигать этой цели, прибегал к искажению. П. Сезанна в натюрморте интересовало взаимоотношение формы и цвета, он также сознательно отказался от «имитации натуры», утрировал, а порой изменял облик вещей, если это отвечало его целям. Своей задачей в искусстве Сезанн поставил вернуть в живопись (используя открытия импрессионистов) ощущение порядка и закономерности, как в живописи классицизма. Натюрморты Сезанна выстраиваются из отдельных первоформ (круг, квадрат и т. д.), в них есть ощущение материальной плотности и устойчивости. В начале XX в. художники стремятся утвердить в натюрморте новое видение и новые способы передачи формы и пространства. Сезанн рекомендовал молодым художникам рассматривать натуру как совокупность простых форм — сфер, конусов, цилиндров. Пикассо буквально воплотил эту идею в своих кубистических натюрмортах. В «Натюрморте со скрипкой» художник не ставил своей задачей передать, как выглядит скрипка, или показать какую-либо идею. Это определённая интеллектуальная и художественная игра — конструирование формы из отдельных плоскостных проекций. Современник Пикассо — Матисс постоянно обращался к жанру натюрморта. Для его картин характерна плоскостно-декоративная структура композиции, основанная на ритмах цветовых пятен. Итальянец Д. де Кирико, основатель метафизической живописи, писал: «Каждый объект имеет два аспекта: обычный, видимый всем и каждому, и призрачный, доступный лишь немногим». И это свойство натюрморта — содержать в себе неизмеримо больше, чем просто изображено, присуще произведениям всех времён. «Всякий натюрморт содержит в себе некоторое сообщение: сознательно составленную криптограмму или неосознанно оставленный след». Если посмотреть на натюрморт «глазами человека, который творит», то нам откроется огромный мир человеческих чувств, мыслей, отношений, рассказанных с помощью порой самых обычных предметов. И поскольку натюрморт всегда был творческой лабораторией художника, то он может быть больше, чем другие жанры, подвержен тем изменениям в развитии искусства, которые происходили на протяжении веков. Натюрморт в России появляется в XVIII в. во времена Петровских реформ. Вещь впервые начала осознаваться как важный элемент культуры, а частный быт — как дело государственной важности. Любимый вид натюрморта этого времени — обманка (обман зрения). Иллюзорность изображения вполне понятна — русские живописцы не привыкли ещё к условной картинности европейского искусства. Сам подбор предметов в обманках говорит о новой идеологии: наряду с предметами «вседневного», будничного существования в натюрмортах присутствуют вещи, говорящие о мире высоких духовных интересов: книги, гравюры, картины и т. д. В XIX в. обманка, как правило, не претендует уже на титул произведения искусства. Это просто трюк, шутка, хотя и требующая хорошего профессионального мастерства. А. Н. Мордвинов, камергер и способный живописец, пишет натюрморт-обманку «Подрамник, папка и гипсовый барельеф», где уже присутствует не материальная характеристика вещей художников прошлого столетия, а уважение мастера к своим материалам и инструментам, поэтизация своего художественного быта. «Пейзаж под папиросной бумагой» Ф. П. Толстого — это та же игра на грани реальности и воображения, иллюзии и осязаемой подлинности вещи. Натюрморты И. Т. Хруцкого и художников его круга представляют другой тип картины — парадный натюрморт. Предметы в этих картинах подобраны по принципу эффектности, красочности. Натюрморты этих художников ярко декоративны, нарядны и торжественны. Натюрморт в XVIII—XIX вв. не даёт образцов «высокого искусства», но характеристика мировоззренческой основы людей того времени ярко выражается в картинах А. Г. Венецианова, В. А. Тропинина, П. А. Федотова, у передвижников и т. д. через изображение вещного мира. Подлинный расцвет жанра натюрморта происходит в конце — начале XX в. Натюрморт этого времени замечательно выражает разнообразную, очень насыщенную художественную жизнь России. Ретроспективизм, погружение в прошлое, материализуемое через подбор старых вещей, у художников «Мира искусства» не только стиль искусства, но и стиль жизни — мечта об утраченном золотом веке искусства. В натюрмортах К. А. Сомова, А. Я. Головина, C. Ю. Су- дейкина каждый предмет, тщательно и любовно воссозданный, воспринимается как явление стиля, как предмет искусства. Вещи в картинах этого времени отделяются от людей, от быта, обобщаются до символа, обретают смысл, несоизмеримый с их будничной сущностью. К. С. Петров-Водкин в своих натюрмортах «Скрипка», «Утренний натюрморт» декларирует выявление предметной сущности и пространственных соотношений вещей. Своеобразная перспектива его холстов создаёт напряжённое пространство, где вещи взаимодействуют друг с другом. Художники объединения |