История науки и культуры. История искусства и культуры II часть. Учебник Для студентов высших учебных заведений, обучающихся по специальности 070902 графика квалификация художник анимации и компьютерной графики
 Скачать 3.25 Mb.
|
|
Суриков Василий Иванович(1848-1916гг.), русский художник, мастер исторической картины, родился 12 января 1848 года в Красноярске в семье потомственных казаков. Детство художника прошло в патриархальной среде, в селе Сухой Бузим, среди суровой природы и сильных людских характеров. В.И. Суриков гордился своим происхождением и писал об этом: «Со всех сторон я природный казак... Мое казачество более чем 200-летнее». В 1856 — 1861 годы .В.И. Суриков учится в Красноярском уездном училище, где получил первые художественные познания от учителя рисования Гребнева, по его заданию он копировал гравюры с картин старых мастеров, постепенно постигая искусство их времени: «Гребнев меня учил рисовать, чуть не плакал надо мною», - позже с благодарностью вспоминал В.И.Суриков. После смерти отца В.И. Суриков служил писцом, иногда рисовал. Его рисунки привлекли внимание красноярского губернатора П. Н. Замятина и богатого золотопромышленника П. И. Кузнецова, которые помогли ему с поступлением в петербургскую школу Общества поощрения художеств и взяли на себя расходы по содержанию молодого художника. В этой школе у М. В. Дьяконова за три летних месяца Суриков освоил трехгодичный курс, а уже 28 августа 1869 года успешно сдал вступительные экзамены в петербургскую Академию художеств. Его приняли вольнослушателем и зачислили в основной класс, где впоследствии его преподавателем станет П. П. Чистяков. В следующем году он уже работает над своим первым произведением «Вид памятника Петру I на Сенатской площади в Петербурге» (1870г.). Учился В.И. Суриков в Академии успешно. Блестящие достижения у молодого живописца были в композиции, недаром товарищи называли его «композитором». К периоду обучения в Академии относится его картина из древнерусской истории «Княжий суд» (1874г.). В апреле 1875 года художник начинает работу над большим полотном: «Апостол Павел, объясняющий догматы христианства перед Иродом Агриппой, сестрой его Береникой и римским проконсулом Фестом». Академию В.И. Суриков заканчивает в звании художника I степени. Когда через полгода молодой художник «в виде исключения» получил возможность поехать за границу на обучение у европейских мастеров, на что он взамен этого просил разрешить ему выполнить заказ по росписи московского храма Христа Спасителя. В июне 1877 года художник переезжает в Москву, где делает в течение двух лет фрески, изображающие четыре Вселенских собора. После выполнения этой работы В.И. Суриков впоследствии никогда уже не будет работать на заказ. В 1881г. художник становится членом Товарищества передвижных художественных выставок и Союза русских художников. В.И. Суриков часто наведывался в Сибирь, бывал на Дону (1893г.), Волге (1901-1903гг.), в Крыму (1913г.). Затем в 1880 -1890гг. посетил Францию, Италию и ряд других стран Европы. Особое впечатление на него произвели живописцы итальянского и испанского Возрождения. В 1878 году В.И. Суриков женился на Е. А. Шарэ, внучке декабриста П. П. Свистунова. Счастливая семейная жизнь и относительное материальное благополучие позволяют художнику «начать свое» - обратиться к русской истории. Впечатления от старинной московской архитектуры явились важным стимулом на пути к первому его историческому шедевру- картине «Утро стрелецкой казни». Эта грандиозная картина, первое большое полотно художника, произвела ошеломляющий фурор, была завершена в 1881 году. В ней В.И. Суриков обратился к историческим событиям эпохи Петра I. Одной из сил, противостоящих новым реформам Петра I, было стрелецкое войско. Ущемленное в своих интересах, оно не раз восставало: последний стрелецкий бунт 1698 года, возглавляемый царевной Софьей, был жестоко подавлен. В.И. Суриков взял за основу сюжета казнь стрельцов, но сама казнь на картине не показана, поскольку художник стремился рассказать о трагической народной судьбе в момент исторического перелома. Стремясь передать драму стрельцов, В.И. Суриков сосредоточился на изображении их душевного состояния, на том, как каждый персонаж переживает последние минуты своей жизни. Впечатлению глубокого трагизма вторит и мрачный колорит картины: недаром художник выбрал время изображения казни – раннее хмурое утро, наступившее после осенней дождливой ночи. В этой работе В.И. Суриков применил необычайный композиционный приём сближения планов, с помощью которого добился эффекта изображения огромной народной толпы, полной жизни и движения. В 1881 году художник вступил в члены Товарищества передвижных художественных выставок и с того времени постоянно на них выставлялся. Свою репутацию выдающегося живописца-историка И.В. Суриков закрепляет в картинах «Меншиков в Березове» (1883г.) и «Боярыня Морозова» (1887г.). Верный своей теме В.И. Суриков вновь обращается к событиям отечественной истории. В основу сюжета картины «Боярыня Морозова» был положен эпизод из XVII столетия: церковные реформы, проводимые патриархом Никоном и расколовшие церковь и общество надвое. Правительство жестоко подавляло раскольничье движение. Преследованию подверглась и боярыня Феодосия Прокопьевна Морозова, страстная поборница «древнего благочестия». Рано овдовев, она вела подвижническую жизнь, раздала все свои богатства неимущим и приняла монашество. За убеждения Морозова была арестована, заточена в тюрьму, подверглась мучительным пыткам, но не отреклась от своей веры. В 1672 году в Боровском остроге она умерла голодной смертью. В.И. Суриков изобразил на полотне тот момент, когда закованную в цепи раскольницу везут в тюрьму. Московские улицы заполнила толпа людей, так что дровни с арестованной с трудом пробираются сквозь неё. Морозова высоко вверх вскинула руку, сложенную в двуперстие, как бы призывая народ твёрдо стоять за свои убеждения. Исключителен по силе воплощения образ боярыни, однако он не затмевает народной массы. Людская толпа едина, но художник сумел ярко изобразить каждое лицо на картине, гениально разрешив труднейшую тему «герой» и «толпа». В процессе работы над большими картинами В.И. Суриков ревностно подбирал натуру. Художник пишет массу замечательных портретов, пейзажей, натюрмортных и интерьерных композиций, имеющих и вполне самоценный эстетический смысл. В.И. Суриков создает целый ряд самостоятельных портретов, обычно близких ему людей, простых по композиции, но чрезвычайно сильных и целостных по красочной лепке: «П. Ф. Сурикова» (мать художника) (1887г.). Этапной в цветовых поисках художника явилась поездка в 1910 году в Испанию, откуда он привозит едва ли не лучшие свои акварели. В начале 1888 года художник испытал тяжелое потрясение: умерла его жена. В.И. Суриков почти оставил искусство, так велико было горе. В те годы он написал лишь картину «Исцеление слепорожденного». По совету родных В.И. Суриков едет в Сибирь, в Красноярск. Во время этой поездки он пишет картину «Взятие снежного городка» (1891г.). В 1891 году Суриков возвращается в Москву и принимается за работу над новым полотном «Покорение Сибири Ермаком» (1895г.) и «Переход Суворова через Альпы» (1899г.). В этих картинах главные герои – по-прежнему русские люди, солдаты, казаки. Художник не отделяет ни Суворова, ни Ермака от их войск. В.И. Суриков так строит композицию, что даёт возможность зрителю окунуться в гущу событий, разделить с его героями все тяготы и лишения. Несколько лет работал В.И. Суриков над своим последним большим полотном «Степан Разин» (1907 -1910гг.). Картина давалась ему нелегко, и художник возвращался к ней уже после ее показа зрителям. Последний созданный В.И. Суриковым исторический образ - образ Пугачева; сохранился лишь эскиз 1911 года, изображающий предводителя крестьянского восстания заключенным в клетку. В 1912 году на выставке Союза русских художников экспонировалась картина Сурикова «Посещение царевной женского монастыря». В этот период он также пишет ряд лучших своих портретов, по-прежнему лаконически простых композиционно, темных по тону, полных внутреннего драматизма: «Автопортрет» (1913г.), «Человек с больной рукой» (1913г.). Умер В.И.Суриков 6 марта 1916 года и похоронен рядом с женой в Москве, на Ваганьковском кладбище. К жанру фольклора обратился в своём творчестве В.М. Васнецов, за основу своих знаменитых картин он брал мифологические, былинные, сказочные сюжеты. Васнецов Виктор Михайлович (1848-1926) – русский художник, мастер-портретист и пейзажист, театральный художник, один из основоположников национально-романтического варианта русского модерна, Виктор Михайлович Васнецов, родился в 1848 г. в селе Лопьял Уржумского уезда в Вятской губернии. Прадед художника окончил рисовальный класс семинарии. Отец художника, Михаил Васильевич Васнецов, был образованным сельским священником. В деревенском доме Васнецовых сочетались разные уклады жизни. Художник с детства проникался поэзией народных сказок, преданий и поверий, красотой народного искусства, красочной обрядовой стороной быта. Он воспринимал природу как одушевленное существо. Именно детство заложило нравственно-духовные основы личности художника. Начальное образование В.М. Васнецов получил в местном духовном училище, а затем в духовной семинарии (1862-1867гг.), где он изучал древнерусскую литературу. Литературные образы переплетались в душе художника с фольклорными образами, насыщая его внутренний мир, что не могло не отразиться на дальнейшем творчестве художника. Во время своей учёбы в семинарии В.М. Васнецов обучался и практиковался в копировании с литографий у преподавателя гимназии и владельца иконописной мастерской Н. А. Чернышева. Это имело огромное значение в формировании В.М. Васнецова как художника, в раскрытии его художественного дарования. В августе 1867 года В.М. Васнецов отправился в Петербург для обучения в Императорской Академии художеств. Через несколько месяцев после приезда молодой человек знакомится с И.Н.Крамским, который преподавал в Школе поощрения художников. В Школе поощрения художников В.М. Васнецов познакомился с И.Е. Репиным, с которым был впоследствии очень дружен. В.М. Васнецов был членом Товарищества передвижников. С 1868 года художник увлекся графикой и к началу 1870-х годов достиг больших успехов в этой области. В.М. Васнецов создаёт картины «Книжный лавочник (Провинциальный букинист. Купец с книгой )» и «Мальчик с бутылью водки», которые получили бронзовую медаль на Международной выставке 1874 года в Лондоне. Опыт работы художника в графике помог успешно создать картины, которые были написаны маслом: «Нищие певцы», «Чаепитие в трактире», в этих картинах отразился его опыт изучения характеров людей и социальных явлений. В Академии художеств В.М. Васнецов-художник обучался по программе живописца-станковиста, но он был первым художником, который объединил роспись, оформление спектакля, архитектурное и прикладное творчество в одну художественную идею. В Академии художеств В.М. Васнецов пробыл до 1875 г. и получил за успехи в рисовании и за этюды с натуры две малые и одну большую серебряные медали за композицию «Христос и Пилат перед народом» (1870г.). Первые опыты художника в искусстве были связаны с социально-обличительной тематикой: «С квартиры на квартиру» (1876г.) и «Преферанс» (1879г.). Весной 1876 года после выхода из Академии художеств В.М. Васнецов, по приглашению И.Е. Репина, с которым они были особенно дружны, приехал в Париж, где работал больше года. Благодаря И.Е.Репину В.М. Васнецов знакомится и скрупулёзно изучает художественную жизнь Парижа. В этот период художник знакомиться с С.И. Мамонтовым, меценатом Частной русской оперы, и вместе с В.Д. Поленовым получает от него приглашение поселиться в Москве. Полотно художника «Акробаты (На празднике в окрестностях Парижа)» (1877г.), написанное в Париже, носило еще жанровый характер, но именно там к художнику пришла идея направить свое творчество в другое русло. В это же время им был написан эскиз «Богатыри», положивший начало эпическому циклу. Возвратившись в Россию, художник создал своеобразный жанрово-исторический цикл, отображающий русско-турецкую войну. В цикл вошли: картины «Военная телеграмма», «Карс взяли» и рисунок «Ночью на улицах Петербурга в день взятия Плевны» (1878г.) и первый вариант эскиза картины «Витязь на распутье». Эти работы были показаны на VI выставке Товарищества передвижных художественных выставок в марте 1878 года. В это же время художником были написаны эскизы к картине «Кабак», реально отражающие состояние человека во время безудержного веселья. Васнецов В.М. вновь обратился к фольклору и написал новый эскиз к картине «Витязь на распутье» (1878г.), первый вариант был показан на VI выставке Товарищества передвижников. Но это еще не было окончательным обращением художника к фольклору. В.М. Васнецов создает очередной жанровый сюжет: «Преферанс» (1879г.), отразивший социальное явление с точки зрения этического реализма передвижников. Этой картиной восхищался И.Н.Крамской. Все работы художника (1877- 1879гг.) завершают десятилетний период, посвященный жанровой живописи. В 1878 году по приглашению И.Е.Репина и В.Д.Поленова В.М.Васнецов переезжает в Москву, которая стала для художника источником национальной духовности. С годами В.М.Васнецова все более увлекают поиски национально-исторической самобытности в искусстве, которые привели к рождению внутри общеевропейского символизма и модерна особого «русского стиля». В 1880 — 1890-е годы В.М.Васнецов снова обращается к «фантазиям, отвлеченностям и выдумкам», но, несмотря на это, историко-фольклорное направление его творчества не расходится с концепцией шестидесятников, которые во главе с Чернышевским призывали к преобразованию жизни и её просвещению. В душе художника всегда жили образы народного эпоса. Окончательно избрав для своих картин национально-историческую тематику, художник объединяет знание народного эпоса с мастерством жанриста, преобразует русский исторический жанр, погружая мотивы Средневековья в атмосферу поэтической легенды или сказки. Началом новой идейно-художественной направленности творчества художника является полотно «Витязь на распутье» (1882г.). В.М. Васнецова привлекает сюжет «Слова о полку Игореве». Находясь под впечатлением этой гениальной поэмы, художник создает эскиз картины «После побоища Игоря Святославовича с половцами» (1880г.), написанный с огромной патриотической силой. Эскиз был создан художником в год русско-турецкой войны. В.М.Васнецов активно работает над введением фольклора в русскую живопись, отражает стороны русского национального характера: «Ковер-самолет» (1880г.). В своих картинах на сказочные сюжеты художник соединяет фольклорную фантастичность с религиозным учением и научным взглядом на мир. Тема мужественности и героизма проходит в его творчестве совместно с поисками идеала женской красоты. Художник пишет триптих «Три царевны подземного царства» (1881г.). Второй вариант триптиха В.М. Васнецов создаёт в 1884 году. Художник называл эту работу одной из самых ценных работ, в которой он связывал сказочный мотив с декоративностью формы, типичной для модерна. Одновременно с «Тремя царевнами» в 1881 году художник создает картину «Аленушка», в которой отразил духовную связь человека и природы и обнаружил дарование тонкого пейзажиста. Эта картина - одно из самых проникновенных творений художника. В.М. Васнецов никогда не придерживался в картине точного содержания той или иной сказки, никогда не создавал «комментарий» к истории, выбор сюжета скорее определялся задачей с наибольшей полнотой раскрыть смысл и эмоциональный характер фольклорного образа. Босоногая девочка в оборванном платьице сидит на берегу пруда и выплакивает своё сиротское горе. Весь её облик – воплощение печали и страдания. И сама природа словно вторит грустным причитаниям девчушки. Летом 1881 года В.М.Васнецов вместе с В.Д.Поленовым, И.Е.Репиным, С.И. Мамонтовым принимал активное участие в строительстве церкви Спаса Нерукотворного (1881-1882гг.) в Абрамцеве. При постройке церкви В.М.Васнецов был не только архитектором, но и создателем целостного решения ансамбля, он писал для церкви иконы, сочинял орнаменты, расписывал клиросы. В Абрамцеве художник построил «Избушку на курьих ножках» (1883г.), в которой проявился дух народного творчества. В 1885 году В.М. Васнецов создал серию рисунков для постановки в Московской частной русской опере С.И.Мамонтова оперы Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка», созданной по лирической сказке А.Н. Островского. В этих рисунках художник соединил сказочную страну с наблюдениями деревенской жизни, языческую древность и современное ему народное творчество. В этих эскизах проявился одушевленный характер «васнецовской природы». В постановке «Снегурочки» художник впервые утвердил творческое равноправие художника-оформителя с драматургом и композитором. «Снегурочка» стала стимулом новых художественных явлений в русском театре. В первом пятилетии 1880-х годов В.М.Васнецов увлекся монументальной живописью. Осенью 1882 года художник получил приглашение от известного археолога А.С.Уварова (1824-1884гг.) написать картины монументально-декоративного плана для Исторического музея в Москве. Осмысление росписи как особого вида искусства живописи В.М.Васнецов начал с фриза «Каменный век» (1882-1885гг.), который был с восхищением принят современниками. В 1885 году историк искусства А. В. Прахов (1846-1916гг.) предложил художнику работу по декорированию Владимирского собора в Киеве (1885-1896гг.). Это стало исполнением желаний художника. В.М.Васнецов трудился над росписью собора более десяти лет. Эта грандиозная работа, не имеющая аналогов в русском искусстве XIX века, стала его самым значительным монументально-декоративным свершением. При создании церковной росписи М.В. Васнецов стремился обновить византийские каноны, внося в них лирически-личностное начало, воплощая в ряде мозаик и фресок фольклорные образы, в которых явственно проявляется народный дух жизнеутверждения и пантеистичесой тайны. Возрождая монументальное искусство, художник создал свой «васнецовский стиль». По возвращении в Москву В.М.Васнецов обратился в своём творчестве к личности Ивана Грозного и в 1897 году художник создал станковое полотно «Царь Иван Васильевич Грозный», в котором он воплотил идею создания национального стиля, сочетающего современную живопись с поэтикой русского искусства допетровской поры. Художник считал, что в исторических портретах необходима стилизация, но к портретам современников он подходил с другой точки зрения. В портретных работах В.М. Васнецова (1883-1884гг.) прослеживается лирико-поэтическая тенденция (портреты Н. А. и Т. А. Мамонтовых). В 1889 году художник обращается к фольклору и создает картину «Иван-царевич на Сером волке», наполненную могучей силой природы. В этой работе «васнецовский пейзаж» окончательно обрел одно из своих самых ярких воплощений. Своим гражданским долгом художник считал написание полотна «Богатыри», наброски к которому он исполнил еще в 1871 году. Эта картина, венчающая героический цикл работ В.М. Васнецова, была написана в 1898 году. Следует отметить, что после «Богатырей» В.М. Васнецов постоянно находился в поиске пластических решений для синтеза «нового стиля» и языка народного творчества. К 100-летию А. С. Пушкина он оформляет пушкинское произведение «Песнь о Вещем Олеге», полностью проиллюстрировав текст. Заставки, концовки, заглавные буквицы, иллюстрации - все подчинено одному решению. Такой подход к оформлению книги впоследствии был развит И.Я. Билибиным и художниками «Мира искусства». В 1899 году В.М.Васнецовым была написана небольшая картина «Гусляры». В конце XIX - начале XX веков художник выполнил ряд архитектурных проектов. В.М. Васнецов автор проекта своего дома в Москве (1894г.). Художник становится автором проекта павильона Всемирной выставке в Париже (1898г.). Он был автором проекта Грановитой палаты, Красного крыльца, также автором проекта перехода из Оружейной палаты в Кремлевский дворец (1901г.). В.М. Васнецов создаёт проект дома И. Е. Цветкова на берегу Москвы-реки (1901-1903гг.), его авторству принадлежат проекты орнаментального оформления Большого Кремлевского дворца (1901-1903гг.). В.М.Васнецов был одним из участников устройства экспозиции Третьяковской галереи, переданной в дар Москве в 1904 году, для которой он оформил фасад и спроектировал деревянные витрины для показа икон. В Кремле В.М.Васнецовым был создан памятный крест в 1905году, на месте убийства великого князя Сергея Александровича Романова (четвёртого сына убитого императора АлександраII). В 1918 году крест-памятник был уничтожен по приказу советской власти, а в 1929 году был разрушен и Чудов монастырь. Однако в 1986 году при проведении в Кремле ремонтных работ был обнаружен сохранившийся склеп с захоронением Великого Князя Сергея Александровича Романова. На государственном уровне было принято решение перенести останки Великого Князя в возрожденный Новоспасский монастырь и захоронить в родовой усыпальнице бояр Романовых. Перенесение останков сопровождалось отданием воинских почестей. В 1998 году был воссоздан и установлен в Новоспасском монастыре крест-памятник, точная копия уничтоженного. Теперь каждый, приходящий в Обитель, может поклониться этому кресту и сотворить молитву о Великом Князе Сергее Александровиче – выдающемся государственном деятеле, человеке глубокой веры и твердого духа. В 1910 году художник написал картину «Баян», вернувшись в этой работе к теме мотива песнопения, которая была затронута еще в «Нищих певцах». Эта же тема прослеживается и в полотнах «Сирин и Алконост. Песнь радости и печали» и «Гамаюн птица вещая». В картинах последних лет В.М. Васнецов обращается к лирическим мотивам, но фольклор «не отпускает» его, и он создает картины «Царевна-лягушка» (1901-1918гг.), «Несмеяна-царевна» (1916-1926гг.), «Сказка о спящей царевне» (1900-1926гг.), «Бой Добрыни Никитича со Змеем Горынычем» (1913 -1918гг.). В.М. Васнецов стал первопроходцем, возглавив в русском искусстве эпоху «искания Руси». Художник принёс новые начинания, идеи и веяния, которые коренным образом изменили русское искусство конца XIX - начала XX вв. Виктор Михайлович Васнецов выдающийся русский художник умер 23 июля 1926 года в Москве. Причудливая фантазия, завораживающий колорит, мощный темперамент живописи был присущ удивительному русскому художнику М.А. Врубелю. Врубель Михаил Александрович (1856-1910гг.) – русский художник, представитель символизма, родился 5 марта 1856 года в Омске, в семье строевого офицера. Предки его отца были выходцами из прусской Польши. По службе отец М.А. Врубеля должен был часто переезжать: Омск, Астрахань, Петербург, Одесса. В Одессе закончил Ришельевскую классическую гимназию. С начала января 1864 по апрель 1867 год семья Врубелей жила в Саратове, где отец будущего художника был командиром Саратовского губернского батальона. В эти годы юный М.А. Врубель занимался у известного в Саратове художника, выпускника Академии Художеств А.С.Година. Предметы гимназического курса ему преподавал Н.А. Песков, который был исключён из Казанского университета «за участие в студенческих беспорядках». В мае 1867 года семья М.А. Врубеля вновь переезжает в Петербург. Окончив в 1874 году Одесскую классическую гимназию, он поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Поскольку отец М.А.Врубеля был военным юристом, он желал для своего сына надёжного и обеспеченного будущего, успешной карьеры, и потому после одесской гимназии М.А.Врубель попадает на юридический факультет Петербургского Университета. Он был совершенно равнодушен к юридическим наукам. Все его интересы остаются за университетскими стенами. Он всерьёз увлекается философией Канта, влюбляется в оперных актрис, спорит об искусстве, всегда оставаясь при этом сторонником так называемого «чистого искусства», и много рисует. От университетских лет сохранились его иллюстрации к Тургеневу и Толстому, и среди них — знаменитая сцена свидания Карениной с сыном — изящная и красивая, но в которой Анна получилась больше похожей на роковую и демоническую женщину, чем на простую и милую Анну Л.Н. Толстого. С поступлением в Академию художеств после окончания университета и коротенькой ничем не примечательной службы М.А. Врубель резко меняется до неузнаваемости. Из рассеянного и легкомысленного студента он превращается в фанатика своей работы. «Надо работать и работать». Наравне с В.А. Серовым, он один из самых преданных и один из самых отличаемых учеников известного профессора Чистякова, который надолго становится его кумиром. Именно от него он унаследовал любовь к натуре, к рисунку, к обнажению формы и к классике. Михаил Александрович посещал в Академии художеств вечерний класс П. П. Чистякова, который учил В.Д. Поленова и В.А. Серова, И.Е. Репина и В.И.Сурикова. По окончании юридического факультета М.А. Врубель отбыл воинскую повинность и отправился работать в главном военно-судном управлении. Однако призвание напоминало о себе, и в 1880 году М.А. Врубель стал студентом Российской Академии художеств, где сразу начал выделяться среди прочих студентов необычностью стиля и оригинальным взглядом на классические сюжеты, достаточно посмотреть на его первые акварели: «Введение во храм» и «Пирующие римляне» (1880-1881гг.). С 1884 по 1889 г. М.А.Врубель по приглашению профессора А.В. Прахова работал в Киеве, преимущественно создавая изображения на религиозные темы. К этому периоду относятся иконы и стенные росписи для Кирилловской церкви, также эскизы неосуществленной росписи для Владимирского собора - их не позволили осуществить по причине «нерелигиозности». Следует отметить, что здесь же художник пишет знаменитый портрет «Девочка на фоне персидского ковра» (1886г.). В этой картине художник определяет тему переизбыточности роскоши, которая и является аллегорией тленности, печали и неизбежности конца. М.А.Врубель во многом был новатором для своего времени. Художник рвёт с академическими принципами изобразительного искусства XIX века. Его творчество отличает непременное изображение движения и присутствие интриги. Молчание и тайна становятся полноправными персонажами в изобразительном искусстве. М.А.Врубель доказывает это в своём творчестве такими шедеврами, как «Гамлет и Офелия» (1883г.), «Демон сидящий» (1890г.). Любовь и смерть - любимые темы художника, которые открываются зрителю под разными символами. Идея смерти прослеживается в «Гадалке» (1895г.). Русская тема у Врубеля нашла ёмкое отображение в таких работах, как «Богатырь» (1898г.), «Князь Гвидон и Царевна-Лебедь» (1890г.), «Микула Селянинович» (1895-1896г.). В 1889 году М.А. Врубель переехал в Москву. С этого времени начался период его творческого расцвета. М.А. Врубель работает как театральный художник, занимается книжной иллюстрацией, монументально-декоративным искусством. Мощная, темпераментная живопись художника завораживает выразительностью образов, необыкновенным колоритом и причудливой фантазией, нашедшей выход в сказочных персонажах: «Пан» (1899г.) а также прекрасная «Царевна-Лебедь» (1900г.), образы, связанные с языческим очеловечиванием природы. Центральной в творчестве М.А. Врубеля стала тема Демона, человека в образе духа небес, мучимого противоречивыми стремлениями, как «Демон поверженный» (1902г.), в которой наиболее ярко выразилось мироощущение художника, отмеченное печатью надломленности. В этой картине художник раскрывает одну из главных в своём творчестве «Демоническую» тему». Работы «Демон сидящий» (1890г.), «Демон летящий» (1899г.) и «Демон поверженный» (1902г.) сложились в серию, отобразившую разные ипостаси героя. В отличие от лермонтовского, Демон М.А. Врубеля – дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, олицетворяющий вечную борьбу мятущегося человеческого духа, образ, в котором слились воедино тоска по земной красоте, надежда и мечта о недоступном счастье. Этим надеждам и мечтам не суждено сбыться, и в «Демоне поверженном» герой предстаёт в момент поражения, когда он, восстав против Бога и установленных Богом законов, низвергнут с небес и раздавлен. Яростью и ненавистью наполнен его образ, он сопротивляется до последнего мгновения, гибнет, но не смиряется. Известно, М.А. Врубель предполагал назвать картину «Ikone». Кисти М.А. Врубеля принадлежит несколько портретов: «Портрет сына художника» (1902г.), «Портрет жены Надежды Забелы-Врубель» (1904г.). Необычайные по исполнению, картины глубоки и очень выразительны, особо одухотворены и порой драматичны. Участие художника в выставочной деятельности «Мир искусства» и в ряде международных выставок принесло М.А. Врубелю европейскую известность. В 1901 г у М.А. Врубеля появились признаки душевного расстройства, у него очень ухудшилось зрение. С 1902 года М.А. Врубель находится под наблюденением врачей. Болезнь прогрессировала, лишь изредка позволяла художнику вернуться к работе. Последние годы жизни М.А. Врубеля омрачились еще одним недугом – у него почти пропало зрение. Выдающийся художник окончил свои дни в больнице для душевнобольных. К. Петров-Водкин, характеризуя творчество М.А. Врубеля, писал, что «Врубель был нашей эпохой». Врубель скончался 1 апреля 1910 г в Санкт-Петербурге и похоронен на Новодевичьем кладбище. Выдающимся русским художником, создавшим пейзаж настроения, в котором образ русской природы одухотворён человеческими чувствами и размышлениями, был И.И. Левитан. Левитан Исаак Ильич (1860-1900гг.) - живописец, один из основоположников лирического пейзажа. И.И. Левитан родился в августе 1860 года в местечке Кибарты (литовский Kybartai) Ковенской губернии в образованной еврейской семье. Отец художника - Илья Левитан был сыном раввина, закончил иешиву. Иешиìва (ивр. יְשִׁיבָה, буквально «сидение, заседание»; множественное число יְשִׁיבוֹת, иешивот; в русской традиции - ешибот), в еврейской истории — название института, являющегося высшим религиозным учебным заведением, предназначенным для изучения Устного Закона, главным образом Талмуда. В определённые эпохи иешива выполняла также законодательные и судебные функции, служила для подготовки учёных к званию раввина. Отец Левитана И.И очень много занимался самообразованием, самостоятельно овладел французским и немецким языками. В Ковно он преподавал эти языки, а затем работал переводчиком во время постройки железнодорожного моста, которой занималась французская компания. Имя матери не дошло до нашего времени. Левитан И.И. никогда не называл его. Почти нет сведений о детстве художника. Отец И.И.Левитана становится служащим, поселившись с семьей в Москве, он стремился дать сыновьям хорошее образование. Вероятно, в выборе жизненного пути Исаака Левитана решающую роль сыграл его старший брат Авель Левитан, который был художником. Он часто брал мальчика с собой на этюды, на художественные выставки. Когда Исааку исполнилось 13 лет, он был принят в число учеников Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Годы обучения в Московском училище стали для И.И. Левитана временем тяжелых испытаний, так как его родители к тому времени умерли, а помощи ждать было не от кого. Но уже в стенах Московского училища молодой художник не только обнаружил огромные способности, но и сумел сказать новое слово в русском пейзаже. Учителями Левитана И.И. были А.К. Саврасов и В.Д. Поленов. Будучи прекрасным художником, А.К. Саврасов обладал и замечательными качествами педагога. Не случайно наряду с И.И.Левитаном именно в его мастерской и под его влиянием сформировалась целая плеяда замечательных художников-пейзажистов: К. А. и С. А. Коровины, М. В. Нестеров, С. И. Светославский, А. С. Степанов и другие замечательные художники. Все друзья отмечали, что Левитану давалось все легко, но, тем не менее, работал он всегда упорно, с большой выдержкой и терпением. С 18-ти лет И.И. Левитан начал выставлять свои картины, вскоре обратившие на себя всеобщее внимание. Жил художник преимущественно в Москве. Художник плодотворно работал в Останкино (1880-1883гг.), а также в различных местах Московской, Тверской губерний. Затем художник работал в Крыму (1886-1899гг.), на Волге (1887-1890гг.). И.И. Левитан был членом «Товарищества передвижников». Художнику удалось преодолеть сценические условности классико-романтического пейзажа. «Пейзажи настроения» Левитана И.И. обрели особую психологическую насыщенность, выражая жизнь человеческой души, вглядывающейся в природу как в средоточие тайн бытия (недаром его любимым философом был А. Шопенгауэр). Чутко восприняв новации импрессионизма, Левитан И.И. тем не менее никогда не отдавался чистой, радостной игре света и цвета. Художник всегда пребывал в кругу своих образов, овеянных «мировой тоской». Ранние работы художника удивительно лиричны: «Осенний день. Сокольники» (1879г.). После окончания училища И.И. Левитан участвовал в передвижных выставках, расписывал декорации для Частной оперы С.И. Мамонтова, преподавал. Решающим этапом его творческого стиля стала поездка в Париж в 1889 году на Всемирную выставку. После поездки Левитан И.И. создаёт «Березовую рощу» (1885 -1889гг.), в которой как мастер пейзажа-картины сумел превратить простой мотив в типический образ России. Художник, путешествуя по Волге, создаёт картины «Вечер на Волге», «Вечер. Золотой Плёс» (1889г.), «После дождя. Плёс» (1889г.), а также тематически примыкающая к ним картина «Свежий ветер. Волга» (1891-1895гг.), где наблюдается мировосприятие художника, близкое к импрессионизму. Период начала 1890-х годов у Левитана И.И. отмечен стремлением к созданию эпического образа природы. В картине «Владимирка» (1892г.) раскрыт сюжет, где на дороге, по которой конвоировали арестантов в Сибирь, видна (в характерной для мастера манере сводить реальное человеческое присутствие к минимуму либо вообще к нулю) лишь крошечная фигурка странника близ придорожной иконки. Картина «У омута» (1892 г.) наполнена печалью и полна таинственности. Следует отметить, что уже в этот период солнечные полотна часто уступают место пейзажам, проникнутым трагическим ощущением одиночества, тоски. В этот период Левитан И.И. был тяжело болен и его не покидала мысль о близкой смерти. Врачи направляют художника в Италию, но вот что пишет Левитан И.И. своему другу А.М. Васнецову: «Чувствую себя немного лучше, хотя все-таки неважно. В Италию не еду, а через неделю-две еду в Париж посмотреть выставки, воображаю, какая прелесть теперь у нас на Руси, - реки разлились, оживает все... Нет лучше страны, чем Россия! Только в России может быть настоящий пейзажист». Особенно сильное впечатление произвели на Левитана И.И. староверческие скиты над рекой и древний город Свияжск. Далекий уголок русской земли, суровая северная природа подсказали художнику тему его знаменитой картины «Над вечным покоем» (1893-1894гг.). Начиная работу над её композицией, художник обращается к этюдам заброшенного погоста. Левитану И.И. в этой картине удалось сохранить реальный ландшафт и придать ему величественность и глубину, где заволжские дали исчезают в лиловых полосах вечернего неба. Художнику в своей работе «Над вечным покоем» удается передать ощущение простора, воздушной легкости, радости созерцания природы одними красками пейзажа. Левитан И.И. говорил: «Я весь в этой картине». Пейзажи Левитана И.И. поражают тонкостью и глубиной, предельным лаконизмом изображения. Художник стремится передать всё красочное богатство русской природы. В картине «Весна. Большая вода» (1897г.) - природа молода и радостна. В другой картине сверкает золотом опадающих листьев, и в этом падении слышится своеобразный гимн прощания с цветущей природой - «Золотая осень» (1895год), а в картине «Март» (1895г.) наполнена блеском и звуками тающего звенящего снега, гимном возрождения природы. В пейзажах Левитана И.И. природа одухотворена незримым присутствием человека, его настроениями и мыслями, о существовании которого напоминают церкви, мостики, избы, могилы. Лебединой песней Левитана И.И. стала картина «Озеро (Русь)» (18991900гг.), поэма о России, её красоте и величии. В 1896 году в Одессе состоялась совместная выставка картин Исаака Левитана, Виктора Симова и Александра Попова. Левитан И.И. на несколько недель ездил в Финляндию, где написал картины: «Крепость. Финляндия» (крепость Олавинлинна в Савонлинне), «Скалы, Финляндия», «Море. Финляндия», «Пунка-Харью.Финляндия» (Пункахарью, в частном собрании). В течение 1897 года художник закончил картину «Остатки бывалого. Сумерки. Финляндия». Однако в 1896 году, после вторично перенесенного тифа, усилились симптомы и прежде дававшей о себе знать болезни сердца (аневризма сердца). Вскоре стала очевидной и мера тяжести, неизлечимость болезни. В начале марта 1897 года в одном из писем А.П. Чехова появились строки: «Выслушивал Левитана. Дело плохо. Сердце у него не стучит, а дует. Вместо звука тук-тук слышится пф-тук...». В 1898 году Левитану И.И. присвоили звание академика пейзажной живописи. Он начал преподавать в училище, в котором учился сам. Художник мечтал создать «Дом пейзажей» - большую мастерскую, в которой могли бы работать все русские пейзажисты. Зимой 1899 года врачи послали Левитана И.И. в Ялту. В то время в Ялте жил А.П. Чехов. Старые друзья встретились, постаревшими и отчуждёнными. Левитан И.И. ходил, тяжело опираясь на палку, задыхался, всё говорил о своей близкой смерти. Он её откровенно боялся и не скрывал этого, сердце болело уже почти непрерывно. После Ялты Левитан И.И. вернулся в Москву и почти не выходил из своего дома в Трехсвятительском переулке. 8-17 мая 1900 года А.П.Чехов навестил, тяжело больного Левитана И.И.. Всё лето с июня в русском отделе Всемирной выставки в Париже экспонировались картины Левитана И.И.. 22 июля 1900 год в 8 часов 35 минут утра Исаак Левитан умер. В его мастерской осталось около 40 неоконченных картин и около 300 этюдов. Последняя работа - «Озеро (Русь)» осталось незаконченной. А.П. Чехов близкий друг художника, писал о нём: «До такой изумительной простоты и ясности мотива, до которых дошёл в последнее время Левитан, никто не доходил, да и не знаю, дойдёт ли кто и после». Исаак Левитан был похоронен 25 июля на старом еврейском кладбище, по соседству с Дорогомиловским кладбищем. На похоронах были художники В.А. Серов (приехавший на похороны из-за границы), А.М. Васнецов, К.А. Коровин, И.С. Остроухов, Н.А. Касаткин, Л.О. Пастернак, В.В. Переплетчиков, К.Ф. Юон, В.К. Бялыницкий-Бируля, художественный критик П.Д. Эттингер, ученики, знакомые, почитатели таланта художника. В 1901 году прошла посмертная выставка произведений Левитана в Петербурге и Москве. Кроме ранее экспонировавшихся произведений, многие работы были выставлены впервые, среди них - неоконченная картина «Озеро (Русь)» (1900г.). Через два года, в 1902 году, Авель Левитан установил памятник на могиле своего младшего брата. 22 апреля 1941 года прах художника был перенесён на Новодевичье кладбище. С тех пор могила Исаака Левитана находится в непосредственной близости от могил близких его друзей - М. В.Нестерова и А.П.Чехова. Первым портретистом своего времени, первооткрывателем света и воздуха (пленера) в живописных работах, был художник В.А. Серов, Серов Валентин Александрович (1865-1911) – русский художник, график, рисовальщик, мастер портрета, родился в Петербурге в 1865 году. Его отец -Александр Николаевич Серов был известным композитором и выдающимся музыкальным критиком, мать, пережившая сына, - пианисткой и композитором. Отец умел к тому же рисовать, даже мечтал когда-то стать живописцем. В их доме часто собирались «петербургские знаменитости». После смерти отца в 1871 году мальчик стал чувствовать себя одиноким. Мать, увлеченная музыкой, не очень баловала его своим вниманием. Зато о будущем сына она позаботилась очень хорошо. Заметив его страсть к рисованию, она из Мюнхена, где они тогда жили, поехала в Париж, к знакомому ей И.Е. Репину и всю зиму 1874 -1875 года Валентин брал уроки у автора «Бурлаков». Занятия И.Е.Репина с В.А.Серовым продолжались потом и в Москве и приобретали всё более систематический и серьёзный характер. В конце концов В.А. Серов даже поселился у И.Е. Репина, став членом семьи. Они вместе рисовали и писали натурщиков, вместе ходили на этюды в Абрамцево летом 1879 года, вместе совершили и поездку в Запорожье. Это была великолепная школа для юного В.А. Серова. Когда же В.А.Серов выполнил мастерский этюд с горбуна - того самого, который позировал И.Е. Репину для картины «Крестный ход в Курской губернии» - И.Е.Репин сказал ему: «Ну, Антон (близкие звали Валентина Антоном), пора поступать в Академию». И с рекомендательным письмом И.Е.Репина к художнику и педагогу, мастеру исторической, жанровой и портретной живописи Павлу Петровичу Чистякову (1832-1919гг.). В.А. Серов едет осенью 1880 года в Петербург, блестяще выдерживает экзамен, становится учеником Академии художеств. В 1885 году В.А. Серов уходит из Академии. Ему уже нечему было в ней учиться, а к академическим наградам и диплому он был равнодушен. В.А.Серова влечет свободная творческая работа. Он уже почувствовал себя вполне самостоятельным художником. Осенью 1885 года художник выполняет этюдного характера картину «Волы». Простая по сюжетному мотиву и по композиции, она отличается свежестью живописи и благородством общего тона. «В нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного, и буду писать только отрадное», — говорит В.А. Серов два года спустя. И он создает такие два шедевра русской школы живописи, как «Девочка с персиками» (1887г.) и «Девушка, освещенная солнцем» (1888г.). В «Девочке с персиками» изображена дочь С. И. Мамонтова - Вера. В.А. Серов подсмотрел в жизни естественно-непринужденную позу присевшей на мгновение за стол с персиками девочки, о чем-то вдруг неожиданно задумавшейся. Картина вся овеяна безмятежной радостью весенней поры в жизни человека. В ореоле струящегося света мягко вырисовывается «девочка в розовом» с приколотой к черному банту красной гвоздикой. Еле уловимая полуулыбка делает особенно привлекательным её смуглое и нежное лицо с быстрым взглядом живых карих глаз. Поэзия юности, выраженная поэзией света и цвета, - вот, в сущности, тема картины. И никто ещё из русских художников, даже самых прославленных, не передавал этой поэзии юности с такой пленительной свежестью, с таким изящным, тонким мастерством. «Девочка с персиками» - лирическая поэма о светлой юности, созданная талантом и молодостью двадцатидвухлетнего художника, безмерно влюбленного в жизнь и лучшее её порождение - человека. В «Девушке, освещенной солнцем» нет уже такой непосредственной поэтичности, хотя она также проникнута тихой радостью бытия. Вместо скрытно-порывистой позы «Девочки с персиками» и живого блеска брошенного в сторону взгляда, перед нами спокойно сидящая, прислонившись к стволу дерева, девушка со спокойно положенными на колени руками. Доверчиво смотрит она на нас широко открытыми светло-серыми глазами; невозмутим её душевный мир, ясный, как этот солнечный день под липами старого парка. Обе эти картины имели сенсационный успех и были восприняты как новое слово в искусстве, до сих пор считаются жемчужинами отечественной живописи. Красоту утонченно-нервного облика И.И. Левитана, его высокую интеллигентность, утомленно-печальный взгляд затененных на бледном лице глаз запечатлел В.А.Серов в портрете И. И. Левитана 1893 года. Изящно проста его поза, портретно выразительна рука, устало положенная на спинку соломенного кресла. Прост и красив колорит портрета, решенный в мягком созвучии темно-серых тонов фона, темно-синего костюма, золотисто-охристого кресла и смугло-бледного лица и рук, оттененных белоснежной полоской воротника и пятном манжет. Самому Левитану портрет очень понравился, а В.А. Серову — не очень. Больше В.А. Серов был удовлетворен портретом писателя Н. С. Лескова, написанного в 1894 году, предельно простым по композиции и сильным по колориту. С 1894 года В.А. Серов становится членом товарищества передвижных художественных выставок, а с 1897 по 1909 годы художник преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Воспитал целую плеяду будущих художников-новаторов: Н. Н. Сапунова, И. И. Машкова, П. В. Кузнецова, Н. П. Крымова, К. С. Петрова-Водкина, С. Ю. Судейкина, Н. Н. Сапунова, М. С. Сарьяна, Н. П. Ульянова, К. Ф. Юона. Работает В.А.Серов в 90-е годы также и над пейзажем, придя и в нем к новым стилевым особенностям и скупой гамме серебристо-серых тонов, появившихся после его поездки летом 1894 года на север с Константином Коровиным, оказавшим на него сильное воздействие. Однако художник сохраняет своеобразие своей творческой индивидуальности и в 1895 году пишет чудесную картину «Октябрь» (1895г.). Тишиной и покоем веет от этого типично русского пейзажа с бедной деревенькой на заднем плане и мирно пасущимися лошадьми и овцами на скошенном поле. Крошечная фигурка мальчика-пастушка в отцовском картузе «держит» всю композицию картины. И эта повседневная незамысловатая картина сельской жизни вдруг захватывает нас красотой живописи, поэтичностью настроения, острой характерностью пейзажного жанрового изображения русской деревни. Так же проста и поэтична пастель В.А. Серова «В деревне. Баба с лошадью» (1898г.). В этой картине художник объединил свои дарования портретиста, анималиста (когда животное является героем картины) и пейзажиста в живой сценке, выхваченной из деревенской жизни. В.А. Серов прямо на улице, на морозе, рисовал цветными мелками смеющуюся краснощекую бабу с кудлатой лошадью, а обступившие его мужики ахали от восхищения. Больше всего мужиков восхищала простота выполнения: «взял бы вот эти цветные палочки и сам сейчас все так и написал». В двадцатый век В.А.Серов вступает в расцвете своего таланта. Это выдающийся своеобразный художник-артист, ищущий непроторенные пути в искусстве. Именно В.А. Серову с его врожденной чуткостью к процессам, происходившим в мировой живописи на рубеже ХIХ и ХХ веков, суждено было стать связующим звеном между классической живописью ХIХ века и новациями серебряного в начале ХХ века. Многообразны искания художника. На рубеже нового века он создает в рисунке кистью необыкновенно правдивый и поэтический образ А.С.Пушкина, одиноко сидящего среди шороха осенних листьев. В 1899 году он пишет прелестный натурный этюд своих детей на побережье моря, а в 1901 году - портрет Мики Морозова, очаровательного в своей детской непосредственности и пылкости темперамента. В 1900-1901гг. в тонко стилизованной манере В.А. Серов изображает «Выезд императора Петра II и цесаревны Елизаветы Петровны на охоту». В этот же период художник своей броской кистью запечатлевает, как стирают бельё деревенские бабы. В 1907 году он завершает превосходную историческую картину «Петр I» (1907г.) и блистательный «Портрет Г.Л. Гиршман» (1907г.) в ее изысканно-модном будуаре. Художник создаёт прекрасные декорации для постановки оперы своего отца А.Н. Серова «Юдифь» (1907г.). Диапазон возможностей талантливого художника был широк - от уникальной техники рисования углем «Портрет Ф. И. Шаляпина» (1995г.), до крохотных изображений, исполненных графитным карандашом (зарисовки с В. И. Качалова, 1908г. и Т. П. Карсавиной, 1909г.). С 1895 до самой смерти В.А. Серов трудился над громадной (более 150 листов) серией иллюстраций к басням И. А. Крылова. Художник также испробовал свои творческие силы в театральной афише, он создал для «Русских сезонов» подлинный шедевр — лист с изображением танцующей А. П. Павловой. В картине «Похищение Европы» (1910) раскрыта тема античного мифа о похищении Европы - дочери финикийского царя - богом Зевсом, превратившегося для этого в быка. Женственно изящен образ кокетливой, изысканно хрупкой Европы. Царственно красив могучий бык с лирообразно изогнутыми рогами и человеческим взглядом. Стремительны прыжки взлетающих над волной дельфинов, очерченных с виртуозной простотой, как бы одним взмахом кисти. И за этой картиной, покоряющей своим совершенным мастерством, встает образ умного, добродушно иронического В.А. Серова, воссоздающего древний миф с тонкой улыбкой человека двадцатого столетия. В произведениях В.А. Серова последних лет его жизни велики не только сюжетно-тематические, но и стилевые различия. Художник создал прекрасные декорации в Мариинском театре, к балету «Шехерезада» (1911г.) на музыку Н. Римского-Корсакова. Для «Русских сезонов» в Париже. В.А. Серов написал огромную галерею портретов людей разных профессий и сословий, членов царской фамилии и удивительные детские образы, заслуженно считавшиеся вершиной творчества художника. Один из самых необычных портретов В.А. Серова - «Портрет Иды Рубинштейн» (1911г.) был написан в Париже, незадолго до его смерти. «Жизнь напоказ» - сквозная тема творчества художника, находит завершающее воплощение в этой работе. Раскрытию замысла помогает образ Иды Рубинштейн – знаменитой актрисы и танцовщицы, жизнь которой проходит перед тысячами глаз. В работе над портретом художник использует новые изобразительные средства, близкие модерну. Следует отметить, что работа была плохо принята современниками и товарищами по искусству, и лишь после смерти художника портрет оценили по достоинству. Скончался В.А. Серов 22 ноября 1911 года в Москве от сердечного приступа. Художник похоронен на столичном Новодевичьем кладбище. Именем художника в 1922 г. названа улица в посёлке художников «Сокол» в Москве. |