Алянский - Азбука театра - кино и эстрады. Азбука театра, кино и эстрады
 Скачать 6.93 Mb.
|
ДРАМАТИЧЕСКИЙ ТЕАТРДрамати́ческий театр — один из основных видов театра, наряду с оперным и балетным творчеством, театром кукол и пантомимой. В отличие от оперного и балетного театров, где основой представления является музыкально-драматическое произведение — опера, балет, оперетта, — спектакль в драматическом театре всё основывается на литературном произведении — драме или сценарии, предполагающем импровизацию. В драматическом театре действие и содержание того, что происходит на сцене, передается прежде всего словом. ДРАМАТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВОДраматическое искусство - это сосредоточение мысли, концентрация внимания на каком-либо объекте, осуществляемая в состоянии гетерономного (подчинение своей воли какой-либо извне данной норме, в нашем случае динамичной форме - действию) погружения в саспенс (тревожное ожидание, стоит понимать как просто любое ожидание). ДРАМАТУРГДраматург – писатель, автор пьес, написанных для театра. Писатель, создающий драматические произведения, пьесы. ДРАМАТУРГИЯ Драматурги́я (от др.-греч. δραματουργία «сочинение или постановка драматических произведений») — теория и искусство построения драматического произведения, а также сюжетно-образная концепция такого произведения. Драматургией называют также совокупность драматических произведений отдельного писателя, страны или народа, эпохи. Драматургия, драматический - эти слова образованы от слова драма. Драматургия (гр. – теория) – искусство сочинения драмы. Пьеса или произведение литературы, переделанное для постановки в театре. Драматургия, драма (греческое drama — действие) — наряду с эпосом и лирикой один из трех родов художественной литературы. Включает произведения, предназначенные для сценического воплощения и относящиеся к различным жанрам (трагедия, комедия, драма, мелодрама, водевиль, фарс). Словом драматургия обозначают вид (жанр) творчества драматурга. Этим же термином можно обозначить сумму пьес целого народа или эпохи. Например: драматургия Л. Н. Островского; современная английская драматургия; советская драматургия 80-х годов 20-го века. Греки подарили миру и новый вид литературы – драматургию, литературу для сцены. Навсегда остались знаменитыми пьесы, написанные в V и IV веках до нашей эры драматургами Эсхилом, Софоклом, Еврипидом и Аристофаном. Произведения этого вида литературы не обязательно видеть на сцене. При желании пьесы можно читать как и художественную книгу, кроме того они нередко публикуются в журналах и сборниках. А шедевры классиков мировой драматургии даже лучше сначала прочитать.  В. Шекспир Если попробовать создать карту Земли, только не политическую и не физическую, а театральную, то одной из главных исторических столиц на ней следовало бы обозначить маленький английский город Стратфорд-он-Эйвон: здесь в 1564 год родился, был крещен, и в 1616 году умер Вильям Шекспир. Этот гениальный человек совмещал в себе величайшего драматурга, поэта, актера и организатора театрального дела. Шекспир написал без малого сорок трагедий, комедий, исторических пьес. Они навсегда остались богатством и гордостью мировой культуры. Самые знаменитые из них – «Ромео и Джульетта» (1595), «Гамлет» (1601), «Отелло» (1604), «Король Лир» (1605), «Макбет» (1606). В этих и других пьесах Шекспир воспользовался лучшими достижениями и чертами античного, то есть древнегреческого и древнеримского театра: показал на сцене большие чувства, сильные человеческие страсти. А великое сценическое открытие самого Шекспира состояло в том, что он первым показал на подмостках театра не только страсти, но и характеры действующих лиц. У него чувства героя всегда сочетаются с чертами его характера. Гамлет, например, способен на смелые и благородные поступки, но долго колеблется. Отелло, наоборот, слишком торопится поверить в виновность своей жены, Дездемоны. Король Лир поддается необузданному гневу и перестает понимать, кто из дочерей ему действительно предан: на него нападает душевная слепота. Макбет становится жертвой своего честолюбия. А мужественного полководца Кориолана губят его гордость и презрение к народу. Шекспир первым вывел на сцену реальные эпизоды истории человечества и осветил важную роль народа на исторических поворотах. Величайшие актеры и режиссеры мира прославились в постановках шекспировских пьес, в ролях шекспировских героев. И многим это еще, несомненно, предстоит.  Ж. Мольер Семнадцатый век необычайно обогатил мировую сцену. Во Франции появился свой великий драматург – Жан Батист Мольер (его настоящая фамилия – Поклен) (1622-1673). Как и Шекспир, Мольер был не только драматургом, но и актером, а также создателем своего театра, коллектива актеров. Многие роли в своих комедиях он играл сам. Наиболее известные его комедии – «Тартюф» (1669), «Мещанин во дворянстве» (1670). В них Мольер высмеял эгоизм, себялюбие, духовную пустоту, особенно когда они прикрываются механической обрядностью и напускным благочестием, ложной скромностью, лицемерием. Долгое время колесил Мольер со своей бродячей труппой актеров по дорогам Франции, терпя нужду и лишения. Но он стойко переносил трудности. И хотел только одного – играть! Смело давал он представления и в деревенском сарае, и в покоях короля. И всюду, веселя и поучая зрителей, выходили на первый план дерзкие, умные и веселые слуги. Искусство Мольера было близко народу, сродни его жизни и заботам. Лев Толстой писал: «Мольер едва ли не самый всенародный и потому прекрасный художник».  Лопе де Вега Не могу не рассказать вам еще об одном драматурге – гении испанской литературы и театра Лопе де Вега. «Чудом природы» назвал его автор «Дон Кихота» Сервантес. И не зря: Лопе де Вега сочинил... 2200 пьес! К тому же все они написаны великолепными стихами! Один из биографов Лопе де Вега подсчитал, что великий испанец оставил после себя более... двадцати миллионов стихотворных строк! Некоторые специалисты утверждают, что подобная продуктивность просто физически невозможна. Но даже если допустить, что в приведенных цифрах есть небольшое преувеличение, все же гений драматурга и поэта – бесспорен. Такое творческое чудо можно объяснить только тем, что будущий писатель с детства обладал талантом импровизировать, то есть придумывать тут же, мгновенно, на ходу. Мальчик начал сочинять стихи в пятилетнем возрасте, еще не умея читать и писать. И отдавал свои завтраки старшим товарищам за то, что они, едва успевая, заносили на бумагу моментально рождавшиеся у него строки. В тринадцать лет Лопе сочинил свою первую комедию. Став драматургом, Лопе де Вега создал новый вид комедии, где веселое соседствует с печальным, серьезное – с шутливым. Он написал даже специальную поэму о судьбе испанского национального театра – «Новое искусство писать комедии в наше время». В ней утверждается мысль, что пьесы должны писаться «правдоподобно» и обращаться к народному зрителю. Наиболее знаменитая пьеса Лопе де Вега – «Овечий источник» (другое ее название– «Фуэнте овехуна»). Сочинена она в 1612 –1613 годах. А сюжет ее таков. Королевские вельможи притесняют крестьян, оскорбляют и пытают их. И тогда крестьяне поднимаются на защиту своей чести, достоинства и свободы. В центре событий – молодая крестьянская девушка по имени Лауренсия. Она оказывается смелее и решительнее многих мужчин. Вереницу веселых пьес с искусно построенной интригой, сочиненных Лопе де Вега и некоторыми другими его современниками, называют комедиями «плаща и шпаги». Их основные сюжеты вращаются вокруг оскорбленного чувства дворянской, рыцарской чести, а действие развивается быстро, напряженно, стремительно. Мужчины в этих пьесах часто хватаются за шпаги, откидывая романтические театральные плащи. Разумеется, демонстрация несдержанности эмоций, неумения владеть собой в стрессовых обстоятельствах, а так же грех человекоубийства должен осуждаться. Еще раз напомню: пьесы Лопе де Вега написаны искрометными стихами. Чтобы вы получили хоть какое– то представление о них, приведу монолог из комедии «Собака на сене» – в блестящем переводе на русский язык поэта и переводчика М. Л. Лозинского (1886—1955); именно он подарил всем русскоговорящим зрителям радость встречи с великим испанским драматургом. Итак, служанка Марсела просит слугу Тристана сказать его хозяину, что... Тристан перебивает ее:
Наиболее знаменитые пьесы Лопе де Вега много раз ставились на российской и советской сцене: «Овечий источник», «Валенсианская вдова», «Девушка с кувшином». Одним из первых выпускников Московского университета был дворянин Денис Иванович Фонвизин (Фон-Визин, фон Ви́зен) (1744-1792). В 1781 году он написал комедию «Недоросль». Главная мысль пьесы – забота о воспитании молодого поколения российских дворян.  Д. И. Фонвизин Жестокие и малограмотные помещики выставлены в комедии на всеобщее осмеяние. А осмеяние – дело нешуточное (вы, может быть, знаете это по себе). Позднее, в середине XIX века, об этом прекрасно скажет великий мастер сатиры Николай Васильевич Гоголь: «Смех – великое дело: он не отнимает ни жизни, ни имения, но перед ним виновный – как связанный заяц». (Слово «имение» означает в данном случае всякую недвижимую собственность). «Недоросль» стал классикой российской драматургии.  А. С. Пушкин Однако главное в театральном наследии великого поэта – его пьесы. Поговорим подробнее хотя бы об одной из «Маленьких трагедий» – о «Моцарте и Сальери». На первый, поверхностный, взгляд, эта небольшая пьеса – произведение вроде бы историческое. Потому что и Моцарт, и Сальери – реально существовавшие композиторы конца XVIII века. В основу пушкинского сюжета положена легенда о том, что Сальери будто бы из зависти отравил Моцарта. В те годы эта легенда была еще совсем «молодой» и казалась вполне правдоподобной. Легенды часто надолго переживают тех, кто стал их героем, и еще многие годы тревожат умы исследователей и потомков. Так случилось и на этот раз. Музыковеды разных стран мира вот уже более 220 лет, прошедшие со дня смерти Моцарта, время от времени возвращаются к спору о том, был ли композитор Антонио Сальери его убийцей. Современные биографы Моцарта, в их числе и российские ученые, в подавляющем большинстве придерживаются мнения, что легенда эта не подкреплена историческими документами, не основана на серьезных доказательствах и потому не может быть признана фактом. И Сальери, очевидно, неповинен в убийстве. Да, верно: он отравил жизнь Моцарта – но не ядом, а жгучей многолетней завистью к более молодому гениальному собрату по искусству. (Интересно, что первоначальное название этой пушкинской пьесы – «Зависть» взято за основу как 2-я по важности, после убийства, Заповедь Божья: «Не завидуй»). Исследование тяжкого человеческого порока и греха – зависти – и лежит в основе пушкинской трагедии. Её действующие лица – не исторические Моцарт и Сальери, не реальные композиторы, а выразители двух противоположных характеров. Моцарт – беззаботный, добрый, веселый человек и, что особенно важно для Пушкина, – гений, а гению труд и творчество обычно даются легко, музыка его рождается свободно. Сальери – одаренный труженик, ремесленник (в хорошем, а не ругательном смысле этого слова), мастер. Недостаток таланта ему приходится восполнять кропотливым, изнурительным трудом. Но и такой труд не позволяет ему подняться на те высоты, где легко и свободно царствует волшебная музыка Моцарта. Пушкин писал не ученый трактат, а пьесу. Поэтому его, прежде всего, интересовали характеры героев, их душевное состояние, их тайные чувства и явные поступки. Поэт ставит перед читателями и зрителями важные вопросы: совместимы ли гений и злодейство? И кто такой – злодей? Обязательно ли грубый, жестокий, зачерствевший во зле преступник, или человек, способный на сильные, даже светлые чувства, но скованный тяжким пленом греха жестокой зависти? Поэт отвечает на эти вопросы образом Сальери. Моцарт играет другу свое последнее сочинение – Реквием (так называют музыкальное произведение траурного характера для оркестра и хора). Сальери взволнован, он плачет. Моцарт Ты плачешь? Сальери Эти слезы Впервые лью: и больно, и приятно, Как будто тяжкий совершил я долг, Как будто нож целебный мне отсек Страдавший член! Друг Моцарт, эти слезы... Не замечай их. Продолжай, спеши Еще наполнить звуками мне душу... Моцарт Когда бы все так чувствовали силу Гармонии!.. Сальери у Пушкина наделен способностью тонко и глубоко чувствовать, его бессметная душа открыта прекрасному. Но злой и низкий грех зависти побуждает его опустить в стакан Моцарта яд... Сражаться с завистью мы продолжаем и сегодня, поскольку это один из страшных смертных грехов. Великим людям на самом деле приходится намного тяжелее, чем обычным людям. Каждый твой шаг, каждое твое действие не остается не замеченным многочисленной публикой. Далеко не каждый может спокойно жить и работать в такой атмосфере, далеко не каждый может с легким сердцем не обращать внимания на людские пересуды и откровенные сплетни, не замечать чужую враждебную зависть. Как сказала итальянская актриса Софи Лорен: «Популярность – это так здорово в первые два месяца, и так ужасно тяжело всю оставшуюся жизнь». «Моцарт и Сальери» – единственная пьеса Пушкина, поставленная при его жизни. Дорога пушкинских сценических созданий к зрителям была долгой и трудной. Такая же судьба постигла и другое великое театральное произведение эпохи – гениальную комедию А. С. Грибоедова «Горе от ума».  А. С. Грибоедов После восстания декабристов цензурные условия в России стали особенно жесткими и непримиримыми. Нередко роль литературного и театрального цензора брал на себя сам император. Пушкину он давал советы, как переделать «Бориса Годунова». А «Горе от ума» разрешил к публикациям в печати только в искаженном цензурой виде. Лишь значительно позднее пьесы Пушкина и Грибоедова смогли попасть на сцену и в печать. Зато в конце 19-го века «Горе от ума» было напечатано более ста пятидесяти раз! А на сцене комедия идет постоянно. Это понятно: знать ее должен каждый образованный человек. Ведь добрая половина стихотворных строк «Горя от ума», как и предсказывал Пушкин, стала пословицами, поговорками, крылатыми словами и выражениями. Мне хочется привести для вас примеры таких крылатых фраз. Но, начав их выписывать, я сам поразился, как их много! Приведу их, расположив, как принято в нашей книге, по алфавиту. А судьи кто? Ах! злые языки страшнее пистолета. Всё врут календари. Герой не моего романа. Да, водевиль есть вещь, а прочее всё гиль. (Слово «гиль» во времена Грибоедова означало: «вздор, чепуха, ерунда».) Дистанции огромного размера. Завиральные идеи. И дым отечества нам сладок и приятен. Кричали женщины: ура! И в воздух чепчики бросали! Не поздоровится от эдаких похвал. Нельзя ли для прогулок подальше выбрать закоулок? Ну как не порадеть родному человечку! Пойду искать по свету, где оскорбленному есть чувству уголок! Послушай, ври, да знай же меру. Рассудку вопреки, наперекор стихиям. С чувством, с толком, с расстановкой. Свежо предание, а верится с трудом. Словечка в простоте не скажут, всё с ужимкой. Служить бы рад, прислуживаться тошно. Смешенье языков: французского с нижегородским. Счастливые часов не наблюдают. Что за комиссия, создатель, быть взрослой дочери отцом! В чем же значение этой великой комедии? Она написана Грибоедовым незадолго до восстания декабристов. А через год после восстания Грибоедова привлекли к суду по подозрению в симпатиях к «мятежникам». Следственной комиссии не удалось доказать участия писателя в заговоре. Ученые, однако, полагают, что это «участие» заложено, зашифровано в строках «Горя от ума». Главный и единственный положительный герой пьесы – Чацкий – в своих смелых и гневных монологах выражает свободолюбивые мысли передовых людей своего времени и самого автора, конечно. Чацкий бросает свои обвинения в лицо «негодяям знатным», тупым чиновникам, крепостникам, подхалимам. Этого ему не прощают. В одном из писем Грибоедов так сказал о сюжете своей пьесы: «В моей комедии 25 глупцов на одного здравомыслящего человека; и этот человек, разумеется, в противоречии с обществом его окружающим, его никто не понимает, никто простить не хочет, зачем он немножко повыше прочих».  Н. В. Гоголь Первая половина 19-го богата шедеврами драматургии (шедевр – слово, которое еще не раз встретится вам на страницах нашей книги; оно означает произведение, ставшее высшим достижением искусства). В 1836 году в Петербурге впервые прозвучала на сцене комедия Н. В. Гоголя «Ревизор». С тех пор вот уже полтора столетия она остается украшением репертуара любого советского и зарубежного театра. Придавая театру огромное значение, Гоголь назвал его кафедрой, поднявшись на которую можно многое сделать для людей. Такая «кафедра» должна быть источником добра и воспитания. Таким образом, писатель приравнял театр к школе, к университету. Школой нравов стал и «Ревизор». Сто пятьдесят лет смеются всё новые поколения людей над трусостью, угодничеством, взяточничеством персонажей пьесы, над их глупой доверчивостью, над попытками нерадивых чиновников пускать пыль в глаза вместо того, чтобы честно выполнять свои обязанности. Интересно отметить, что сюжеты «Ревизора» и «Мертвых душ» дал Гоголю Пушкин. Удивительный пример щедрости гения!  Л. Н. Островский Целую эпоху в культурной жизни России определили пьесы классика нашей драматургии Александра Николаевича Островского (1823–1886). Эта эпоха началась с середины 19-го века, когда молодой тогда драматург написал свою первую пьесу. Многие комедии и драмы Островского впервые были поставлены на сцене Московского Малого театра – старейшего драматического театра Москвы. Ныне его иногда называют «Домом Островского». В течение нескольких десятилетий впервые знакомились здесь зрители с жестокой Кабанихой из «Грозы»; с актерами Счастливцевым и Несчастливцевым из «Леса» – судьба этих сценических персонажей Островского отражает нравы тогдашнего русского провинциального театра; с равнодушной к человеку властью денег и с горячими сердцами скромных и благородных людей – эти сердца оказались сильнее набитых кошельков. «Национальный театр, – писал Островский, – есть признак совершеннолетия нации, так же как и академии, университеты, музеи». Видите, как это высказывание совпадает с мыслями Гоголя! Сколько пьес, шедших в те годы на российской сцене, навсегда забыты! А на спектаклях, поставленных по пьесам А. Н. Островского, зрители и сегодня, в начале 3-го тысячелетия, готовы смеяться и плакать, способны сострадать героям этих пьес, восхищаться виртуозным мастерством драматурга. Островский навсегда останется в репертуаре российского театра.  А. М. Горький Начало 20-го века ознаменовалось на российской сцене появлением и постановками пьес А. М. Горького. Первую из них поставил Художественный театр. Она называется «Мещане». На театральных подмостках, где многие десятилетия фигурировали главным образом дамы и господа из высших слоев общества, впервые появился рабочий – Нил. Обращаясь к публике, он говорил: «Наша возьмет! И на все средства души моей удовлетворю мое желание вмешаться в самую гущу жизни, тому – помешать, этому – помочь... Вот в чем радость жизни». Говоря в пьесе о мещанстве, о мелком крохоборстве собственников, Горький протестовал и против капиталистической приземленной морали – это она превращает человека в мещанина, злобного обывателя, неспособного на большие чувства и высокие интересы. Человек молится не Богу, а Золотому Тельцу. Материальные потребности затмевают духовные. В пьесах Горького «На дне», «Дачники», «Враги», «Егор Булычев и другие», «Васса Железнова» с огромной силой зазвучали новые идеи, новые слова, еще никогда не произносившиеся со сцены театра. Монологи горьковских героев дышали революцией. Писатель и в драматургии стал Буревестником революции. Именно поэтому в Драматическом театре В. Ф. Комиссаржевской в Петербурге, во время премьер горьковских пьес «Дачники» (1904) и «Дети солнца» (1905), зрители во время действия раскололись на два враждующих лагеря. Партер и ложи превратились в митингующий зал, где бушевали политические страсти. Люди стали задумываться о своем жизненном предназначении. |