Экзаменационные билеты по курсу История и теория театра
 Скачать 0.5 Mb.
|
| Билет 9 1. Творчество В. Шекспира условно делят на 3 периода: 1. пишет комедии, исторические хроники, трагедии «Ромео и Джульетта», «Юлий Цезарь»; 2. трагедии; 3. поэтические сказки. Комедии: «Сон в летнюю ночь», «Укрощение строптивой», «Двенадцатая ночь», «Много шума из ничего», «Бесплодные усилия любви» и др. В ранних комедиях («Как вам это понравится», «Два веронца», «Сон в летнюю ночь», «Много шума из ничего», «Двенадцатая ночь», «Бесплодные усилия любви», «Укрощение строптивой», «Комедия ошибок», «Виндзорские насмешницы») в полной мере присутствует гармоничное отражение совершенства мироздания, жизнерадостный, оптимистический взгляд на мир. В них нет плутовских мотивов, столь распространенных в литературе того времени. Здесь веселятся ради веселья, шутят ради шутки. Поражает разнообразие жанровых вариаций комедий – романтическая комедия, комедия характеров, комедия положений, фарс, «высокая» комедия. Герои шекспировских комедий всегда незаурядны, в их образах воплощены типично ренессансные черты: воля, острый ум, стремление к независимости, и, конечно, сокрушающее жизнелюбие. Даже на чисто фарсовых ситуациях комедии положений Шекспир строит сложные реалистические характеры. Особенно интересны женские образы этих комедий – равные мужчине, свободные, энергичные, активные и бесконечно обаятельные. Рядом с героями действуют комические персонажи, шутки которых смешат зрителя. Комедии Шекспира от всех других отличаются тем, что лишены сатирической направленности, в них преобладает дух жизнеутверждения. Хотя, в них встречаются персонажи, заслуживающие осуждения, но их у Шекспира гораздо меньше, чем прекрасных, добрых, благородных людей. Зло лишь ненадолго одерживает победу в отношениях между людьми и в их душах, Добро неизменно торжествует. Шекспир в своих комедиях не изображает современную ему Англию, действие происходит в Италии, Франции, Сицилии, Греции, о которых публика шекспировского театра имела смутные представления. Это нужно было Шекспиру, чтобы придать действию пьес некоторую отдаленность от повседневной жизни. Комедии Шекспира наполняют приключения, шутки, розыгрыши. Также комедии имеют несколько линий действия (особенно много в «Сон в летнюю ночь»). «Двенадцатая ночь». Герцог Орсино влюблен в Оливию, но она его избегает. А Виола влюблена в Орсино, она переодевается в мужскую одежду и идет на службу к графу. Он отправляет Виолу к графине, чтобы добиться ее любви. Но графиня влюбляется в переодетую Виолу. У Виолы есть брат-близнец Себастьян, который, как она думала, утонул в кораблекрушении. Себастьян не умер, он появляется в городе. В конце концов все разрешается: Себастьян женится на Оливии, герцог на Виоле. | Билет 10 1. Творчество В. Шекспира условно делят на 3 периода: 1. пишет комедии, исторические хроники, трагедии «Ромео и Джульетта», «Юлий Цезарь»; 2. трагедии; 3. поэтические сказки. В период с 1590 по 1600 Шекспир пишет ряд исторических хроник. В шекспироведении их принято делить на две тетралогии, каждая из которых охватывает один из периодов английской истории. Первая из них – три части «Генриха VI» и «Ричард III» – о времени борьбы Алой и Белой розы; вторая – «Ричард II», две части «Генриха IV» и «Генрих V» – о предшествующем периоде борьбы между феодальными баронами и абсолютной монархией. Жанр драматической хроники свойственен только английскому Ренессансу, т.к. любимым театральным жанром раннего английского средневековья были мистерии на светские мотивы. Драматургия зрелого Возрождения формировалась под их влиянием; и в драматических хрониках сохранены многие мистериальные черты: широкий охват событий, множество персонажей, свободное чередование эпизодов. Однако в отличие от мистерий, в хрониках представлена не библейская история, а история государства. Здесь, в сущности, он тоже обращается к идеалам гармонии – но гармонии именно государственной, которую видит в победе монархии над средневековой феодальной междоусобицей. В финале пьес торжествует добро; зло, как бы ни страшен и кровав был его путь, низвергнуто. Т.о., в первый период творчества Шекспира на разных уровнях – личностном и государственном – трактуется главная ренессансная идея: достижение гармонии и гуманистических идеалов. Второй период творчества Шекспира (1601–1607) посвящен преимущественно трагедии. Именно в этот период драматург достигает вершины своего творчества – «Гамлет», «Отелло», «Король Лир», «Макбет», «Антоний и Клеопатра», «Кориолан». В них уже нет и следа гармонического ощущения мира, здесь раскрываются конфликты вечные и неразрешимые. Здесь трагедия заключена не только в столкновении личности и общества, но и во внутренних противоречиях в душе героя. Проблема выводится на общий философский уровень, причем характеры остаются необычайно многогранными и психологически объемными. При этом очень важно, что в великих трагедиях Шекспира полностью отсутствует фаталистическое отношение к року, предопределяющему трагедию. Главный акцент, как и прежде, ставится на личности героя, формирующего свою судьбу и судьбы окружающих. 2. После восхождения на престол в 1741 Елизаветы Петровны продолжилось внедрение европейского театра. При дворе гастролировали иностранные труппы – итальянские, немецкие, французские, среди них – драматические, оперно-балетные, комедия дель арте. В этот же период были заложены и основы национального русского профессионального театра. | Билет 11 1. «Школьные» театры возникли в «коллегиумах» (и других учебных заведениях) Западной Европы полтора века назад «для лучшего усвоения учащимися латинского языка» (на нем обычно и разыгрывались представления), для запоминания библейских сюжетов (составлявших основы всех «школьных» пьес), внося в обучение элемент игры и делая его более доступным и интересным. Главная же цель, ради которой преподаватели устраивали «школьные» спектакли, была назидательная: «внушение добродетели и нравственности», а также, «чтобы прервать умственную лень и пробудить дух» учеников. Однако, несмотря на подобный сугубо педагогический, дидактический уклон, «школьные» драмы собирали множество зрителей, давно вышедших из ученического возраста. «Школьный театр» появился в Москве в нач. XVIII в., после того как Петр I пригласил в Духовную Академию (в Спасском «училищном монастыре») преподавателей латинского языка. Теперь академия получила название Славено-Латинская и среди прочих наук и упражнений важнейшее место отводила «риторике» и поэтике, так как будущее поприще учеников, тогда еще не обязательно духовное, непременно требовало умения воздействовать на людей и словом своим и манерой поведения. Поэтому в академии расцвел свой театр («школьный»), и дважды в год академический регламент предусматривал проведение спектаклей. Первый спектакль назывался: «Ужасная измена сластолюбивого жития с прискорбным и нищетным». Более трех десятилетий устраивались «школьные» представления в стенах Славяно-Греко-Латинской (так она стала называться) Академии. Через некоторое время в Москве был открыт «Гошпиталь», который переманивал к себе многих учеников академии; и в нем также был заведен «школьный» театр. Здесь были поставлены торжественные пьесы- «Слава российская...», и «Слава печальная Российскому народу, смерти Петра Великого весть внесшая». Вслед за Москвой появились «школьные» театры в духовных семинариях Твери, Астрахани, Новгорода, Казани, Смоленска, Петербурга, Тобольска, Иркутска и других городов. Особенностью развития «школьного» театра в России была его тесная связь с любительским придворным и городским, а позднее и полупрофессиональным театром. В этих театрах на протяжении первой трети XVIII века получали театральные навыки и начинающие актеры-любители и неопытные зрители. 2. Чехов А.П. (1860–1904) – русский писатель, драматург. Родился в Таганроге в семье купца. Пьесы: «Чайка», «Вишневый сад», «Три сестры». | Билет 12 1. Комедия дель арте (комедия масок) – импровизационный уличный театр итальянского Возрождения, возникший к середине XVI в. и, по сути, сформировавший первый в истории профессиональный театр. Комедия дель арте вышла из уличных праздников и карнавалов. Ее персонажи – некие социальные образы, в которых культивируются не индивидуальные, а типические черты. Пьес как таковых в комедии дель арте не было, разрабатывалась только сюжетная схема, сценарий, который по ходу спектакля наполнялся живыми репликами, менявшимися в зависимости от состава зрителей. Именно этот импровизационный метод работы и привел комедиантов к профессионализму – и в первую очередь, к выработке ансамбля, повышенному вниманию к партнеру. Эти спектакли были излюбленным развлечением массового, демократического зрителя. Комедия дель арте вобрала в себя опыт фарсового театра, однако здесь пародировались и расхожие персонажи «ученой комедии». Определенная маска закреплялась за конкретным актером раз и навсегда, однако роль – несмотря на жесткие типажные рамки – бесконечно варьировалась и развивалась в процессе каждого представления. Число масок, появлявшихся в комедии дель арте чрезвычайно велико – более сотни. Однако большинство из них было скорее вариантами нескольких основных масок. У комедии дель арте было два основных центра – Венеция и Неаполь. В соответствии с этим сложились и две группы масок. Северную (венецианскую) составляли Доктор, Панталоне, Бригелла и Арлекин; южную (неаполитанскую) – Ковьелло, Пульчинелла, Скарамучча и Тарталья. Стиль исполнения венецианской и неаполитанской комедии дель арте тоже несколько различались: венецианские маски работали в преимущественно в жанре сатиры; неаполитанские использовали больше трюков, грубых буффонных шуток. По функциональным группам маски можно разделить на следующие категории: старики (сатирические образы Панталоне, Доктор, Тарталья, Капитан); слуги (комедийные персонажи-дзанни: Бригелла, Арлекин, Ковьелло, Пульчинелла и служанка-фантеска – Смеральдина, Франческа, Коломбина); влюбленные (образы, наиболее близкие героям литературной драмы, которых играли только молодые актеры). В отличие от стариков и слуг влюбленные не носили масок, были роскошно одеты, владели изысканной пластикой и тосканским диалектом, на котором писал свои сонеты Петрарка. Именно актеры, исполнявшие роли влюбленных, первыми отказались от импровизации и начали записывать тексты своих персонажей. Авторами сценариев чаще всего бывали главные актеры труппы. |
| Билет 13 1. История испанского театра XVI – XVII вв. может быть разбита на 3 периода: 1. происходит возрождение светского театра; 2. становление и расцвет национального театра – от Лопе де Руэда до Лопе де Вега; 3. театр этого периода связан с отходом от гуманистических ренессансных традиций. Ведущее место занимает драматургия Кальдерона, его учеников и подражателей. В Испании существовало 2 вида театра: средневековый религиозный театр - ауто (основной жанр - спектакли, разыгрываемые на празднике Тела Христова) и светский театр; их литературную обработку начал Лопе де Вега. Испанский театр выступал в защиту человека и его достоинства, ополчался против тирании, сословных предрассудков, против неравенства мужчин и женщин, внушал человеку веру и возможность счастья, укреплял дух бодрости и жизнерадостности. Театр говорил на языке близким и понятным народу. Последним значительным драматургом испанского ренессансного театра был Педро Кальдерон. В драматургии Кальдерона полностью трансформируется гармоничное мироощущение Ренессанса, здесь господствуют трагические мотивы неразрешимых противоречий, ясно ощутимые не только в поздних религиозно-символических и мифологических драмах, но и в ранних комедиях («Дама-невидимка», «Стойкий принц», «С любовью не шутят», «Любовь после смерти», «Жизнь – это сон» и др.). Двигатель сюжетов пьес Кальдерона – не свободная воля героев, но стечение обстоятельств, случай, рок, судьба. Пик театра испанского Возрождения приходится на творчество Лопе де Вега, создавшего огромное количество пьес, разнообразных как по жанрам, так и по тематике. В его творчестве присутствуют две основных линии: т.н. «крестьянская», народная драма (высшим достижением которой стала пьеса «Фуэнте Овехуна») и «комедия плаща и шпаги» («Учитель танцев», «Собака на сене», «Валенсианская вдова», «Девушка с кувшином», «Глупая для других и умная для себя» и др.). Историческая драма «Фуэнте Овехуна» («Овечий источник») – венец драматургического творчества Лопе де Вега. В ней изображены отношения между господствующей феодальной верхушкой и бесправным крестьянством. Мировое значение произведения заключается в том, что в нем воплощены лучшие черты испанского народа и показана сила организованности и сплоченности народной массы, борющейся против своих вековых угнетателей. 2. После революции 1917, поменявшей весь жизненный уклад России, начался новый этап и в театральной жизни страны. Новое правительство понимало всю важность театрального искусства: был издан декрет о передаче всех российских театров в ведение отдела искусств Государственной комиссии по просвещению. А позже появился декрет о национализации театров, | Билет 14 1. Классицизм (вт. пол. XVII – XIX вв.) - одно из важнейших направлений искусства прошлого, художественный стиль, воплотившийв сфере художественного творчества, на языке худодественных образов основные социальные и идейные принципы. В театральном искусстве это направление утвердило себя в творчестве, прежде всего, французских авторов: Корнеля, Расина, Вольтера, Мольера. История классицизма начинается в Западной Европе с конца XVI столетия. В XVII в. достигает высшего своего развития, связанного с расцветом абсолютной монархии Людовика XIV во Франции и наивысшего подъема театрального искусства в стране. Классицизм продолжает плодотворно существовать и в XVIII – начале XIX вв., пока на смену ему не пришел сентиментализм и романтизм. Классицизм предполагал устойчивую ориентацию нового искусства на античный лад, что вовсе не означало простого копирования античных образцов. Классицизм осуществляет преемственность и с эстетическими концепциями эпохи Возрождения, которые ориентировались на античность. Французские классики предложили правила построения в своих произведениях, опирающиеся на основы рационалистического мышления XVII в. Основные жанры: высокие (трагедия, ода, эпос) и низкие (комедия, басня, сатира). Законы классицизма характернее всего выразились в правилах построения трагедии. От автора пьесы прежде всего требовалось, чтобы сюжет трагедии, а также страсти героев были правдоподобными. В трагедиях классицизма разум, воля были решающими и подавляли стихийные, плохо управляемые чувства. И высокие жанры, и низкие обязаны были наставлять публику, возвышать ее нравы, просветлять чувства. В трагедии театр учил зрителя стойкости в жизненной борьбе, пример положительного героя служил образцом нравственного поведения. Важнейшие нормативы классицизма – единство действия, места и времени – вытекают из тех содержательных предпосылок, о которых шла речь выше. Чтобы точнее донести до зрителя мысль и вдохновить на самоотверженные чувства, автор не должен был ничего усложнять. Основная интрига должна быть достаточно простой, чтобы не путать зрителя и не лишать картину цельности. Вершиной классицизма в трагедии стали произведения французских поэтов П.Корнеля («Сид», «Гораций», «Никомед»), которого называли отцом французской классической трагедии; Ж.Расина («Андромаха», «Ифигения», «Федра», «Гофолия») и Ж.Б. Мольера («Смешные жеманницы», «Мещанин во дворянстве», «Дон Жуан», «Тартюф»). | Билет 15 1. Корнель Пьер (1606–1684) - французский драматург, Член Французской академии, оосновоположник классицистской трагедии во Франции. Произведения: «Мелита», «Вдова», «Галерея суда», «Сид», «Ираклий», «Дон Санчо Арагонский» и др. Первый драматургический опыт – комедия в стихах «Мелита». Пьеса Корнеля – «Сид» – оказалась переломной не только для самого драматурга, но и для истории всего мирового театра. Поставленная на сцене театра «Маре», она ознаменовала наступление новой театральной эпохи. Здесь впервые в полную силу прозвучал конфликт между чувством и долгом, ставший в тематике классицистской трагедии обязательным. «Сид» пользовался оглушительным успехом публики, и стал настоящим триумфом для драматурга и актеров. Корнель был первым великим французским драматургом, основоположником классицистской трагедии, создателем французского трагического театра. Расин Жан (1639–1699) - французский драматург, творчество которого представляет собой вершину французского классицистического театра. Является соперником Корнеля. Единственная комедия Расина «Сутяги», трагедии «Британник», «Андромаха», «Тит и Береника», «Баязет», «Ифигения», «Федра» и др. Темой почти всех великих трагедий Расина является слепая страсть, которая сметает любые нравственные барьеры и ведет к неизбежной катастрофе. У Корнеля персонажи выходят из конфликта обновленными и очищенными, тогда как у Расина они терпят полное крушение. Основным принципом творчества Расина было тяготение к простоте и правдоподобию. Чрезвычайно большое значение в драматургии имеет язык. Его герои и героини говорят языком современного образованного общества, без всяких прикрас. Расин умело вводил в свои трагедии самые обыкновенные фразы разговорного языка, которые получали у него высокое поэтическое звучание. |