Уроки изобразительного искусства 6 класс. Просвещение
 Скачать 0.53 Mb.
|
|
коллективная работа, но каждая индивидуальная графическая работа уже представляет собой небольшое произведение искусства. Внимательное изучение кустарников, деревьев, трав даёт возможность выразительно изображать окружающую нас природу, её неповторимую красоту. Прославленным знатоком русского леса был И. И. Шишкин. Художник знал характер, пластику, анатомию каждого дерева, куста. Он требовал и от других, чтобы по рисунку можно было узнать не только породу дерева, но и его возраст, историю его жизни, определить, где оно растёт: на светлой полянке или в тёмной чаще, в глубоком овраге или на склоне холма. Леонардо да Винчи в «Трактате о живописи» посвятил целую главу изображению деревьев. Из главы «О деревьях и зелени» можно узнать, как ветвятся деревья и как трескается их кора, какие цветы на кусте распускаются первыми и какие осенние листья задерживаются на дереве дольше всех, какое строение имеют кустарники и деревья, как влияет на их крону сильный ветер и многое, многое другое. А замечательный русский пейзажист А. А. Рылов в наставлении начинающим рисовальщикам писал: «Хорошо нарисовать совсем маленькую ёлочку — трёхлетнюю детку. Какие у неё славные зелёные лапки, в начале лета яркие и мягкие! У такой ёлочки ещё мало веток и потому её легче нарисовать. При рисовании самое главное — правильная форма. Рисуйте её осторожно, внимательно, не давите карандашом или пером бумагу. Карандаш у художника то же, что смычок у скрипача. Штрих должен быть лёгким, чутким и выразительным». Типичные ошибки учащихся: неумелая композиция, неумение расположить на листе бумаги несколько объектов. Белый, чистый лист бумаги подталкивает учащихся к действиям, они торопятся закрыть нетронутый лист, часто начиная с частностей. В процессе рисования происходит уточнение пропорций и формы объекта, а задуманная композиция нарушается. Необходимо посоветовать учащимся не помещать изображение у края листа, оставлять больше свободного места вокруг объектов, чтобы при необходимости в дальнейшем можно было исправить неточности; неумение видеть общий характер формы. Часто учащиеся увлекаются подробностями и частностями, упуская из виду характер общей формы. И неудивительно, что получаются «падающие» предметы, искаженные пропорции и т. д. Планируемые результаты: получить представление о выразительных возможностях линии, о линии как выражении эмоций, чувств, впечатлений художника; рассуждать о характере художественного образа в различных линейных рисунках известных художников; объяснять, что такое ритм и каково его значение в создании изобразительного образа; выбирать характер линий для создания ярких, эмоциональных образов в рисунке; овладевать навыками передачи разного эмоционального состояния, различного настроения с помощью ритма и характера линий, штрихов, росчерков и др.; овладевать навыками ритмического линейного изображения движения (динамики) и статики (спокойствия). Понятия: характер линии, ритм. Практическая работа: изображение колыхания трав на ветру с использованием разнохарактерных линий. Материалы: карандаш или тушь, гелевые ручки, краски, бумага. Зрительный ряд: В. Ван Гог. Барки на берегу, Море; рисунки П. Пикассо; П. В. Митурич. Заборчик; А. А. Дей- нека. Ночной пейзаж; учебные рисунки (учебник, с. 30—33). Основная художественная проблема урока — изучение выразительных возможностей линии, знакомство с разным характером линий. Эта тема продолжает и развивает предыдущую тему, посвящённую рисунку. Если учитель ранее сосредоточился на проведении беседы или презентации проектов, посвящённых возможностям рисунка в изобразительном искусстве, то уроки по данной теме целесообразно посвятить выполнению практических заданий. При формулировании заданий важно ещё раз подчеркнуть, что линии могут быть разными по своему характеру. Учитель может напомнить репродукции прошлого урока, предложив учащимся поработать разнообразной линией, используя мягкие материалы — соус, сангину или материалы для чёткой, точной линии — перо или гелевые ручки. При выполнении заданий учащиеся должны постараться почувствовать то весомость и уверенность, то беглость и поспешность или обстоятельность линий. Линией можно очерчивать контур, как упругой проволокой, выявляя изображение на бумаге, а можно работать росчерком, оставляющим на бумаге свободный след впечатлений. Можно сказать, что в природе линий нет. В то же время мы их видим. Линией мы обозначаем контур предмета, его край, но в жизни этой черты нет. Линия — это знак, она условна, придумана нами как способ обозначения. У человека, рисующего линией, есть свой почерк — своя манера вести линию, обрисовывать контуры предмета. И этот почерк может быть очень разным: строгим или непринуждённым, упругим, энергичным и т. д. Характер линии выражает эмоции, чувства, настроение художника! Выразительным средством композиции является ритм. Приложим руку к груди, послушаем ритм сердца — равномерный и спокойный. Можно предложить учащимся самим найти примеры проявления ритма. Ритм — универсальное природное свойство. Само слово «ритм» в переводе с древнегреческого означает «такт» или «соразмерность». Мы живём в мире изменяющихся ритмов. Прислушайтесь к ритмам города — звук машин, работающих механизмов, шагов, порывы ветра, капли дождя; таких примеров можно найти множество. Ритм можно воспринимать не только на слух, но и зрительно. Понаблюдайте за чередованием света и теней, да просто за движением часовой стрелки. В искусстве возможны перебои ритма, ритмические акценты, неравномерность ритма, т. е. не математическая точность, как в технике, а живое разнообразие, находящее соответствующее пластическое решение. Ритм организует внутреннюю динамику произведения, создаёт определённую музыкальность картины. Ритм можно определить как чередование, повторение через определённый интервал различных элементов изображения (фигур, линий, цветов). Из этих элементов составляется ритмический ряд. Пространство между элементами называется интервалом. Когда интервалы одинаковы, возникает равномерный ритм (например, так работает мотор в машине). Равномерный ритм передаёт ощущение непрерывного движения, однообразного и бесконечного (учебник, с. 33). Такой ритм часто используется при построении орнамента в декоративном искусстве. Но человеческому восприятию не свойственна монотонность (хорошо бы понаблюдать это в действительности, используя для наглядности аллею деревьев, линию электропередачи и др.). Представим себе греческий портик. Стоя лицом к портику, мы видим ряд одинаковых колонн, расположенных на одинаковом расстоянии одна от другой. И это воспринимается нами как метрический ряд. Но если мы поменяем точку зрения, сместимся в сторону и посмотрим на портик под некоторым углом сбоку, то одна колонна перекроет другую, размеры колонн станут разными — в результате тот же самый портик будет восприниматься нами уже не как метрический, а как ритмический ряд. Для нашего глаза привычнее неравномерный ритм, имеющий свои акценты — элементы, наиболее привлекающие наше внимание. Один ритмический рисунок может переплетаться с другим, третьим, создавая ощущение внутренней жизни, движения в картине. Ритм — это дыхание произведения. Можно спокойно и глубоко вздохнуть, а можно дышать прерывисто и напряжённо. Это внутреннее дыхание способно раскрыть самые сильные и глубокие чувства автора. Учитель вправе провести анализ ритмической организации любого произведения на выбор. Можно рассмотреть рисунки Ван Гога, выполненные пером (учебник, с. 31, 165), и сравнить их с рисунками Рембрандта. Ван Гог не продолжает каких-либо традиций в своих рисунках, он опирается целиком на обострённое восприятие ритмического строя окружающей его действительности. Но он не списывает, не повторяет этот ритм, а черпает в нём свои мотивы. Заметим, что художник очень редко прибегал к перекрещиванию, так как оно идёт в ущерб динамике штриха, а динамика для него была очень важна. Такое впечатление, что он работал, мысленно перебирая в уме все осязательные свойства каждой вещи («Вот тут колко, вот тут мягко или кудряво и т. д.»). Если в рисунках, например, Рембрандта (которые Ван Гог, конечно, знал) всегда заключена определённая пластика штриха, то в рисунках Ван Гога скачкообразность ритма часто угрожает цельности произведения, поэтому он использует повторяющиеся нажимы, в некоторых случаях и тождественность штриха. Всё это объединяет композицию рисунка. Например, в работе «Барки на берегу» рваный, динамичный ритм мачт и контуров барок резко контрастирует с плоским, протяжённым пространством песка. Пространство художник изобразил с помощью точечной и декоративной штриховки, а не с помощью воздушной перспективы или тона. Практическая работа: задания на разнохарактерность линий, изображение колыхания трав на ветру. Почувствовать огромные возможности линии помогут несколько заданий. Вариант задания: изображение разнохарактерных почерков. Дети выполняют творческую композицию, используя чередование элементов и пространства. Темы композиции: «Шум дождя», «Крик», «Полёт» и т. д. Вариант задания: изображение трав на ветру. Дети вспоминают ветреный день, как шумит и сгибается под ветром трава, как быстро меняется направление движения трав от порывов ветра. Затем в рисунке передаётся колыхание трав на ветру. Заполняя всё пространство листа, юные художники показывают ритмическое разнообразие чередований травинок, листьев, колосков. Эта работа — не подробное изучение натуры, а передача впечатления от дуновения ветра по траве. Можно предложить работу на выразительность линии под названием «Морское дно». Фон воды выполняется в технике монотипии (вид печатной графики, в котором с каждой пластины можно получить только один отпечаток). Для получения отпечатка краску можно нанести обычной кистью на плотный лист бумаги (или вырезанную из картона форму) и затем, положив сверху второй лист, хорошо прогладить его ладонью. Далее, используя различную толщину линии, ребята рисуют гелевой ручкой или пером снующих рыбок, добавляют колышущиеся в воде водоросли, ракушки и др. Урок: «Пятно как средство выражения. Ритм пятен» Планируемые результаты: овладевать навыками обобщённого, целостного видения формы; овладеть представлениями о пятне как об одном из основных средств изображения; развивать аналитические возможности глаза, видения тональных отношений (светлее — темнее); осваивать навыки композиционного мышления на основе ритма пятен, ритмической организации плоскости листа; овладевать простыми навыками изображения с помощью пятна и тональных отношений; практически осуществить на основе ритма тональных пятен собственный художественный замысел, связанный с изображением состояния природы (гроза, туман, солнце). Понятия: пятно, контраст, тональные отношения, фактура. Практическое задание: изображение природы в разнообразных состояниях (буря, гроза, шторм, туман, серый дождик, солнечный день) (возможны варианты задания). Материалы: тушь, бумага, кисть. Зрительный ряд: П. В. М иту р и ч. Фикус; А. А. Де й н е ка. Девочка у окна; Е. М. Рачёв. Олени; Дж. Констебл. Вид на реку Стур; учебные рисунки (учебник, с. 34—37). Данная тема продолжает темы, посвящённые рисунку и линии. Основная художественная проблема урока — изучение выразительных возможностей пятна, знакомство с тональными отношениями различных пятен. Линия и пятно — основные средства изображения на плоскости, но воспринимаются линии и пятна на листе по-разному. Есть множество сценариев проведения уроков по данной теме, но лучше начать со сравнения линии и пятна. Учитель предлагает учащимся нанести чёрное пятно на лист бумаги или наносит его сам на лист бумаги, прикреплённый к доске. Необходимо обратить внимание учащихся на то, что пятно имеет свой вес, приводит лист в движение, т. е. нарушает впечатление равновесия. С одной стороны, чёрное тяжёлое пятно, а с другой — белое поле нетронутой бумаги. Что перевешивает? Как восстановить равновесие, которое имел чистый лист и которое нарушили, введя чёрное пятно? Учащиеся предлагают свои варианты решения. Можно вырезать пятно из чёрной бумаги, поместить его на лист белой бумаги, прикрепив этот лист на демонстрационную доску с помощью магнитов. Пятно двигают по листу и добавляют к нему дополнительные элементы, пока не будет найдено равновесие. День и ночь, свет и тень... Эти противоположности имеют основополагающее значение в человеческой жизни и в природе вообще. Для художника белый и чёрный цвета являются наиболее сильным выразительным средством, ведь тёмное и светлое образуют контраст. Учитель может предложить рассмотреть цветы, стоящие на подоконнике (против света). На светлом фоне окна так красиво и чётко вырисовывается силуэт цветка или ветки, что хочется взяться за работу! Художник П. В. Митурич много раз рисовал этот мотив («Фикус»). На чистом листе бумаги узор силуэтов по-новому раскрыл всем знакомую натуру. Изучая натуру, художник старался понять в ней самое характерное и передать сложность, ритмичность форм. «Подобно тому, как стрелок из лука точно намечает себе цель, натягивает тетиву и выпускает стрелу, так и пишущий должен сосредоточиться, представить себе форму знаков, а затем с уверенностью в себе сильно и решительно вести кистью» — так говорили китайские живописцы. Если ввести в рисунок ещё и серое пятно, то отношения изменятся. Учитель добавляет на демонстрационный рисунок серое пятно и предлагает учащимся подумать и ответить на вопросы: «Серое пятно светлое или тёмное? При каких условиях серое пятно будет светлым, а при каких — тёмным?» Они совместно приходят к выводу: определить тон какого-либо пятна можно, только сравнив его с другим пятном, т. е. определив тональные отношения этих пятен. Тональные переходы, иногда совсем незаметные, мягкие, — важное выразительное средство изобразительного искусства. Художник должен уметь строить рисунок не только на основе контраста белого и чёрного, но и с учётом отношений к серому пятну, т. е. должен владеть тональной шкалой. Тональные отношения улавливают переходы света и тени от самого тёмного по ступенькам серого к самому светлому. Тон вбирает в себя и представления о цвете предмета. Например, густо-красное кажется более тёмным, чем светло-жёлтое, а голубое по светлоте отличается от красного, жёлтого, зелёного или коричневого. Нередко в набросках, зарисовках, эскизах композиции используются одновременно линия, штрих и тональное пятно (или комбинация «линия и тон»), а также цветовое пятно, когда необходимо передать контрасты тональные и цветовые. Обратим внимание учащихся на то, что само пятно может иметь разную фактуру — поверхность формы (шероховатую, гладкую и др.). Можно предложить учащимся получить пятно, поставив отпечаток пальцами, набрызгами, кляксой, сухой кистью, процарапыванием или путём оттиска смятой бумагой, оттиска любого другого предмета (например, ластиком, кусочком картофеля, плотно свёрнутой бумажной трубочкой и др.). Разнообразная фактура усиливает выразительность рисунка. Практическая работа. Возможно несколько вариантов выполнения задания. Первый вариант: выполнение ступенчатой тональной шкалы. Для этого на листе бумаги намечаем полосу и делим её, например, на десять частей. Закрашиваем чёрной и белой краской крайние её части. Далее закрашиваем части, добиваясь мягкого и сложного перехода от чёрного через оттенки серого к белому. Учитель должен обратить внимание учащихся на то, что между частями не должно быть разделительных полос. Ещё один важный момент работы — в природе нет чёрной и белой красок, всегда найдётся что-то светлее и темнее, поэтому не рекомендуется использовать в работе краски из банок (сразу берутся условные смеси). Второй вариант: изображение природы в разных состояниях. Учитель предлагает учащимся рассмотреть пейзаж Дж. Констебла (учебник, с. 37), а затем рассказать о настроении, выраженном в этой работе, определив художественные средства, которые художник использовал (резкие контрасты: чёрная масса деревьев, земли и динамичные пятна-отражения туч в зеркале воды; чёрная масса деревьев, земли и неба; чёткие формы замка и динамика природных форм и т. д.). Можно использовать в работе мягкий контраст, т. е. сближенные тона, и изобразить туман: светлую гряду деревьев, похожих на дальние горы, на горизонте и серые силуэты деревьев на первом плане. Работать надо сразу кистью «от пятна», без предварительного рисунка. Все рисунки надо начинать с определения композиционного расположения главных объектов изображаемого пейзажа (например, дерево, сарай и дорога; деревья, линия горизонта, контур дальнего леса; край берега реки и лодка; стог сена и ёлка и т. п.). Чтобы добиться выразительной композиции, целесообразно предварительно поискать её в набросках, эскизах, а также использовать видоискатель (в середине листа бумаги вырезаем прямоугольник). Постепенно задачи изображения нужно усложнять: учиться чувствовать настроение природы — спокойную, умиротворённую гладь тихого лесного озера, тревожный закат ночного летнего неба, душистое дыхание цветущей сирени, взволнованность предгрозовой поры, чудо-радугу, праздничность блестящего миллиардами серебристых звёздочек инея на деревьях, романтичность убегающей змейкой за деревенские дома и дальше в поле дороги и т. д. В соответствии с этими задачами необходимо выбирать изобразительные средства. Планируемые результаты: знать понятия «основной цвет», «составной цвет», «дополнительный цвет» и уметь объяснять их значение; иметь представление о физической природе света и восприятии цвета человеком; иметь представление о воздействии цвета на человека; иметь представление о символическом понимании цвета в различных культурах; объяснять значение понятий «цветовой круг», «цветотональная шкала», «насыщенность цвета»; приобретать навык сравнения цветовых пятен по тону; приобретать навык смешения красок, получать различные оттенки цвета; углублять свой творческий опыт, экспериментируя с вариациями цвета при создании фантазийной цветовой композиции; различать основные и составные, тёплые и холодные, контрастные и дополнительные цвета; создавать выразительные образы цветной страны, используя различные возможности цвета. Понятия: цветоведение, спектр, основные и дополнительные цвета, хроматический цвет, ахроматический цвет, цветовой оттенок, цветовой контраст, тёплые и холодные цвета, цветотональная шкала. Практическая работа: учебные и игровые задания на различение цветовых оттенков. Материалы: гуашь, кисти, бумага. Зрительный ряд: цветовой круг, основные и дополнительные цвета, цветотональная шкала (учебник, с. 38—42); Н. П. Крымов. Солнечный день, Зимний день, К весне, Зима. Крыши. Главная художественная проблема урока — систематизировать знания учащихся о цвете и помочь сделать новые открытия в области цветоведения. Изучение цвета — интересная и любимая учителями и учащимися тема. Для художника видимый цветной мир — это мир наших чувств, переживаний, представлений о красоте. Ещё в начальной школе вёлся разговор о важности и значительности цвета в жизни человека («что было бы, если бы все цвета исчезли?»), учащиеся познакомились с тремя основными (красный, жёлтый, синий) и тремя составными (оранжевый, зелёный, фиолетовый) цветами. В VI классе вспоминаем и расширяем знания о теории цвета. Поможет в этом учителю и учащимся учебник. Учение о цвете, включающее совокупность данных физики, физиологии и психологии, изучающих природный феномен цвета, а также совокупность данных философии, эстетики, истории искусства, филологии, этнографии, литературы, изучающих цвет как явление культуры, называется цветове- дением. По физическому состоянию цвет — составная часть света. Физическая теория света (спектр, основные и составные цвета) подробно рассмотрена в учебнике. Учителю, быть может, полезно восстановить в памяти и некоторые другие понятия цветоведения. Красные, оранжевые, жёлтые, зелёные, голубые, синие, фиолетовые цвета и все их промежуточные оттенки называют хроматическими (цветными). Все видимые в природе белые, серые и чёрные цвета принято называть ахроматическими (бес цветными). Хроматические цвета отличаются друг от друга цветовым оттенком, насыщенностью (интенсивностью) и светлотой. Цветовой оттенок — это то, что в повседневной жизни мы называем красным, зелёным, фиолетовым, жёлто-зелёным и другими цветами. Насыщенность — это степень отличия хроматического цвета от серого, равного с ним по светлоте. Эталоном насыщенности принято считать цвета спектра. Чем ближе цвет природы приближается к спектральному и чем сильнее его отличие от серого, тем он насыщеннее. Насыщенность хроматических цветов в природе неодинакова: у одних цветов она выражена больше, а у других — меньше. Примером малонасыщенных цветов могут служить светло-жёлтый, розовый, светло-голубой, бежевый или тёмно-коричневый, тёмно-синий и т. п. цвета. В практике малонасыщенные цвета можно получить путём добавления к хроматическому цвету белой или чёрной краски. От добавления белил полученный цвет становится светлее, от добавления чёрной краски — темнее. Светлота — это степень приближения цветов к белому. Хроматические цвета обладают различной светлотой. Например, жёлтый цвет и его оттенки значительно светлее коричневых, фиолетовых, синих цветов. Светлота может находиться в прямой зависимости от насыщенности цвета (например, светло- и тёмно-красный помидор). Светлота цвета зависит также от того, на каком фоне предмет рассматривается. Ахроматические цвета отличаются друг от друга только по светлоте, т. е. один цвет относительно светлее или темнее другого. Однако среди ахроматических цветов существует большое разнообразие белых, серых, чёрных оттенков. Учитель, знакомя учащихся с теорией цвета, активизирует участие самих учащихся в беседе, задавая вопросы, например: «Какие цвета входят в группу ахроматических цветов? Чем отличаются ахроматические цвета от хроматических? Перечислите основные характеристики цвета» и др. В подтверждение всех теоретических выводов полезно попросить учащихся привести примеры. Например, на простом примере легко убедиться, как отличаются друг от друга ахроматические цвета по светлоте. Если сравнить между собой белый цвет бумаги, гипса, кусочка сахара, белой ткани и белил (гуашь, темпера, масло), то окажется, что одни из них светлее или теплее, чем другие. Чёрные цвета тоже неодинаковы: например, чёрный бархат темнее чёрного сукна, а чёрное сукно темнее чёрного ситца. Но больше всего градаций по светлоте дают многочисленные серые тона (вспомним материал предыдущей темы). Условный, лишённый оттенков основной цвет, свойственный данному предмету, принято называть собственным или локальным. Однако в природе собственную одноцветную окраску предметов увидеть трудно. Цвет в природе всегда находится в соседстве или окружении других цветов. В результате цвета взаимно влияют друг на друга, изменяются по цветовому оттенку, светлоте и насыщенности. Чем ближе друг к другу расположены разноокрашенные предметы, тем яснее и определённее их взаимное влияние. Сохраняя относительное постоянство, собственный цвет предметов и объектов в природе обязательно изменяется под воздействием следующих основных факторов: контрастное взаимовлияние соседних цветов; свойства рассматриваемого предмета и его поверхности; воздушная среда и расстояния; сила и спектральный состав прямого и отражённого света. Влияние всех этих факторов превращает условный цвет предметов и объектов в обусловленный цвет. Поэтому все основные цвета предметов в природе мы видим с многочисленными цветовыми оттенками. От соседства друг с другом цвета изменяются по светлоте. Так, любой цвет в окружении более тёмных светлеет, а в окружении более светлых темнеет. Это явление называется контраст по светлоте. Мы наблюдаем этот эффект в природе, когда в пасмурный зимний день белый снег кажется нам светлее неба. В действительности небо всегда светлее, так как оно и есть источник света, однако в силу контраста между снегом и гораздо более тёмными строениями, кустами, деревьями тон снежной поверхности земли кажется светлее тона неба. По этой же причине белая стена дома в пасмурный день тоже может выглядеть светлее неба. Разнообразные контрасты по светлоте исследовал в своих пейзажах Н. П. Крымов. Учитель может проиллюстрировать сказанное работами мастера. Учащиеся уже понимают важность определения светлоты цвета, так как знакомились с этими понятиями на предыдущих уроках. При выполнении практических заданий особые затруднения вызывает нахождение разницы по светлоте между холодными и тёплыми цветами. Светящиеся красные тона на картинах Рембрандта так выразительно сияют лишь благодаря контрасту с более тёмными. Когда Рембрандт хочет добиться сияния жёлтых тонов, то погружает их в относительно светлый цветовой ряд, в то время как насыщенный красный в этом окружении начинает производить впечатление просто чего-то тёмного и теряет свою звучность. Знание закономерностей восприятия цвета — необходимый элемент обучения учащихся живописи. Возможно, требовать от учащихся точных формулировок понятий нет необходимости, но сам учитель должен понимать причины возникновения ошибок в процессе обучения живописи и предупреждать их. От соседства друг с другом цвета не только изменяются по светлоте, но и приобретают новые цветовые оттенки. Например, в окружении красного серый цвет кажется немного позеленевшим, а на зелёном фоне, наоборот, — розоватым, покрасневшим. Жёлтый цвет в окружении красного воспринимается позеленевшим, на зелёном фоне он смотрится красноватым, имеющим оранжевый оттенок (Н. П. Крымов. Жёлтый сарай), а на синем фоне — более насыщенным, так как синий цвет является дополнительным цветом к жёлтому. Эти явления в изменении цветов называются хроматическим (цветовым) контрастом. Учитель может предложить учащимся понаблюдать за изменениями цветовых оттенков, сделав простые постановки из одного предмета и фона (например, помещаем разные предметы яркого цвета — лимон, апельсин, помидор и т. д. — на белый или серый фон). Можно заметить, что фон будет принимать оттенки, контрастные цвету предмета (он будет выглядеть то более холодным, то более тёплым). Учащиеся также могут выполнить этюды. О насыщенности цветов учащимся дадут представление простые задания на наблюдение (можно написать этюд). Помещают, например, зелёный огурец сначала на зелёном, а потом на красном фоне (или помидор сначала на красном, а потом на зелёном фоне). Учащиеся убеждаются в том, как выигрывает цвет в своей насыщенности рядом с контрастным цветом и как он блекнет на фоне близкого цвета. Можно предложить учащимся понаблюдать характер поверхности предмета, т. е. его фактуру (гладкую, шероховатую, матовую, блестящую и т. д.), сравнить поверхности ломтика арбуза и, например, ломтя хлеба и т. д. Ребята могут выполнить небольшие этюды. Для художника законы научного цветоведения важны, но ещё важнее особенности восприятия цвета человеком. Человек, удивляясь цветовому богатству мира, всегда стремился дать цветам необычные названия. Среди живописцев, остро чувствовавших цветомузыкальные соответствия, можно назвать М. Чюрлёниса, А. В. Лентулова, В. В. Кандинского. Практическая работа: учебные и игровые задания на понимание свойств цвета. При выполнении практической работы учитель должен учитывать явление цветового утомления или адаптации к определённому цвету. Следует делать перерывы в работе, давать отдых глазам, чтобы по возможности избежать тонально-цветовых ошибок. Полезно выполнить задание на разные оттенки цвета. Нарисовать полосу, разделить её на клетки, закрасить крайние клетки основными цветами, например синим и жёлтым, красным и синим, жёлтым и красным. А клетки между ними закрасить разными оттенками, полученными путём смешения двух заданных цветов (учебник, с. 42). Можно выполнить на уроке и игровое задание — придумать сказочный мир цветной страны (Изумрудный город, Шоколадный замок, Солнечный город и др.). Главное — получить множество оттенков одного цвета. При этом важно помнить, добрый или злой мир мы изображаем, например, для Шоколадного замка нужны одни оттенки коричневого цвета, для коричневого порядка в стране Дракона — другие. Начнём работу с разметки композиции и проложим общий фон. Небо и земля, например, в Изумрудной стране совсем не голубого и коричневого цветов, а имеют разные оттенки зелёного (причём желательно исключить готовый зелёный цвет). Каким будет фон, светлым или тёмным, решать автору. Затем выполним постройки — пишем красками по фону, используя разную толщину кистей. Добавляем детали композиции — деревья, пруд, облака и т. д. В завершение работы прорабатываем мелкие детали. Урок: «Цвет в произведениях живописи» Планируемые результаты: характеризовать цвет как средство выразительности в живописных произведениях; объяснять понятия «цветовые отношения», «тёплые и холодные цвета», «цветовой контраст», «локальный цвет», «сложный цвет»; различать тёплые и холодные оттенки цвета; уметь объяснять понятие «колорит»; развивать навык колористического восприятия художественных произведений, учиться любоваться красотой цвета в произведениях искусства и в реальной жизни; обретать творческий опыт в создании красками цветовых образов с различным эмоциональным звучанием; овладевать навыками живописного изображения. Понятия: живопись, колорит, локальный цвет, тёплые и холодные цвета, цветовой контраст. Практическая работа: изображение осеннего натюрморта (цветы, осенние ветки, плоды) с разным настроением (натюрморт радостный, праздничный или грустный, тихий). Вариант задания: изображение осеннего пейзажа с разным настроением («Праздник золотой осени», «Осенняя грусть» и т. д.). Материалы: гуашь или акварель с белилами, кисти, бумага. Зрительный ряд: живые осенние букеты и плоды; произведения живописи (натюрморты, пейзажи) с ярко выраженным цветовым состоянием: В. Ван Го г. Ирисы; И. Э. Грабарь. Хризантемы, Осень. Рябина и берёзы; К. А. Коровин. Цветы и фрукты, На берегу моря; С. В. Герасимов. Сирень; А. А. Пластов. Сенокос (фрагмент) и др. Живопись — это вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо твёрдую поверхность. Живопись с помощью красок может передать цветовое богатство мира, объём и материальность предметов, пространство и световоздушную среду. Цвет придаёт произведениям живописи особую, по сравнению с другими видами изобразительного искусства, жизненность, ведь мир мы видим цветным. Мы говорим «трава зелёная», «небо голубое», «лимон жёлтый», но это означает собственный, неизменный цвет предмета, который называется предметным или локальным цветом. В природе же мы локального цвета практически не видим. На него существенно влияет целый ряд факторов (освещение, окружение, удалённость предмета). Если посмотреть внимательно, то мы увидим в реальности множество оттенков любого локального цвета. Цвет в жизни никогда не остаётся неизменным, цвет надо учиться видеть. В основе живописи — цветовые отношения. Система соотношений цветов и их оттенков, образующих определённое единство (гармонию) в произведении живописи, носит название колорит (от слова «колор» — цвет, краска). Другими словами, «колорит — это цветовой строй произведения, взаимосвязь всех его цветовых элементов» (учебник, с. 45). Колорит — важнейшее средство эмоциональной выразительности в живописи. По характеру цветовых сочетаний колорит может быть тёплым или холодным, светлым или тёмным, спокойным или напряжённым, лирическим или драматическим; по степени насыщенности цвета он может быть ярким или приглушённым, сдержанным, блёклым, звонким или тихим. Рассматривая репродукции на страницах учебника (а также на слайдах, подобранных учителем), учащиеся учатся определять характер колорита в произведениях живописи. Художники передают цветовое состояние окружающего мира живым смешением красок. Учитель на уроках, посвящённых живописи, постоянно должен это подчёркивать. Локальная краска превращается в живописный колорит взаимопроникновением и взаимодополнением цветов; большое значение имеет сочетание цветовых пятен, их ритмическое взаимодействие, а также характер мазка, фактура живописного слоя. Дети учатся видеть и передавать в собственных живописных работах тональные градации, использовать цветовые контрасты, различный характер мазка (лёгкий, прозрачный, густой, пастозный), добиваясь тем самым эмоциональной выразительности. Практическую работу можно начать с составления «палитры настроений»: сочетаниями цветовых пятен передать состояние напряжённости, тревоги, таинственности, нежности, радости и т. д. В качестве материалов можно взять гуашь, акварель или использовать цветную бумагу и выполнить задание в технике аппликации. Учащиеся легко приходят к выводу, что, даже ничего конкретного (предметного) не изображая, только с помощью цвета и цветовых соотношений можно выразить различные человеческие чувства. Далее шестиклассникам предлагается прочитать в учебнике тексты к заданиям (с. 46, 47) и сделать живописное изображение осеннего букета периода золотой осени или периода поздней осени (по выбору), передав в одном натюрморте радостное и праздничное настроение, а в другом — тихое и грустное. Натюрморты выполняются гуашью или акварелью с белилами без предварительного рисунка карандашом. Учитель напоминает детям, что работать следует отношениями пятен цвета, видеть цвет предмета не отдельно от других цветов, а во взаимосвязи с ними, стараться передать оттенки предметного цвета, продумать, какой выбрать фон для лучшего выражения настроения в радостном или грустном натюрморте. Следует также обратить внимание на характер мазка, его разнообразие (мелкий, крупный, по форме предмета). В качестве дополнительного (вариативного) задания можно предложить детям изобразить осенний пейзаж с разным настроением («Праздник золотой осени» или «Осенняя грусть»). Эмоциональный настрой задаётся изображением осенней земли и неба (именно с них надо начинать изображение пейзажа), потом туда вписываются деревья (ближние и дальние), кусты и т. д. Пейзаж оживят стаффажные фигурки людей, написанные обобщённо. На уроке вполне органично могут прозвучать стихи русских поэтов об осени, а также в качестве эмоционального фона отрывки из музыкальных произведений мажорного и минорного звучания. Завершает урок просмотр творческих работ и обсуждение их с точки зрения выражения в работе живописными средствами различных настроений и состояний. В конце урока учащиеся приходят к пониманию, что живопись способна раскрывать сложный мир человеческих чувств, передавать тончайшие оттенки настроения, выражать содержание, которое хотел вложить в своё произведение автор. Урок: «Объёмные изображения в скульптуре» Планируемые результаты: знать виды скульптурных изображений и их назначение в жизни людей; характеризовать основные скульптурные материалы и условия их применения в объёмных изображениях; рассуждать о средствах художественной выразительности в скульптурном образе; осваивать простые навыки художественной выразительности в объёмном изображении животных различными материалами (лепка и бумагопластика). Понятия: скульптура, монументальная и станковая скульптура, мелкая пластика, рельеф, характер материала, фактура, анималистический жанр. Практическая работа: объёмные изображения животных в разных материалах. Материалы: пластилин, глина, мятая бумага, природные материалы. Зрительный ряд: Микеланджело. Давид (фрагмент); О. Роден. Граждане Кале (фрагмент); Л. Гиберти. Барельеф (учебник, с. 48—51); рисунки и скульптурные произведения анималистического жанра: работы В. А. Ватагина, И. С. Ефимова, Д. Ф. Цаплина, А. Г. Сотникова, П. М. Кожина, А. Ф. Белашова и др. Скульптура — очень древнее искусство: первобытный человек лепил из глины, вырезал из кости и высекал из камня фигурки — первые скульптурные произведения. Позднее римляне ввели в оборот слово «скульптура», что значит «вырезать», «высекать». А древние славяне назвали это искусство ваянием. Но термин скульптура обозначает не только вид искусства, связанный с художественным воспроизведением действительности в объёмно-пространственных формах, но и сами произведения этого искусства — статуи, бюсты, рельефы и т. д. Учитель может начать беседу с учащимися с вопроса: «Какие виды скульптуры вы знаете?» Целесообразно также обратиться к вопросам в учебнике (с. 51). Обобщая ответы учащихся, учитель говорит о том, что скульптура делится на монументальную и станковую. Скульптурные памятники, статуи, парковая скульптура — это монументальные формы скульптуры, пространственно они связаны с архитектурным ансамблем города, с природным окружением. Станковая скульптура не связана напрямую с архитектурой, она более камерна и обычно размещается в выставочных залах, музеях, других интерьерах. Кроме того, существует скульптура малых форм — мелкая пластика. Произведения мелкой пластики (статуэтки, маленькие фигурки из фарфора, фаянса, стекла, дерева, металла, камня, керамики) можно встретить практически в любом доме. Они очень разнообразны и по фактуре, и по содержанию (сюжету). Чаще всего это бытовые фигурки, жанровые сценки, в которых преобладает мягкий юмор, улыбка, доброе, светлое отношение к действительности. Эту скульптуру порой трудно отличить от традиционной народной игрушки (дымковской, филимоновской, каргопольской и др.). От игрушки скульптура малых форм заимствовала важную особенность — цвет. Небольшие статуэтки, как правило, расписываются, и цвет усиливает их выразительность. В процессе рассказа-беседы учитель вывешивает на доске таблички с новыми терминами и определениями, учащиеся могут записать их в тетрадь по искусству. Современная станковая скульптура обычно сохраняет естественный цвет материала — камня, дерева, металла. Материал с его характерным цветом, фактурой поверхности, прочностью и другими присущими ему свойствами становится в искусстве скульптуры одним из средств художественной выразительности. Природный материал может пробудить творческую фантазию автора, направить на определённое содержание и решение образа скульптуры. Особенно ярко это видно на примере скульптуры из дерева (произведения С. Т. Конёнкова, С. Д. Эрьзи). Шестиклассники, рассматривая скульптурные изображения на страницах учебника, слайдах или в Интернете, приходят к выводу, что художественный материал для скульптора является важнейшим средством выражения его мыслей и идей. Характер материала составляет важнейшую характеристику образа. По форме изображения различают скульптуру круглую и рельеф. Учащиеся без особого труда смогут ответить, чем эти виды скульптуры отличаются друг от друга. Круглая скульптура трёхмерна, она существует в реальном (в отличие от иллюзорного пространства в живописи и графике) пространстве. Большое значение при восприятии скульптурных форм имеет освещение. Полезно обсудить с учащимися значение света и тени в скульптуре. Далее следует коснуться проблемы жанров в скульптуре. Учащимся предлагается ответить на вопросы: «Чему (точнее, кому) посвящены скульптурные изображения?» и «Что доступно скульптуре, а чего она изобразить не может?». Оказывается, несмотря на то что скульптура вещественна и материальна, изобразить в этом виде искусства можно не всё. Изображения в скульптуре в основном посвящены человеку, а также животным. Впрочем, в рельефе, где изображение строится на плоскости, выступая над плоскостью или углубляясь в неё, могут присутствовать элементы пейзажа или мира вещей. Наконец, очень важно отметить, что, хотя скульптура имеет вполне реальные, осязаемые («как живые») формы, в этом виде искусства есть своя условность языка изображения. «Скульптура никогда не повторяет буквальную форму натуры, а преображает её в художественный образ со своей темой, содержанием и выражением авторского отношения» (учебник, с. 50). На эту мысль, приведённую в учебнике, следует обратить особое внимание. Практическая работа посвящается анималистическому жанру — созданию детьми в материале изображений животных. Дети, безусловно, обращались к этому жанру в начальной школе. Теперь даётся определение анималистического жанра; дети более широко знакомятся с произведениями художников-анималистов и делают изображения животных в различных материалах, используя их разные выразительные возможности. В конце урока работы выставляются на просмотр. Учащиеся обсуждают, как материал влияет на образ, в какой степени удалось выразить характер животного, передать его пластику. Урок: «Основы языка изображения» Планируемые результаты: уметь рассуждать о значении и роли искусства в жизни людей; уметь объяснять, почему образуются разные виды искусства, называть разные виды искусства и объяснять их назначение; уметь объяснять, почему изобразительное искусство — это особый образный язык; рассказывать о разных художественных материалах и их выразительных свойствах; участвовать в обсуждении содержания и выразительных средств художественных произведений; участвовать в выставке работ учащихся по изучаемой теме. Понятия: язык изобразительного искусства, средства художественной выразительности. Зрительный ряд: произведения разных видов и жанров изобразительного искусства (в том числе учебник, с. 52, 53). На данном уроке происходит обобщение темы четверти «Виды изобразительного искусства и основы образного языка». Учитель может выбрать любой сценарий проведения урока: посвятить последний урок четверти беседе, провести праздник искусства — организовать выставку работ, выполненных за четверть, пригласив художников, которые будут представлять свои работы, и зрителей — родителей, одноклассников, учителей школы. Можно предложить учащимся выполнить коллективную проектную работу на тему «Роль изобразительного искусства в твоей жизни» (для этого целесообразно использовать различные электронные ресурсы, Интернет). Говоря о языке изобразительного искусства, учителю важно помнить о социальной функции искусства. «Сутью социальной функции искусства всегда была возможность (в силу форм общения со зрителем) проникновения в „гущу жизни“ с целью её художественно-образного анализа и вынесение итогов этого анализа на суд общества...» — пишет Б. М. Не- менский. Функции связаны с языком. Для того чтобы вызвать отклик и переживания зрителя, художнику нужно мастерство. А мастерству необходимо учиться. Язык изобразительного искусства — это язык выразительной формы. В первой четверти учащиеся познакомились с главными средствами изобразительного языка — средствами выразительности: линией, пятном, тоном (отношение тёмного и светлого) и цветом. Учащиеся узнали о том, что такое художественный образ и какие бывают художественно-выразительные средства живописи и графики, а также что такое тон и тональные отношения, колорит, цветовой контраст. Учащиеся получили начальные представления о фактуре в живописи и графике, о ритме и композиции. В качестве закрепления материала учитель предлагает ребятам ответить на вопросы, предложенные в учебнике (с. 53). Изучение искусства в школе призвано сформировать у учащихся художественный способ познания мира, дать систему знаний и ценностных ориентиров на основе собственной художественно-творческой деятельности и опыта приобщения к выдающимся явлениям русской и зарубежной художественной культуры. В процессе выполнения заданий, в сознательном выборе средств выразительности и художественных техник подросток может проявить свою индивидуальность, реализовать творческие способности. Культура является сложнейшей системой накопления человеческого опыта, выступая для последующих поколений как точка отсчёта в развитии, как комплекс уникальных ориентиров, стратегий и образцов высочайшего качества. Произведения изобразительного искусства всех времён соединяют нашу жизнь с историей и культурой, передают нам опыт давно ушедших поколений, нацеливают на размышление о будущем. Пш ЧКВ'ШСВР'ШЬ Мир наших вещей. Натюрморт Роль воображения в творчестве художника, умение изображать фантазии и умение изображать реальность. Изображение предметного мира в изобразительном искусстве разных эпох. Навыки графического изображения предметов. Понятие о конструкции предмета и его форме. Представления о композиции и навыки композиционного решения натюрморта. Художественно-выразительные средства изображения в натюрморте. Графический и живописный натюрморт: навыки изобразительной деятельности. Натюрморт как отражение мировоззрения художника и его времени. Натюрморт как творческая лаборатория художника. Натюрморт в искусстве ХХ века. |