Кабалевский 1 - 8кл.программа. Программа по предмету Музыка для IVIII классов основной школы представляет собой вариант программы, разработанной авторским коллективом под руководством Д.
 Скачать 1.37 Mb.
|
|
Примерный музыкальный, литературный и художественный материал Матушка, матушка, что во поле пыльно? М. Матвеев, слова народные. Неравный брак. В. Пукирев. Вальс о вальсе. Ж. Брель (исполнение на французском языке). Прощальная лагерная. Музыка и стихи И. Грибулиной. Сколько нас. О. Хромушин, стихи И. Дика. Зеленая рощица, русская народная песня. Повесть о настоящем человеке. Опера. С. Прокофьев. Сцена Алексея и Клавдии из пятой картины. Повесть о настоящем человеке. Б. Полевой. Во кузнице, Камаринская, Калинка, Светит месяц, Ай, на горе дуб, Как у бабушки козел. Русские народные песни. Симфония № 6 (Патетическая). П. Чайковский. Фрагменты 1-й части. Портрет хирурга С. С. Юдина. М. Нестеров. Сентиментальный вальс фи минор. П. Чайковский. Итальянское каприччио. П. Чайковский. Фрагменты. Вальс № 14 ми минор. Ф. Шопен. На побережье тайном. М. Теодоракис. Я — фронт. Музыка и слова М. Теодоракиса. Русский текст Т. Сикорской. Сиртаки, греческий народный танец. Симфония № 5. Л. Бетховен. Фрагменты 1-й и 4-й частей. Свобода на баррикадах. Э. Делакруа. Органная фуга соль минор. И.-С. Бах. Прелюдия № 8 ми минор из «12 маленьких прелюдий для начинающих». И.-С. Бах. Весенняя песня. И.-С. Бах. Русский текст С. Гинсбург. Ты шуми, зеленый бор. И.-С. Бах. Русский текст Д. Томского. Хорошо темперированный клавир. Том I. И.-С. Бах. Фуга ре-диез минор. Соната № 20 для фортепиано. Л. Бетховен. Менуэт, 2-я часть. Соната №7 для фортепиано. Л. Бетховен. Экспозиция 2-й части. Канон (Прошу вас всем хором гамму пропеть). Л. Бетховен. Концерт № 2 для фортепиано с оркестром. С. Рахманинов. 1-я часть. Этюд № 12 для фортепиано ре-диез минор. А. Скрябин. Патриотическая песня (Москва). М. Глинка, слова А. Машистова. Россия, Россия. Ю. Чичков, слова К. Ибряева. Золотой петушок. Опера. Н. Римский-Корсаков. Сюита Шествие. Камертон, норвежская народная песня. Русский текст Я. Серпина. Чудо-музыка. Д. Кабалевский, стихи 3. Александровой. Сторона моя, Песня Гудвина. И. Космачев, слова Л. Дербенева. Из мультфильма «Волшебник Изумрудного города». Песня о друге. Музыка и стихи В. Высоцкого. Из кинофильма «Вертикаль». Облака. Музыка и стихи В. Егорова. Окно. М. Минков, слова Э. Мошковской. Замыкая круг. К. Кельми, слова М. Пушкиной. Прощальный вальс. А. Флярковский, слова А. Дидурова. Из кинофильма «Розыгрыш». Как здорово. Музыка и слова О. Митяева. Второе полугодие В ЧЕМ СИЛА МУЗЫКИ После того как учащиеся поняли, что музыка, воздействуя ни людей, влияет на жизнь, преобразует ее, естественно поставить перед ними вопрос: в чем же заключается сила музыки, помогающий ей воздействовать на человека? В «Предварительных замечаниях» к программе VI класса было уже сказано, что этот достаточно сложный, многогранный вопрос можно ставить пока лишь в самой общей форме, доступной пониманию школьников среднего возраста. И как обычно, начинать рассмотрение этой новой темы следует на уже знакомом, понятом и хорошо прочувствованном материале. На первом уроке из такого материала можно выделить два эпизода из оперы М. Глинки «Иван Сусанин», являющиеся в драматургическом плане опорными: Арию Сусанина и хор «Славься!». Пусть ребята восстановят в своей памяти эту музыку. На вопрос, красивая ли это музыка, они, несомненно, ответят утвердительно. Вот тут и надо предложить им, как это предусмотрено в «Предварительных замечаниях», представить себе нечто невероятное - перестановку музыки обоих эпизодов: Сусанин поет свою арию на музыку хора «Славься!», а музыка этого хора заменена музыкой сусанинской арии. Никто, конечно, не назовет полученные результаты красивыми. В самом деле, какая красота может быть в предсмертной арии, которую исполняют в радостном мажоре, в быстром темпе, с громогласной медью в оркестре и колокольным перезвоном?! Или в хоре, славящем победу, в сумрачном миноре, в медленном движении, тихо, под еле слышные аккорды струнных инструментов? Куда же делась бесподобная красота музыки Глинки? Почему она исчезла? Да потому, что исчезла правда. Ведь то, что получилось при перестановке музыки, прежде всего оказалось неправдой, так не бывает в жизни, так не может, не должно быть в искусстве. Неправда не может быть красивой. Неправда и красота несовместимы. Теперь вернемся к этой музыке, как она была написана М. Глинкой. И спросим себя: неужели вся красота этой музыки заключалась только в красоте мелодии, гармонии ритма и оркестровки? Неужели только эти чисто музыкальные достоинства волнуют нас, когда мы ее слушаем? Не боясь ошибиться, можно высказать предположение, что если и не все, то большинство учащихся скажут, что красота этой музыки заключалась не только в самой музыке, но и в том, что она выражает, о чем рассказывает. И вряд ли кто-нибудь не согласится с тем, что в арии Ивана Сусанина красивы его мужество и благородство, его любовь к Родине, которая ему дороже всего на свете, дороже жизни, красив его подвиг, потому что подвиг — это высшее проявление красоты человеческого духа. Герой, совершающий подвиг, всегда прекрасен. И для выражения в музыке подвига Сусанина М. Глинка нашел прекрасные, правдивые средства музыкальной выразительности. Желательно, чтобы на этом уроке ария Сусанина прозвучала (в записи) целиком, включая заключительную часть, в которой ребята услышат глубокое волнение, испытываемое Сусаниным в его тяжкий, смертный час. Все сказанное об арии Ивана Сусанина по-своему относится и к хору «Славься!». Жизненная правда неотделима от правды искусства, так же как красота искусства неотделима от жизненной красоты. Так в доступной форме перед учащимися раскрывается понимание прекрасного в жизни как представления о благородных целях и действиях человека, о его духовной силе, душевной красоте, самоотверженности, долге перед Родиной. Эта мысль может быть раскрыта на примере песни В. Соловьева-Седого «Баллада о солдате», которую ребята будут разучивать. Пусть они почувствуют, как в музыке этой песни сочетается неторопливая маршевость и лирическая задушевная распевность, услышат в ней русские народные песенные интонации. Очень точно найденные слова и музыкальные интонации помогли поэту и композитору правдиво рассказать о подвиге смелых солдат и так же правдиво передать в песне наше отношение к этому подвигу и его героям: мужественным простым людям, верившим в правоту своего дела. На занятиях во втором полугодии большое значение придается воспитанию у школьников ощущения и понимания широты творческого стиля композитора, многогранности его восприятия жизни. Эта задача будет решаться на примерах музыки Баха, Моцарта, Прокофьева, Рахманинова, Чайковского. В первом полугодии учащиеся слушали музыку Баха. В чем же заключается красота этой музыки, оказывающей неотразимое воздействие на людей вот уже более двухсот пятидесяти лет? С помощью учителя ребята могут дать разные ответы, каждый из которых будет отмечать то или иное из многочисленных достоинств музыки Баха. К этим достоинствам можно отнести выразительность интонаций, их запоминаемость. Это очень важно, потому что именно Узнавание главных интонаций, появляющихся то в одном, то в Другом голосе, помогает нам следить за движением полифонической ткани музыки Баха. Именно удивительное искусство полифонии, неистощимая фантазия композитора и напряженность развития его музыки так увлекают слушателей. Самое же главное, что воздействует на нас в музыке Баха, — это ярко выраженная жизненная сила, желание сделать человека благородным, свободным, гордым. В музыке Баха передано все богатство и разнообразие чувств. Есть у него произведения и радостные, и печальные, и сосредоточенно-раздумчивые, и несущиеся, как стремительный поток, есть у него музыка трагическая, а есть шутливая, танцевальная. Примером такой танцевальной музыки, пронизанной незатейливым народным юмором, может служить пьеса из Сюиты № 2 И.-С. Баха для струнных инструментов с флейтой, которую он назвал «Шутка». В этой пьесе как бы сплетаются полифония с гомофонией (это у Баха встречается нередко). Флейта здесь солирует, и музыку, которую она играет, мы воспринимаем как главный голос в гомофонной пьесе. А все другие голоса (струнные инструменты) одновременно и аккомпанируют флейте, сопровождаю! ее, как в гомофонной пьесе, и в то же время достаточно самостоятельны и непрерывно сплетаются друг с другом, как это обычно бывает в музыке полифонической. В связи с исполнением «Шутки» надо напомнить учащимся, что сюитой называется сочинение из нескольких частей (4 и больше), близких друг другу по характеру. У Баха много таких сюит, состоящих преимущественно из старинных танцев. На этом же уроке учащиеся могут разучить полифонический двухголосный вокализ, построенный на интонации баховской музыки. Вокализ этот носит шутливый характер, и при его исполнении надо добиваться большой легкости и остроты. Используя метод «забегания вперед» в темы VIII класса, можно отметить еще одну особенность музыки Баха — ее современность. Музыка Баха и в настоящее время широко известна и любима. Необходимо продолжать рассматривать с учащимися основную тему — в чем сила музыки — на новой грани этой темы — значении музыкальных обработок. В музыке очень часто встречаются разного рода обработки, переложения. Встречались они много раз и на наших уроках начиная с I класса. Вспомнить, как песенные темы становились симфоническими (это были народные песни «Журавель» и «Во поле береза стояла» в симфониях Чайковского). Как песня-романс Глинки «Жаворонок» превращалась в фортепианную пьесу Балакирева, а учащиеся сами пели мелодию фортепианного концерта Рахманинова в виде хорового вокализа. Такие переложения, обработки делались всегда, делаются и в наше время, но не надо думать, что это легко и просто. Ведь хорошо сделанная отработка может украсить, обогатить, дать новую жизнь музыке, а плохая, безвкусно сделанная может испортить произведение. В прошлом было сделано и сегодня делается много разных обработок сочинений Баха. Многие композиторы переделывали его органные сочинения для фортепиано. Фортепианные пьесы Баха великолепно звучали на гитаре, а сам композитор переделывал свои скрипичные сочинения для клавесина. В наше время появились обработки оркестровых пьес Баха для хора (или вокального ансамбля). Дело в том, что во многих сочинениях Баха для хора с оркестром голоса хора и инструменты оркестра исполняют одинаковую музыку. Например, то, что поют женские голоса, играют скрипки, а то, что поют голоса мужские, играют виолончели и контрабасы. Поэтому несложные инструментальные пьесы Баха иногда очень красиво звучат в вокальном исполнении. Примером обработки такого рода может служить «Шутка» из Сюиты № 2, о которой уже шла речь. Учащимся предлагается послушать ее в исполнении инструментального ансамбля «Свингл Сингерз». Это своеобразная обработка хороша тем, что забавное звучание голосов отлично подчеркивает шутливый характер пьесы, а ударные инструменты (у Баха их не было) удачно подчеркивают танцевальный характер пьесы. Переложение оркестровой пьесы Баха в исполнении вокально-инструментального ансамбля в известной мере связало XVIII век, когда Бах сочинил свою музыку, с XX веком, когда стали делать такие переложения. Музыку русского композитора И. Стравинского, ученика Н. Римского-Корсакова, учащиеся уже слушали — это была часть из его балета «Петрушка»: «народное гулянье» с плясками, шарманкой, танцами балерин... Теперь предлагается послушать его Сюиту № 2 для небольшого симфонического оркестра. «Шутка» Баха была лишь одной частью сюиты. Сюита Стравинского прозвучит целиком, причем вся она, все ее четыре маленькие части — «Марш», «Вальс», «Полька» и «Галоп» — пронизаны юмором. Это, можно сказать, сюита, состоящая из четырех шуток. (Вновь и вновь встречаем мы «трех китов» в самых разных сочинениях.) Стравинский сперва написал свою «Сюиту» для двух фортепиано, а уже потом сделал переложение для оркестра. «Шутка» Баха и Сюита № 2 Стравинского — сочинения, абсолютно не похожие одно на другое (в сравнении с Сюитой Стравинского «Шутка» Баха может показаться и не такой уж шутливой). И все же их можно поставить в один ряд — в ряд произведений, жизненным содержанием которых является юмор, шутка, баловство, веселая улыбка. Все эти черты очень важны в жизни. Пошутить, улыбнуться должен уметь каждый, иначе он будет скучным человеком. А скучные люди всегда всем бывают в тягость. Конечно, шутить надо вовремя и шутки не должны быть глупыми и грубыми. Вовремя произнесенная хорошая, умная шутка доставляет людям удовольствие, поднимает настроение, и в этом заключена добрая роль, которую она играет в жизни. От музыкальной Шутки мы, конечно, не ждем глубоких мыслей, широких мелодий, напряженного развития, крупных форм. Мы ждем от нее изящества, легкости, остроумного звучания. Новая грань темы — правда и красота музыки, рисующей картины природы, рассказывающей об отношении человека к природе, о воздействии природы на человека. Учащиеся уже убедились в том, что искусство (это относится и к музыке, и к литературе, и к изобразительному искусству) связано с природой так же тесно, как связана с природой вся жизнь человека, что музыка часто бывает красива именно потому, что рассказывает о красоте природы, а следовательно, и о красоте жизни. Песня «Ты слышишь, море?» А. Зацепина также связана с темой природы, с романтической мечтой ребят о море. Среди всех русских композиторов никто так не любил природу, никто так хорошо не знал и не чувствовал ее, никто не умел так изумительно передать ее красоту в музыке, как И. Римский-Корсаков. В большинстве своих произведений композитор воспевает природу — море, лес, солнце, разное время суток и времена года. Из всех его произведений на первое место может быть поставлена одна из самых поэтичных опер во всем мировом оперном искусстве — «Снегурочка». Опера эта написана на сюжет сказки А. Островского. Сочинял ее Римский-Корсаков с огромным увлечением: чтобы написать всю оперу вчерне, ему понадобилось всего лишь два с половиной месяца! «Ни одно сочинение до сих пор не давалось мне с такой легкостью и скоростью, как «Снегурочка», — писал позже Римский-Корсаков. — Я сочинял каждый день, и целый день... музыкальные мысли преследовали меня неотступно». Композитор назвал свою оперу «Весенней сказкой» и рассказал в ней о том, как прекрасная пора года — весна — неизбежно уходит, уступая место лету. Дочь Мороза и Весны нежная, хрупкая Снегурочка тает под лучами летнего солнца. В музыке оперы звучат отголоски русских народных песен, пастушьи наигрыши, голоса певчих птиц. Слушая музыку, ощущаешь очарование русской природы, красоту русской песенности, пронизывающей всю оперу. В своей первой арии «С подружками по ягоды ходить» на вопрос Мороза и Весны, что влечет ее из зимнего лесного царства к людям. Снегурочка отвечает: «Людские песни». В этой арии она поет о человеческих радостях, которые ей недоступны, но которые ее манят к людям. В песне пастушка Леля слышит она призыв к веселой, счастливой, незнакомой ей жизни и идет навстречу этой жизни. Надо обратить внимание ребят на то, что в этой песне Леля удивительнейшим образом сочетается простота, почти наивность, с огромным музыкальным богатством. Причина этого коренится, видимо, в том, что Римский-Корсаков объединил очень выразительную и увлекательно развивающуюся мелодию народно-песенного склада с двумя яркими изобразительными моментами: раскатами грома и наигрышем пастушьей свирели. На какую же судьбу обрекла себя Снегурочка? Она полюбила людские песни, полюбила людей, познала чувство нежной любви к человеку. Но жизнь остановить нельзя: за зимой идет весна, за весной лето. Дочь Мороза и Весны не может войти вместе с людьми в жаркую пору лета. Но разве мы любим весну меньше оттого, что она уступает место лету? Разве мы поэтому забываем о ней? Поразительной красоты музыку написал Римский-Корсаков, рисуя картину таяния Снегурочки — ее трогательное прощание с жизнью и одновременно восхищение этой жизнью. Едва слышимые слова жителей Берендеева царства, пораженных исчезновением полюбившейся всем Снегурочки, и нежное журчание арфы (как журчание весеннего ручейка, оставшегося от Снегурочки) относятся к числу самых вдохновенных страниц музыки Римского-Корсакова. Сто лет слушают миллионы людей — и детей и взрослых — эту оперу и восхищаются ею. Она учит нас любоваться красотой природы, красотой песен, красотой человеческих чувств. И не только любоваться, но и беречь — беречь природу, песни и чистые, добрые человеческие чувства... Одной из важнейших особенностей всех выдающихся композиторов является широта их взгляда на мир и, как следствие, широта жизненного содержания их музыки. Понемногу школьники будут убеждаться в том, что в творчестве таких, например, композиторов, как Бах, Моцарт, Бетховен, Чайковский, Прокофьев, Шостакович, есть и музыка глубоко трагическая, и музыка шутливая, веселая, есть страницы нежнейшей лирики, есть и эпизоды бурные, страстные, есть и крупные произведения глубочайшего жизненного содержания, есть и маленькие «пустячки», не претендующие на значительность и серьезность. И в то же время каждый из этих композиторов имеет и свою излюбленную область творчества, свои характерные черты, свое, как мы говорим, творческое лицо, свой творческий стиль. Таков и В.-А. Моцарт (Пусть сами учащиеся попытаются назвать имя Моцарта, после того как учитель напомнит им самое начало Симфонии №40 или «Рондо в турецком стиле» из фортепианной Сонаты №11.). Мы всегда узнаем его музыку по ее какой-то особой чистоте, ясности, прозрачности. Обычно говорят, что в музыке Моцарта преобладает солнечность. Пожалуй, это верно. Но музыка Моцарта может вызвать в слушателях не только радостную улыбку, но и горькую, печальную слезу. Сегодня мы услышим два отрывка из двух его именно таких, очень разных сочинений. Сначала — последнюю часть («Рондо») из небольшой сюиты для струнных инструментов. Сюита называется «Маленькая ночная музыка» (Иногда это сочинение называют «Маленькой ночной серенадой»), а финал назван так, как называется форма, в которой он написан (пусть ребята после исполнения этой музыки сами определят, как называется эта форма). «Маленькая ночная музыка» относится к типу сочинений, которые раньше писали специально для ночных праздников, поэтому в ней преобладает легкий танцевальный характер. Следующий отрывок взят из самого последнего сочинения Моцарта, которое он не успел закончить. Сочинение это называется «Реквием», т. е. музыка, написанная в память об умерших, погибших. Это большое сочинение для солистов, хора, оркестра и органа. «Реквием» — одно из лучших творений Моцарта и, несомненно, лучший из всех реквиемов, написанных многими композиторами. В классе звучит самая короткая, но, несомненно, самая прекрасная часть из «Реквиема» Моцарта, называемая латинским словом «Lacrimosa» (такие сочинения раньше писали на латинском языке), что можно перевести как «Слезная» или «День, исполненный слез». Потрясающей красоты хоровую мелодию сопровождают короткие (из двух звуков), словно стонущие, плачущие интонации оркестра. Перед звучанием «Lacrimosa» пусть ребята разучат вокализ, построенный на главной мелодии этой музыки. Так музыка одного и того же композитора может заставить нас улыбнуться и испытать печаль. И опять — сила этой музыки не только в ее чисто музыкальной красоте, но и в глубокой жизненной правдивости: «Маленькая ночная музыка» точно соответствует настроению ночного праздника; музыка «Lacrimosa» с удивительной глубиной передает настроение человеческой скорби. Увертюра Г. Свиридова «Время, вперед!» к одноименному кинофильму дает учителю повод для беседы о том, насколько современна эта музыка, каково ее содержание, в чем сила ее воздействия. В этой музыке композитор хотел выразить дух нашей эпохи, передать то, чем живут сегодня все добрые люди на земном шаре: стремление сделать жизнь как можно лучше, красивее, а главное — сделать всех людей на Земле свободными, счастливыми и радостными. В этой музыке слышится пульс современного мира, в этом и правда, и красота, и сила этой музыки. В короткой беседе, после того как отзвучит «Время, вперед!», надо попытаться подвести ребят к выяснению, как построена эта музыка: контрастные интонации на едином движении (пульсе). Ребята должны ясно услышать «вторжение» мужественной, героической темы, которую играют трубы на фоне непрекращающегося «дробного», словно стремительная скачка, движения струнных инструментов. Молодежи сегодняшнего дня посвящен Концерт № 3 для фортепиано с оркестром Д. Кабалевского. В этой музыке ощущается атмосфера нашей сегодняшней жизни, может быть, кто-то почувствует в ней отражение собственного характера. С одним эпизодом из этого концерта ребята познакомились еще в начальной школе. Песня «Наш край» звучала там в виде темы с несколькими вариациями. Учащиеся, вероятно, вспомнят и мелодию, и название песни, и фамилию композитора, сочинившего фортепианный концерт, во 2-й части которого эта песня звучит. Если про музыку «Время, вперед!» можно было сказать, что в ней ощущается пульс стремительного движения нашей эпохи, то про музыку концерта можно сказать, что она передает пульс жизни нашей молодежи. Композитор стремился воплотить в своей музыке увлекательную радость и красоту юности, ее неутомимую энергию и легкое дыхание, не знающее усталости. В этой музыке господствует песенность, танцевальность и маршевость, словно композитор хотел сказать: это музыка о всей молодежи, о всех ребятах без исключения, ведь песня, танец и марш входят в жизнь каждого человека. 1-я часть симфонической сюиты С. Прокофьева «Зимний костер» — «Отъезд» должна прозвучать без каких-либо предварительных комментариев. Следует лишь предупредить учащихся, что это будет еще незнакомая им музыка уже хорошо знакомого композитора. После того как эта музыка прозвучит, пусть ребята попытаются сами разобраться в ней. По общему характеру звучания, по характеру главных интонаций, по энергичному, радостному, оживленному характеру движения и по наличию в музыке явных изобразительных черт ученики, надо думать, без особого труда, с опорой на накопленный опыт, услышат в этой музыке самих себя (образ ребят), точно определят ее настроение (взволнованно-радостная устремленность) и ясно услышат ее изобразительный характер (перестук колес, паровозные гудки). В итоге весь класс сможет прийти к определению замысла автора (авторской программы), ясно выраженному в стихах С. Маршака, которые С. Прокофьев предпослал своей музыке (при исполнении «Зимнего костра» здесь между другими частями сюиты чтец читает стихи); Хочет каждый из ребят Сесть к окну поближе, По углам торчком стоят Смазанные лыжи. Плавно тронул паровоз. Город, до свидания! Проезжают без колес За окошком здания. Вот и кончились дома. В окнах посветлело. Подмосковная зима Блещет гладью белой. Кроме того, учащиеся смогут, вероятно, ответить и на некоторые вопросы, связанные с художественными особенностями «Отъезда»: кто исполняет? (Симфонический оркестр.) В каком ладу написана музыка? (В мажорном ладу, без единого отклонения в минор.) В какой форме она написана? (В широко развитой трехчастной форме: вступление, главная тема (дважды повторенная), средний эпизод (также с повторенной темой) и снова главная тема — реприза.) Определить композитора, вероятно, будет труднее. Но тут поможет сопоставление музыки «Отъезда» с главной темой Пети из симфонической сказки «Петя и волк». Если сыграть на фортепиано первые такты темы Пети и вступительной темы «Отъезда», а потом сравнить вершины этих двух тем, добавив к ним главную тему «Отъезда», ясной станет интонационная близость всех этих тем. Главное же — в обоих сочинениях слышится образ ребят-подростков (эта музыка явно не о «взрослых», а о детях, малышах!). Так можно подвести ребят к тому, что они смогут определить композитора — автора «Отъезда». «Отъезд» станет еще одним примером, показывающим, что воздействие музыки на слушателя зависит от того, насколько они правдива, т. е. насколько верно воплощает жизненное содержание и насколько точны, увлекательны и художественно совершенны выразительные средства, примененные композитором в данном сочинении. На этом же уроке учащиеся могут начать разучивать новую песню, по содержанию, по теме своей близкую прокофьевском «Зимнему костру», — «Хорошо, что есть каникулы!» композитора Д. Львова-Компанейца. При разучивании и исполнении этой песни надо обратить особое внимание на синкопы, в которых сильная доля такта как бы перемещается на слабую. Использование синкопированного ритма придает мелодии остроту, свежесть, а кроме того, большую упругость, напористость. Перед звучанием фрагмента Концерта для смешанного хора «Лебедушка» В. Салманова надо лишь сказать фамилию композитора (указав, что он наш современник) и название произведения. О самой музыке, о том, кем и как она будет исполнена, до того как ребята ее услышат, говорить ничего не надо. Но они, несомненно, эмоциональнее и глубже воспримут эту музыку, если учитель, исходя из названия сочинения, скажет им о том, какие прекрасные птицы лебеди; о том, что они обычно живут дружными семьями; о древнем поверье, что лебедь поет один раз в жизни — перед смертью («лебединая песня»); о том, что стая окружает умирающего лебедя и плывет вокруг него до последней минуты: о том, что, когда лебедушка умирает, от тоски по ней умирает и ее лебедь. Лебедь — красивейшая, царственно величавая птица. Недаром в народе говорят про красивую, статную девушку: «плывет, словно лебедь». И не случайно писатель Б. Васильев свое произведение назвал «Не стреляйте в белых лебедей!», т. е. берегите красоту жизни, красоту человеческой души... Свою «Лебедушку» Салманов написал на народные слова о том, как увел лебедь лебедушку из одной стаи в другую и как тоскливо стало без лебедушки в родной ее стае. После прослушивания 4-й части концерта «Увели нашу подружку» ребята с помощью учителя разберутся в этой музыке и отвеет на вопросы: кто исполнял эту музыку? (Смешанный хор без сопровождения — а капелла.) Были ли солисты? (Был один солист — тенор.) Какую новую особенность услышали в исполнении? (Большую часть сочинения хор не поет, а говорит — то тише, то громче, то совсем шепотом, но всегда в определенном ритме.) Есть ли в музыке изобразительные моменты? (Шепот хоровых голосов не только выражает растревоженность лебединой стаи, но и отлично изображает журчание воды.) Есть ли в музыке какие-либо контрасты? (Привычных контрастов «тихо -громко» и «медленно - быстро», равно как ярко контрастных мелодий, нет, но есть постоянный контраст между «шелестом» основной массы хоровых голосов и широкой, русской, народного характера распевностью в партии солиста.) После разбора дать ребятам вторично послушать эту музыку, чтобы они глубже оценили правдивость и высокую художественность, с которыми композитор воплотил свой замысел. В частности, обратить внимание на единство русского песенного склада стихов и композиторской музыки. Можно отметить, что прием «речевой декламации» (как в «Лебедушке») часто встречается в современной музыке. В классе не раз уже звучала музыка С. Рахманинова «Итальянская полька», мелодия 1-й части Концерта № 3 для фортепиано с оркестром, «Вокализ», 1-я часть Концерта № 2 для фортепиано. Вспоминая все эти сочинения, учитель должен сначала наиграть на фортепиано самое их начало, с тем чтобы проверить, насколько сохранились они в памяти учащихся: пусть те, кто запомнил эти сочинения, сами произнесут их названия и фамилию автора. Теперь прозвучит еще одно очень известное произведение С. Рахманинова — романс «Весенние воды» на слова поэта Ф. Тютчева. Это одно из самых светлых, радостных сочинений не только Рахманинова, но и всей русской музыки конца прошлого века. Русскую природу Рахманинов (как и Чайковский) воспевал во многих своих произведениях. Но, как у Чайковского (а в живописи — у Левитана), природа в музыке Рахманинова почти всегда тихая, спокойная, нежно-певучая (вспомним «Осеннюю песнь» Чайковского, «Вечерний звон» Левитана). А вот теперь — природа буйная, словно восторженный гимн приближающейся весне, гимн радости, гимн обновленной жизни. Опираясь на собственные впечатления и наводящие вопросы учителя, учащиеся должны прийти к выводу о большой и важной роли, которую играет в романсе фортепианное сопровождение, о его выразительном и изобразительном значении. Если это сопровождение заменить простыми аккордами, сразу же исчезнет образ «вешних вод», ощущение стремительного бега, пропадет картина маленьких ручейков, сливающихся в широкую, бурную реку. Ребята должны также заметить, что вокальная линия состоит из непрерывно видоизменяющихся, почти все время новых и новых интонаций. Это очень не похоже на привычное строение песенных мелодий с почти неизменно повторяющимися фразами: одними в запеве, другими в припеве, что и создает в таких песнях ясное впечатление двухчастности. В «Весенних водах», несмотря на кажущуюся смену эпизодов, форма должна быть определена учащимися как сложная одночастная. Они должны услышать также кульминацию романса на слова: «...она нас выслала вперед». Подчеркнуть, что кульминация — это самая важная точка сочинения (но необязательно самая громкая!). После этого романс может быть повторен. Романс «Весенние воды» одинаково хорошо звучит в исполнении и женского, и мужского голоса, и в сопровождении фортепиано, и с оркестром. Отлично звучит он и в переложении для детского хора. В фортепианном и в оркестровом сопровождении этого романса живо, очень правдиво передал Рахманинов то, о чем «поют» стихи Тютчева: «Весна идет! Весна идет! Мы молодой весны гонцы, она нас выслала вперед!» В этой музыке мы слышим, как маленькие весенние ручейки, стекаясь вместе, превращаются в бурную реку, ломающую остатки льда и стремительно несущуюся вперед. И кто знает, может быть, романс «Весенние воды» отразил взволнованную мечту об обновлении русской жизни... Еще в начальной школе ребята узнали о том, что между музыкой разных народов мира нет непереходимых границ, хотя музыка народов Европы зачастую совершенно не похожа на музыку народов Закавказья, Средней Азии, Латинской Америки, Африки и др. По отношению к музыке русской и — шире — славянской (русской, украинской, белорусской) наибольший контраст представляет музыка среднеазиатских народов. Ребята познакомятся с сочинением таджикского композитора Фаруза Бахора, который к юбилею древней узбекской столицы — прекрасного города Самарканд — написал небольшую пьесу для симфонического оркестра «Мараканда» (так раньше назывался Самарканд). Эта пьеса превосходно рисует картину радостного, праздничного торжества с приближающимися и удаляющимися шествиями, с безудержно веселыми плясками и песнями, с ослепительными фейерверками. Всю эту пьесу можно уподобить праздничному фейерверку, рассыпающемуся в небе тысячами пестрых, ослепительно ярких звезд (вспомнить по ассоциации «Празднества» К. Дебюсси). Слушая «Мараканду», ребята обратят внимание на то, какими художественными средствами Бахору удалось так ярко и правдиво воплотить в музыке свой замысел. В сущности, почти все эти средства учащимся хорошо знакомы, но звучат они по-новому сочетаются друг с другом и даны в таком заостренном виде, в каком они еще ни разу не слышали их. С острыми ритмами школьники уже встречались. Вспомним хотя бы сиены из балетов А. Хачатуряна («Гаянэ») и К. Караева («Тропою грома»). Но в опоре на особенно богато развитую ритмику народной музыки Средней Азии Бахор достиг в своей пьесе такой ритмической остроты, которая, вероятно, поразит слушателей своей необычностью. Учащиеся уже встречались и с очень разными типами звучания симфонического оркестра — от очень мягкого, нежного, с преобладанием певучей звучности скрипок (как, например, в мелодии из Симфонии № 6 П. Чайковского) до непривычно красочного у А. Хачатуряна, Р. Щедрина, К. Караева. В «Мараканде» оркестровое звучание еще более необычно. Скрипки играют самые свои низкие звуки, деревянные и медные духовые, напротив, самые высокие. Множество различных ударных ведут за собой весь оркестр, а иногда остаются одни и неистово выбивают самые сложные ритмы. Здесь господствует танцевальность. Широких, распевных мелодий в «Мараканде» нет, преобладают короткие, яркие полевки, близкие к интонациям узбекской и таджикской музыки. Возможно, что у самих ребят после первого же прослушивания «Мараканды» возникнет ассоциация с «Танцем черных» из балета «Тропою грома» К. Караева. В этом случае можно сказать, что ассоциация вполне закономерна не только благодаря некоторой общности в звучании обоих произведений, но и потому, что таджикская, узбекская и азербайджанская музыка при всех их различиях и самобытности выстраиваются в один ряд, который мы называем «музыкой Востока», а к ней по своему характеру частично примыкает и музыка многих народов Африки. Для разучивания на этом же уроке ребятам можно предложить «Песню про жирафа» Ю. Чичкова. Это песня-шутка, требующая легкого и вместе с тем острого звучания. Ее надо петь весело, с улыбкой. Пусть ребята сами определят форму этой песни, нечасто встречающуюся: запев и двухчастный припев, вторая часть которого — полифоническое сплетение голосов — исполняется без слов, на слог «ля». Хорошо сравнить эту песню с «Шуткой» Баха, где подвижный, легкий верхний голос, придающий мелодии танцевальный характер, сопоставляется с поддерживающим его нижним голосом. Контраст звучания голосов становится здесь одним из приемов, способствующих созданию шуточного, беззаботного настроения. В этом полугодии прозвучит один из самых знаменитых вальcoв И. Штрауса — вальс из оперетты «Летучая мышь». Этот вальс захватывает слушателей красотой своих бесконечно развивающихся мелодий, богатством неожиданных для вальса ритмов, яркостью и блеском оркестрового звучания. Удивительно правдиво передает музыка Штрауса чувства счастливого человека: здесь и восторженная радость, и нежность, и щедрая любовь к окружающему миру, и красота этого мира, а прежде всего, конечно, красота человеческого сердца. «Жизнь прекрасна» — вот что говорит Штраус своей музыкой и, кажется, хочет, чтобы все с ним согласились. В этом и правда, и красота его музыки. И вот еще на что следует обратить внимание, слушая этот вальс: на то, как его танцевальность отличается от танцевальности «Мараканды» Бахора. Танцевальность вальса Штрауса сочетается с увлекательной мелодичностью. Такая «танцевальная песенность» (или «песенная танцевальность») свойственна всем вальсам Иоганна Штрауса. В середине прошлого века в некоторых странах Европы, особенно в Австрии и Германии, широкое распространение стал приобретать хорошо нам известный танец — вальс. Небольшие вальсы для фортепиано сочиняли еще Моцарт и Бетховен — они называли их просто «немецкими танцами». Потом появились чудесные лирические вальсы Шуберта, а вслед за ними еще более совершенные, поэтичнейшие вальсы гениального польского композитора Шопена. Некоторые из них уже звучали на уроках. В, Вене в прошлом веке появилось удивительное семейство по фамилии Штраус. Уже Иоганн Штраус-отец прославился как сочинитель вальсов, а потом знаменитыми стали три его сына, все сочинявшие только танцы, главным образом тоже вальсы. Самым талантливым из сыновей оказался старший, названный по имени отца — Иоганном. Он превзошел и отца, и двух братьев, и всех своих современников, тоже сочинявших входивший в моду танец. Его прозвали «королем вальсов» и, чтобы не путать с отцом, стали называть Иоганн Штраус-сын. По примеру своего отца Штраус стал сочинять вальсы для симфонического оркестра, и не только для балов, где под них танцевали, но и для концертных залов, где их слушали как любую другую симфоническую музыку. О том, как успешно началась музыкальная жизнь Штрауса, говорит хотя бы тот факт, что в первом же концерте, в котором он выступал как композитор, как скрипач и как дирижер, его вальс, которым начиналась программа, по требованию публики был повторен 4 раза, а заключительный — 19 раз! Просто невероятный успех! Штраус написал 500 танцев для оркестра — полек, галопов, но более всего — вальсов. Он сочинил также много (16) оперетт, и музыке которых господствует танцевальность, и, конечно, много превосходных вальсов. Штраус был и талантливым дирижером, исполнявшим не только свою музыку, но и музыку композиторов — своих современников. Много раз приезжал Штраус в Россию и, помимо своей музыки, дирижировал сочинениями русских композиторов, в том числе Глинки и Чайковского. Более ста лет прошло со времени создания штраусовских вальсов, но они и сегодня звучат во всем мире, радуя и восхищая людей. Эмоционально-смысловой кульминацией полугодия может стать № 1 си-бемоль мажор для фортепиано с оркестром П. Чайковского. Ребята без труда узнают мелодию украинской «Веснянки», а многие, вероятно, вспомнят и то, что «Веснянка» легла в основу музыки последней (3-й) части Концерта № 1 Чайковского. Скоро он приобрел славу одного из самых лучших фортепианных концертов среди всех когда-либо написанных лучшими композиторами мира. Сегодня уже нет, вероятно, на земном шаре ни одного пианиста, в репертуаре которого не было бы Концерта № 1 Чайковского. Студенты консерваторий, готовящиеся стать пианистами, мечтают о том, чтобы скорее наступил момент, когда профессор разрешит им приступить к его разучиванию. В Москве каждые четыре года устраиваются Международные конкурсы молодых пианистов имени П. Чайковского. В заключительном туре этого конкурса каждый его участник должен сыграть с оркестром Концерт № 1 Чайковского. На уроке прозвучат 2-я и 3-я части Концерта № 1. Перед этим надо сыграть ребятам главные темы обеих частей, чтобы они дали определения характера этих тем: во 2-й части первая тема— лирическая, песенная, нежная и т. д.; тема среднего эпизода (ее надо сначала сыграть помедленнее) — вальс, в котором школьники, возможно, услышат нерусский характер (тогда им интересно будет узнать, что это мелодия французской песенки, которую Чайковский в юности любил напевать со своим братом). В Концерте № 1 мелодия этой песенки звучит как очень быстрый, веселенький вальс. Пусть ребята дадут также определения двум контрастным темам финала Концерта № 1 (первой — танцевальной, второй — песенной). После исполнения необходимо выяснить у ребят, насколько они уловили контрасты не только внутри обеих частей между отдельными темами, но и между обеими частями. Пусть выскажут возможно больше определений, а потом общими усилиями отберут лучшие из них, наиболее отвечающие характеру музыки. Следует напомнить учащимся о том, что словом концерт в давние времена обозначалось музыкальное соревнование, состязание и конверты для каких-либо инструментов с оркестром рассматривались именно как соревнование солиста с оркестром. Бывало, что в некоторых концертах «победителем» оказывался оркестр, т. е. оркестр играл главенствующую роль, а солист — вспомогательную, а бывало и наоборот — партия солиста подчиняла себе звучание оркестра. Пусть ребята сами пытаются определить, услышат ли они такое «состязание» в Концерте № 1 Чайковского и, если услышат, то кто же, по их мнению, оказался «победителем». Ответы на этот вопрос учитель должен направлять так, чтобы ребята пришли к выводу, что в этом концерте нет ни победителя, ни побежденного. Солист соревнуется с оркестром непрерывно, на протяжении всего концерта, но Чайковский талантливо и умело использует в своем сочинении все возможности и фортепиано, и оркестра и достигает в результате их слияния, полнейшего «равновесия». И солист, и симфонический оркестр объединились и вместе воспевают красоту, богатство и силу человека, красоту, богатство и силу самой жизни! При обобщении тем года надо подчеркнуть, что музыку рождает жизнь, каждое музыкальное произведение независимо от его жанра и масштабов отражает жизнь, хоть малую ее частицу. Мы и называем это жизненным содержанием музыки. Но только тогда, когда жизненное содержание воплощено в музыкальном произведении талантливо и мастерски, возникает настоящее произведение искусства, способное выразить правду жизни, ее богатство и красоту, независимо от того, маленькая это песенка или многочастная симфония. Только тогда музыка может оказать влияние на человека и тем самым выполнить свою преобразующую роль. Ребята учатся понимать и чувствовать жизненное содержание, правдивость музыки и красоту ее художественной формы не только в вокальных сочинениях, где надежным помощником становится) слово, стихи, поэтический текст, и не только в сочинениях «программных», в которых «программное» название раскрывает замысел автора и ведет восприятие по определенному пути. Они учатся понимать и чувствовать также и музыку без слов и без «программных» заголовков, то есть учатся воспринимать содержание самого музыкального образа, сопоставляя его с правдой, богатством и красотой человеческих чувств, мыслей и поступков. В течение всех лет занятий музыкой ребята слушали, исполняли и пытались разобраться во множестве самых разных произведений, рожденных самыми разными сторонами жизни и воздействующих тоже на самые разные стороны жизни. В дальнейшем они узнают и ощутят на себе, что музыка (конечно, если это по-настоящему хорошая музыка) «возвращает в жизнь» не только то, что «от жизни взяла», но больше, зачастую добавляя что-то новое, чего раньше в жизни не было. Так, Глинка, взяв из жизни простые напевы русских песен (даже не самые напевы, а лишь их характер), вырастил из них потрясающую музыкальную трагедию «Иван Сусанин» — такой трагедии до Глинки русская музыка не знала. Выразив в музыке свое счастье, свою радость, свою печаль, композитор способен выразить радость, счастье и печаль великого множества людей. Рассказав в своей музыке об одном герое, он может воплотить в этой музыке судьбу многих героев. Вот почему смело можно сказать, что музыка (как и всякое другое искусство) не только отражает жизнь, но и обогащает ее, обогащает людей, значит, и каждого из нас, наши сердца и наш ум, даже если мы не всегда сами это замечаем. |