История хореографического искусства. ИСТОРИЯ ХОРЕОГРАФИЧЕСКОГО ИСКУССТВА заочка. История хореографического искусства учебное пособие
 Скачать 209.67 Kb.
|
|
Тема 1.3. Народные истоки русского балета Зарождение различных танцев на Руси относится к глубокой древности. Точно установить время появления плясок очень трудно. Так, старинные изображения пляшущих людей сделаны были в VI веке н. э. В древнем искусстве славян неразрывно сочетались музыка, слово и танец. Об этом свидетельствуют такие выражения, как «играть песню», «ходить песню», «водить песню». Связь танца и песни во все времена придавала русской народной пляске особое очарование, мелодичность, певучесть и содержательность. Древнейшими народными плясками на Руси были пляски, изображающие трудовые процессы. Обычно их исполняли в то время года, когда производились те или иные сельскохозяйственные работы. Часто вместе с трудовыми танцами исполнялись и любовные. Например, пляска-игра «А мы просо сеяли, сеяли» имела форму вокально-танцевального диалога. В ней изображался процесс сеяния проса, а солисты одновременно передавали в танце выбор и похищение невесты. Пляска-игра объединяла обряд, связанный с пахотой и севом, и обряд сватовства и выдачи девушек замуж. В древние времена были также пляски охотничьи, военные, религиозно-культовые, возникновение которых связано с поклонением солнцу. Пробуждение природы от зимнего сна славяне изображали в плясках-играх весеннего праздника «семик», или, как его еще называли, «русалии». Во время этого праздника юноши и девушки водили хороводы вокруг березки, прыгали через костры, гадали, устраивали поминки на могилах родственников. В день летнего солнцестояния, 23 июня, был праздник Ивана Купалы. Молодежь прыгала через костры, пускала венки по реке, водила хороводы. Осенью, как правило, славили плодородную землю, справляли «обжинки», а в период зимнего солнцестояния — святки. На святках ряженые исполняли гротесковые сатирические и комические танцы. За святками тоже с плясками, песнями и хороводами праздновали масленицу. Каждое событие в жизни человека — свадьба, рождение младенца и даже похороны — сопровождалось пляской. Это так называемые обрядовые и бытовые пляски, Из них особо следует выделить свадебные, поскольку вся свадьба — большое представление — сопровождалась плясками. Самым древним русским народным танцем был хоровод. Он сопровождался песней. Хоровод — массовый танец, его рисунок — простой круг, олицетворял движение солнца вокруг земли. Под пение танцующих в хороводе разыгрывались целые сценки. В шуточных хороводах участники изображали животных и птиц. В танце-игре «Заинька» юноша наряжался зайцем, вертелся, подпрыгивал, стремился вырваться из круга танцующих. В хороводе «Воробышек» солист должен был точно передать походки молодицы, старика, хромого, скупого, пьяного, нищего, купца, боярина. Все это он исполнял по заданию танцующих или хора. Русские народные пляски были сольными и массовыми. Массовые пляски — это прежде всего пляски-игры, хороводы, а позднее — кадрили, ланцы, тестеры и т. д. Но особенно хороша русская сольная пляска, когда соревнуются двое мужчин в буйном переплясе, танцуют девушка и парень в парном поединке: Девушка в нем кокетливо зазывает, а юноша стремится ответить ей лихостью и удалью. В сольной пляске от танцующего требовалось выразительное исполнение — высокое техническое мастерство и актерское дарование, умение передавать содержание танца зрителю. При этом содержание передавалось обязательно в реалистической, достоверной форме, без условностей и символичности. Пляска имела четкую драматическую основу. Все эти качества в дальнейшем составили главное слагаемое русской национальной танцевальной культуры, русского балетного театра. Первыми профессиональными исполнителями русского народного танца были скоморохи. На Киевской Руси скоморошество было весьма популярно. В те далекие времена скоморохов считали существами, отмеченными богами, а искусство их — служением божеству. Поэтому в былинах, например, где говорится о скоморохах, их называют «вещими», «святыми». Вначале скоморохи были мастерами на все руки, сочетающими в своем искусстве многие жанры. Постепенно в соответствии с жанрами, в которых они работали, стали выделяться отдельные группы бахарей-сказителей (сочинителей и рассказчиков сказок и былин), музыкантов-гудошников, медвежатников, певцов, плясунов, глумотворцев (первых сатириков). Они образовывали особые «ватаги», которые бродили по Руси и давали представления - позорища (зрелища). Ордынское иго на очень долгие годы задержало развитие русской национальной культуры и искусства. Только в конце XV века, с объединением русских княжеств вокруг Москвы и окончательным изгнанием захватчиков, открылся путь дальнейшего развития отечественной культуры, в том числе и танцевального искусства. Если раньше плясунами-профессионалами были только мужчины, то теперь появились первые профессиональные танцовщицы. Как правило, это были жены скоморохов. Мастерство исполнения русских плясок скоморохами было высоким. Об этом свидетельствуют пословицы: «Всяк спляшет, да не как скоморох», «Не учи плясать, я и сам скоморох», «Что за веселье без скомороха». Многие из исполнительских приемов, выразительных средств первых плясунов, передаваясь из поколения в поколение, дошли до наших дней: присядки, дроби, верчения, и др. В 16 веке скоморошество на Руси было еще очень распространено. Скоморохи давали свои представления и в княжеских палатах. Царь Иван Грозный, например, лично принимал участие в их выступлениях, используя искусство глумотворцев в своей борьбе с боярами за утверждение абсолютной монархии. Однако уже в XVII веке скоморошество подверглось жестоким гонениям, главным образом со стороны церкви, которая объявила это искусство «бесовским». Вскоре и светская власть стала преследовать скоморохов. При царе Алексее Михайловиче, когда в результате обострения классовых противоречий по всей Руси прошла волна народных выступлений, в которых прямо или косвенно участвовали скоморохи, была издана специальная грамота, запрещающая скоморошество. Преследования власть имущих подорвали основы скоморошества, и оно, лишенное материальной поддержки (вконец разоренный народ не в состоянии был поддерживать его), пришло в упадок, начало изживать себя. Только в XVII веке искусство скоморохов снова поднялось, возродилось, но уже в форме балагана, ярмарочного театра. И тем не менее скоморошество еще в своей старой форме сыграло большую роль в развитии русской танцевальной культуры, в сохранении ее национальных корней, в передаче этого искусства последующим поколениям и, наконец, в разделении профессиональных танцев на мужской, требующий от исполнителя виртуозности, и женский, изящный, грациозный. Именно искусство плясунов-скоморохов указало путь национального самоопределения русского народно-сценического танца и развития русского балета. Непосредственными продолжателями скоморошьих представлений были игрища — короткие народные театральные представления сатирического характера, высмеивающие человеческие пороки, изображающие вечную тему борьбы добра и зла. Основными выразительными средствами игрищ были пляски и пантомима, с помощью которых и передавалось содержание. Большой интерес в плане развития профессионального танцевального искусства представляет школьный театр XVII века. Именно в нем наметился переход от народных форм представлений к профессиональному театру. Школьные театры были в Киеве, Смоленске, Полоцке, Твери, Москве, Ярославле, Ростове. В их организации принимали участие ученики духовных семинарий и академий. Основной тематикой школьных спектаклей были евангельские и библейские, исторические сюжеты. Между актами школьных представлений включались интермедии. Это были небольшие сценки, близкие к игрищам. В интермедию почти всегда входил танец. Игрища, народная комедия, кукольная комедия, театр Петрушки давали возможность сохранить русский народный танец своеобразным и красочным, виртуозным и удивительно выразительным. Это в свою очередь сохранило его для современного балетного театра и еще раз убедило в его животворности. Изучая древние обряды, русский народный танец разных эпох и поколений, мы узнаем, как в балетное искусство, пришедшее в Россию из Европы, были привнесены и исконно русские национальные краски, и новые движения, и новый пластический рисунок. Вопросы для самоконтроля: Виды древних русских танцев в зависимости от содержания. Каковы были отличительные черты каждого вида? На какие группы делились танцы по количеству исполнителей? Кто были первым профессиональными исполнителями танцев на Руси? Каково было отношение к ним вначале и впоследствии? Тема 1.4. Зарубежный балетный театр эпохи Возрождения Основные черты развития танцевального искусства В эпоху Возрождения начинают развиваться торговля и промышленность, растут города. Под натиском новых идей отступают старые порядки, прославляется красота и разум человека, воспеваются земные радости жизни, расцветает искусство. В это время танец приобретает большое значение. Без него не обходятся не только балы, вечера, но и пышные уличные празднества, достигающие порой необычайной яркости и великолепия. Танец становится особенно популярным. О нем сочиняются специальные трактаты, создаются академии танца, призванные хранить и развивать пластическое искусство. Произошел переворот в отношении к танцу. С точки зрения ортодоксального средневекового мировоззрения танец всегда имел оттенок греховного занятия. В новую эпоху ценят изящное обхождение, умение танцевать и нравиться дамам. Рыцарский турнир – главное поприще для демонстрации доблести в средневековье - уступает теперь место бальному залу. В дворцовых залах итальянских вельмож устраиваются театральные представления типа интермедий с песнями и танцами. Танцы составляют основу этих роскошных зрелищ. Обучение танцу становится обязательной принадлежностью воспитания в аристократической среде. В эпоху Возрождения танец становится нечто большим, чем просто развлечением. Возрождаются древние представления о глубоком воздействии танца на духовное и физическое состояние человека. На страницах танцевальных трактатов часто высказывается мысль о том, что физические движения отражают психические, душевные движения. В 15 - начале 16 века танцевальное искусство наиболее пышно расцветает в Италии. Балы во Флоренции 15-16 веков - образец великолепия, красочности, изобретательности. В это время появляются специальные танцевальные школы, профессиональные танцмейстеры, и, что особенно важно, трактаты и практические руководства. Авторы трактатов о танцах – Доменико да Пьяченцо, Гульельмо Эбрео, Туано Арбо, Фабрицио Карозо. В зависимости от характера танцевальных движений можно выделить две большие группы танцевальных жанров эпохи Возрождения: танцы со свободной хореографией, танцы с хореографией типизированной. Первую группу составляют сценические танцы, исполнявшиеся во время маскарадов и придворных театральных представлений профессиональными танцовщиками. Такие танцы не имели строго зафиксированной хореографии. Танцевальные движения создавались каждый раз заново в зависимости от сюжета и индивидуальности танцовщика. Движения таких танцев были импровизационными, включали элементы пантомимы, сложные фигуры и прыжки. В другую группу входят так называемые «общественные» - бытовые и бальные танцы; это танцы, которые исполнялись большими группами людей как на деревенских вечеринках, так и на аристократических балах. Бальные танцы предполагали коллективное исполнение и поэтому движения в них необходимо было упорядочить. В трактатах 15 века впервые появляется буквенная система записи движений танца - табулатура. Бытовые танцы эпохи Возрождения Народная танцевальная культура была тем источником, откуда черпались движения, фигуры, танцевальные композиции танцев. Придворные танцы эпохи возрождения в большинстве своем -народные танцы, переработанные и видоизмененные согласно правилам этикета. Только незначительное число танцев возникло непосредственно в дворцовой среде. Аристократическое общество придало народным танцам черты изысканности, рафинированной красоты. Народные танцы этого времени сохраняют массовый и круговой характер; аристократы выстраиваются в колонны парами согласно чинам. Первым идет король или герцог с супругой, затем самые знатные аристократы или члены королевской фамилии. Техника танцев 14-15 веков необычайно проста. В основном это променадные танцы. Композиция большинства из них была построена на поклонах, приближениях и удалениях исполнителей друг от друга. Почти все танцы сопровождались бесконечными поклонами, исполнению которых придавалось большое значение, так как они были частью придворного этикета. Несмотря на то, что появляется огромное количество новых танцев, различные слои общества еще долго сохраняют танцы, популярные в эпоху позднего средневековья. Народ по- прежнему любит бранли. Танцы со свечами и факелами распространяются по всей Европе. Самыми популярными танцами 15-16 веков были бассдансы. В этот период учителя танцев – танцмейстеры - создают канонические формы танцев, которые старательно и пунктуально изучает привилегированное общество. Этому способствуют и учебники танцев, где систематизируются движения и делается попытка зафиксировать танцевальные композиции. Наиболее популярные танцы эпохи Возрождения: павана, гальярда, бранль, куранта, вольта, сарабанда, гавот, аллеманда. В эпоху Возрождения при дворах европейских вельмож сложилась танцевальная сюита. Она состояла из медленного торжественного танца (дворцовый бранль, бассданс, куранта), открывающего бал. За ним следовал живой, веселый танец, состоящий из нескольких частей. Заключали сюиту вольта, гальярда, сальтареллла Музыкальным сопровождением танцев служили танцевальные мелодии, исполнявшиеся на нескольких инструментах. Состав инструментов мог быть различным - лютни, скрипки, Первые балетные спектакли Балет как самостоятельный вид театрального искусства формировался постепенно. Родиной его считается Италия. Итальянский балетный театр с момента своего зарождения был связан с комедией масок. Персонажи комедии масок, их яркие танцевальные характеристики - все это после сложной переработки было использовано профессиональной сценической хореографией. В 1489 году ломбардец Бергонцо ди Ботта в честь бракосочетания герцога миланского создал пышный театральный праздник, в котором танец чередовался с пением, музыкой и декламацией. Персонажами представления были Язон, Аргонавты, Меркурий, Аполлон и другие мифические герои. Все участники представления складывали к ногам молодых свои подарки с пожеланиями будущей счастливой жизни. Успех этого действа был так велик, что о нем узнали в других странах. Подобные зрелища имели место при каждом дворе, но повсюду они были разными. В одних странах преобладали мифологические сюжеты, в других изменялся и стиль, и ритм танцев. Во Франции, например, особенно были популярны аллегорические балеты с геометрическими, фигурными танцами. В них действуют времена года, воздушные и морские стихии, Доблесть, Сила, Вера. К концу 16 века появляются балетные постановки, имеющие законченный сюжет, который выявляется через танец, пение, стихотворный речитатив, музыку, декорации. В 16 веке появляется так называемый лошадиный балет. Особенно распространены были конные кадрили-балеты во Франции при Людовике XIII и Людовике XIV. Построение в этих танцах было настолько симметричным, что современники говорили: «Архимед не сумел бы их лучше поставить». В 1571 году группа поэтов Франции организует «Академию музыки и поэзии». Участники Академии стремились возродить на французской почве жанры спектаклей Древней Греции, в которых драма, пение, танец, музыка выступали в строгой гармонии. Постепенно французский балет перестает быть собранием интермедий, отдельных сценок. Балетные представления становятся более цельными, объединенными единым смыслом и даже единым сюжетом. Первым балетом такого рода считается «Комедийный балет королевы». Его сочинил итальянец Бальтазарини в 1581 году. Это был цельный спектакль на сюжет из балета «Одиссеи» Гомера: волшебница Цирцея держит людей в плену и обращает их в животных, а боги – Меркурий, Минерва, Юпитер – идут на нее войной, побеждают и возвращают пленникам свободу. Спектакль продолжался более пяти часов, танцы в нем занимали не более четверти, преобладали вокальные номера и диалоги без музыки. До балета в современном его понимании было еще далеко. Но танцы были уже не украшением, они были важнейшей частью целого; иногда в танце совершалось действие, иногда в нем проступали чувства и настроения героев. Балет родился при дворе, его участниками были придворные. В балетах часто танцевал Людовик XTV вместе с любителями-аристократами. Они исполняли роли богов или благородных героев. Король и придворные танцевали в масках. На сложные характерные танцы приглашали актеров-профессионалов. Придворный балет служил утверждению королевского величия и славы. С течением времени балетные представления выходят за рамки двора, на балеты начинают допускать публику. Женские роли стали исполнять мужчины. Среди театральных жанров 17 века немалое место занимала опера-балет. Поначалу танцы здесь существовали в качестве дивертисментов, но по мере развития жанра они стали связываться с сюжетом оперы. Музыку для балетов сочинял известный композитор Жан Батист Люлли. Он был не только композитором и музыкантом (играл на скрипке и гитаре), но и танцовщиком. Люлли был первым, кто понял, как много значит музыка в балете. Раньше музыку для новых танцев подбирали, если подходящей не было - сочиняли новую. Люлли стал сочинять музыку для всего балета в целом. Но еще важнее было то, что балетную музыку сочинял танцовщик. Хореографом балетов Люлли был Пьер Бошан. Он много сделал для развития классического танца: ввел пять позиций ног, разработал свою систему сценического танца. Все более важную роль начинает играть в танце прыжок. Основой балета по-прежнему остается фигурный танец, где группы танцующих образовывали разные геометрические фигуры. Однако он становится все более разнообразным, а ритмы и фигуры меняются более причудливо. В 1681 году на сцене впервые в балете Пьера Бошана появились женщины-танцовщицы. Среди них была и знаменитая балерина Лафонтен. Замечательным событием стало открытие во Франции в 1661 году Королевской академии танца Тринадцать академиков во главе с П. Бошаном должны были развивать благородное искусство танца В центре внимания академиков был бытовой танец. В Академии экзаменовали преподавателей бальных танцев, выдавали им дипломы, утверждали новые бальные танцы. В 1669 году открылась Королевская академия музыки (в наше время известная как «GRAND Орега»). Ее руководителем стал Люлли. Балетмейстером в Королевской академии музыки в течение 21 года был Пьер Бошан. Люлли и Бошан сотрудничали с величайшим драматическим поэтом 17 века Мольером. Некоторые комедии Мольера – это комедии-балеты, где драматические сцены чередуются с танцами. Кроме комедии-балета, существовали также и другие балетные жанры: балет-маскарад, драматический (серьезный балет), балет с выходами. Вопросы для самоконтроля: Назовите основные черты развития танцевального искусства в эпоху Возрождения. На какие две группы можно разделить танцы эпохи Возрождения? Перечислите наиболее популярные танцы этой эпохи. В чем были отличия в танцевальной лексике бытовых танцев, исполнявшихся в народе и во дворцах? Что из себя представлял жанр балета в эпоху Возрождения? Кто был постановщиком «Комедийного балета королевы»? Где были поставлены первые балеты? Кто были исполнителями в этих балетах? Перечислите театральные жанры 17 века во Франции. Назовите знаменитого композитора Франции 17 века, который сыграл значительную роль в развитии балетной музыки. Каковы заслуги Ш. Бошана в развитии хореографического искусства? Назовите даты открытия Королевской академии танца и Королевской академии музыки во Франции. |