Культурология
 Скачать 1.61 Mb.
|
|
5.4. Философская, научная и хозяйственная культура Возрождения Ранние гуманисты использовали гибкий подход к проблемам общества и активной жизни на службе человечеству. В интеллектуальной жизни Возрождения ни одна философия или идеология не доминировала. Усиливался, скорее, философский синкретизм стремление соединять очевидно противоречивые философские концепции, нахо- 4 Эпитимия или епитимья (греч. наказание по законам у католиков означает покаяние, наказание или возмездие за грех, которое накладывается духовником. Обычно заключается в исполнении тех или иных дел благочестия (продолжительная молитва, милостыня, усиленный пост, паломничество и т.п.). Эпитимия могла назначаться и судом на основании уголовных законов, за вероотступничество, ложную присягу, прелюбодеяние и др. В данном контексте имеется ввиду, что в средние века церковь считала целью земной жизни искупление первородного греха и, соответственно, человек должен был нести наказание дить точки соприкосновения для соглашения об истине, как это сделал Джованни Пико делла Мирандола в трактате О достоинстве человека. Платон, хотя и чтимый гуманистами, в университетах не подавался как философ, стоящий выше Аристотеля. Наука Ренессанса состояла, главным образом, в изучении медицины, физики и математики по рукописям таких древних мудрецов, как Гален, Аристотель и Евклид. Экспериментальная наука (анатомия и алхимия) вела к открытиям в университетах и вне их. Эмпирические основания физиологии установились входе исследования человеческого тела, которое велось ещё в средневековой медицинской школе и, как это блестяще иллюстрирует творчество Леонардо да Винчи, в среде художников Ренессанса, чей интерес к точности и деталям в живописи и скульптуре привел к внимательному изучению анатомии человека. Особенно сильными, буквально поразительными, были в эпоху Возрождения изменения в хозяйственной культуре, в технологии. Повысилась продуктивность сельского хозяйства. Всё шире использовался порох, модернизировалось оружие и решались проблемы баллистики. Расширялась торговля, совершенствовались морские суда и искусство навигации, совершались великие географические открытия. В астрономии начали использовать телескопы. Заслуживает самой высокой оценки весь ряд механических искусств Ренессанса, таких как архитектура, инженерное дело, оптика, конструирование ручных и башенных часов. Это значит, простые принципы механики, физики, астрономии и, со временем, химии начали пониматься практически и широко применяться. Ко времени Коперника и Галилея в XVI веке уже существовал достаточно широкий фундамент физических наук, нов основном эмпирический. Сложнейший теоретический аппарат, с помощью которого построено здание современной физической науки, появился гораздо позднее. Художественная культура Возрождения Самого полного выражения духВозрождения достиг в художественной культуре. Искусство стало рассматриваться как отрасль знания, ценного своей собственной истиной, способного дать человеку образы Бога и его созданий, постичь положение человека во Вселенной. В руках гения, подобного Леонардо да Винчи, оно было наукой, средством для исследования природы и фиксации открытий. Искусство должно было базироваться на наблюдении видимого мира и осуществляться согласно математическим принципам равновесия, гармонии и перспективы, которые были развиты в это время. 147 Достоинство человека нашло выражение в искусстве в работах живописцев Мазаччо, братьев Лоренцетти, Фра Анджелико, Боттичел- ли, Перуджино, Пьеро делла Франческа, Рафаэля и Тициана; скульпторов Пизано, Донателло, Вероккио, Гиберти и Микеланджело; архитекторов Альберти, Брунеллески, Палладио, Микелоццо и Фи- ларете. Возрождение искусства в Италии было связано с переоткрытием древней философии, литературы и науки, с развитием эмпирических методов получения знаний. Классическая наука предлагала познавать мир путём прямого наблюдения, изучения природы. Следовательно, для художников становились всё более важными светские темы. Знакомство с античностью предложило новый репертуар сюжетов из греческой и римской истории и мифологии. Принципы, заложенные в античных зданиях и различных произведениях искусства, вдохновляли на развитие новых художественных методов, пробуждали желание обновить формы и стили искусства. Главным для развития искусства Возрождения было появление художника как творца, востребованного и уважаемого за его талант и образованность. Искусство стало ценно не как средство религиозной и социальной дидактики, но всё больше как способ личного эстетического выражения. Процесс развития итальянского искусства Возрождения традиционно делится на четыре главных стадии Проторенессанс (Предвозрождение), раннее, высокое и позднее Возрождение. 5.5.1. Проторенессанс (Предвозрождение) В Италиисобственно Возрождению предшествовал в конце XIII и начале XIV столетий «проторенессанс», который опирался на идеи францисканского богословия. Св. Франциск критиковал схоластику и формальное благочестие преобладавшего тогда христианского богословия и выступил с похвалой красоты бедности иду- ховной ценности природы. Творчество самого известного художника периодапроторенессанса Джотто (1266/67 или 1276–1337) демонстрирует новый живописный стиль, характеризовавшийся ясной, простой структурой и глубоким психологическим проникновением. Стиль Джотто резко отличался от плоской, линейной декоративности и иерархических композиций его предшественников и современников, таких как флорентийский живописец Чимабуэ и сиенские художники Дуччо и Симоне Мартини. Приблизительно в тоже самое время, что и Джотто, жил великий поэт Данте. Его поэзия проникнута пристальным вниманием к внутреннему миру человека, к движениям человеческой души. Хотя его Божественная комедия сюжетными и стилевыми особенностями и идеями принадлежит средневековью, её субъективный духи мощь выражения предвещаютВозрождение. Проторенессансу принадлежат также Петрарка и Боккаччо, которые изучали латинскую литературу, но писали не на латыни, а народном языке. 5.5.2. Раннее Возрождение Термин раннее Возрождение характеризует фактически всё искусство XV столетия. Входе осуществления идей гуманизма развернулась работа по обнаружению истинных законов пропорций в изображении человеческого тела, в архитектуре, в систематизации представлений изображаемого пространства. Основные представители первого поколения художников Возрождения – скульптор До- нателло, архитектор Филиппо Брунеллески и живописец Мазаччо – имеют много общего. Главным в их взглядах было вера в теоретические основы искусства убеждение, что развитие и прогресс не только возможны, но и существенны в жизни признание значимости искусства. Древнее искусство почиталось не только как вдохновляющая модельно также и как память об испытаниях и ошибках, как сокровищница достижений великих художников прошлого. Эти художники были тонкими наблюдателями природных явлений. Они стремились из отдельных явлений экстраполировать общие правила. В тоже время они избегали прямого копирования природы, старались придавать произведению искусства идеальные, неосязаемые качества, наделяя изображаемые объекты большей красотой и более постоянным значением, чем в реальной действительности. Данные характеристики – представление идеальных форма не буквальных явлений, понимание физического мира как средства для передачи или несовершенного воплощения монументальной духовной красоты – фундаментальны для характера и развития искусства итальянского Ренессанса. Основателем живописиВозрождения был Мазаччо (1401–1428). Интеллектуальность его концепций, монументальность его композиций и высокая степень реализма его работ делают Мазаччо основной фигурой в живописиРенессанса. Флоренция, колыбель возрожденческой художественной мысли, оставалась одним из ведущих центров новаторства. Ситуация во Флоренции уникально благоприятствовала искусствам. Гражданская гордость флорентийцев нашла выражение в появлении статуй святых покровителей, помещённых Гиберти и Донателло в 149 нишах на бирже зерновой гильдии, известной как Ор Сан Микеле, ив возведении самого большого соврем н античности купола, созданного Брунеллески на Флорентийском соборе. Стоимость строительства и художественного оформления дворцов, церквей и монастырей была гарантирована богатыми торговыми семействами, возглавлявшимися семейством Медичи. Медичи торговали со всеми главными городами в Европе (один из самых известных шедевров северного искусстваВозрождения,«Алтарь Портинари»Хьюго ван дер Гоэса (ок. 1476), был заказан их агентом Томмазо Портинари. Работа написана не темперой, как было тогда общепринято, а прозрачными стекловидными масляными красками. Они дают глянцевую поверхность и яркий, как бы светящийся цвет. Около 1450 года во Флоренции выдвинулось новое поколение художников, включавшее таких мастеров, как Пьеро делла Франче- ска, Поллайоло, Вероккьо и Сандро Боттичелли. Они сделали упорна дальнейшее исследование линейной и воздушной перспективы и анатомии, развивая стиль научного реализма. Начали конкурировать в художественном новаторстве с Флоренцией другие итальянские города – Милан, Урбино, Феррара, Венеция, Падуя, Неаполь. Работы Леона Баттиста Альберти в Римини и Мантуе представляли архитектуру нового гуманизма картины Андреа Мантенья в Падуе демонстрировали передачу линейной перспективы, реалистическую технику и понимание античности поэтический классицизм Джо- ванни Беллини показывал силу венецианской школы. К концу XV столетия дерзкая новизна первых произведений в стиле ренессанса сменилась общим принятием таких основных понятий, как пропорция, контрапост («contraposto» – «перекрёстная поза) и линейная перспектива. Высокое Возрождение Стиль высокого Возрождения просуществовал только краткое время (ок. 1495–1520 годы) и был создан несколькими гениальными художниками Леонардо да Винчи, Донато Браманте, Микеландже- ло, Рафаэлем и Тицианом. В живописи стиль высокого Возрождения завершает поиски XV века, когда высшей целью было достижение равновесия и гармонии. Движение важно и необходимо, однако всегда имеется фокус, точка отдыха для глаз. Композиция самодостаточна, она соответствует определению красоты, данному Альберти: такая гармония частей, к который ничего нельзя добавить или убрать, не уничтожая целое. Движение подразумевается в позах фигурно это 150 движение всегда благородно, оно создаёт впечатление спокойствия. Стиль разнообразен и богат, но вместе стем утверждает простоту и единство. По спокойствию и монументальности его часто сравнивают с греческим искусством V столетия до н.э. Леонардо да Винчи – образцовый пример ренессансного мыслителя (универсального человека. Он увлечён всеми видами экспериментов, и от этого его искусству присущ дух беспокойного поиска художник-исследователь стремится обнаруживать законы, управляющие природными явлениями. Он напряжённо исследовал анатомию человека, природу полёта птиц, структуру растений, жизнь животных. Всё это оставляло ему для живописи очень мало времени, но Леонардо был признан современниками как великий художник. Его известность опирается на немногие законченные работы среди них – «Мона Лиза (1503–05) и полуразрушенная Тайная вечеря (1495– 98). Незаконченное Поклонение волхвов (1481) является первым образцом единой живописной композиции, реализованной затем полностью во фреске Тайная вечеря (1495–97). Мадонна в скалах – нежное видение младенца Христа и Иоанна Крестителя сих матерями – была написана ок. 1500 года. Работа иллюстрирует его стиль, где виртуозное сочетание света и теней создаёт эффект объёмности. Микеланджело, напротив – художник, одарённый необъяснимым, уединённым гением. Он излучал творческую мощь. Шедевры Мике- ланджело вдохновлены человеческим телом как совершенным средством для выражения эмоций. Ранние скульптуры Микеланджело, «Пьета» (1499) и Давид (1501–04), показывают потрясающее умение использовать пространственную форму, пропорции и законы анатомии для достижения величайшей выразительности. Давид, великолепная мраморная статуя высотой 5,4 м, представляет мощную концепцию человеческой красоты и духовности. Хотя Микелан- джело считал себя прежде всего скульптором, его самая известная работа гигантская фреска на сводах Сикстинской капеллы в Ватикане. Она была написана за четыре года, с 1508 до 1512. Это невероятно сложная, но философски единая композиция. Произведения Мике- ланджело, в том числе гробница Юлиуса II (ок. 1510–15), часовня Медичи (1519–34), росписи сводов (1508–12) и Страшный Суд (1536–41) в Сикстинской капелле, купол собора Святого Петра (начат в 1546), считаются непревзойдёнными достижениями скульптуры, живописи и архитектуры. Рафаэль – человек совершенно иного темперамента образами Мадонн и великолепными фресками вызывал чувства не подавляющей силы, но возвышенной гармонии и лирической, изящной красоты. Его работы точно выражали дух классической античности. Самая большая работа Рафаэля, Афинская школа (1508–1511), была создана в Ватикане, в тоже самое время, когда Микеланджело расписывал Сикстинскую капеллу. В этой большой фреске Рафаэль примирял представителей аристотелевской и платонических философских школ. Вместо плотно населённого, бурного шедевра Мике- ланджело, Рафаэль поместил свои группы спокойно разговаривающих философов и художников в обширный дворец с анфиладой уходящих вдаль сводчатых залов. Рафаэль поначалу находился под влиянием Леонардо, он использовал красиво моделированное лицо Мадонны в скалах во многих из собственных образов Мадонны. Однако он отличался от Леонардо своей потрясающей продуктивностью, своим собственным характером и предпочтением классической гармонии и ясности. Стилю высокого Возрождения следовали и другие художники Андреа дель Сарто и Фра Бартоломео во Флоренции, Корреджо в Парме, Джованни Беллини, Джорджоне и Тициан в Венеции. Наиболее прославлен из них Тициан. ТицианВечеллио, (1488–1578) – крупнейший ренессансный живописец Венеции XVI века, основатель венецианской колористической живописной традиции. Он считается одним из самых блестящих и влиятельных мастеров, входит в число ключевых фигур вис- тории западного искусства. Его творчество, которое постоянно влияло на развитие европейской живописи, представляло своеобразную альтернативу линейной и скульптурной флорентийской традиции, созданной Микеланджело и Рафаэлем. Эта альтернатива, не менее мощная и привлекательная, была полностью и страстно принята Питером Паулем Рубенсом, Диего Веласкесом, Рембрандтом, Эженом Делакруа и импрессионистами, она еще жива и сегодня. Многие картины Тициана достигают высшего уровня человеческих возможностей в живописи. Тициану могут быть достоверно приписаны около 400 сохранившихся до наших дней картин, и известно, что в течение своей чрезвычайно длинной и плодотворной карьеры он написал множество других, ныне утраченных холстов. Почти всю свою жизнь, за исключением множества коротких поездок в другие города, Тициан работал в Венеции. Он учился у известных живописцев Джентиле и Джованни Беллини, однако его стиль сложился в основном под влиянием Джорджоне. Молодой Тициан полностью освоил колористику и технику мазка Джорджо- не и его возвышенное, поэтическое видение пейзажа и живописных фигур. Поэтому до сих пор продолжаются дебаты по атрибуции картин, когда возможно или сотрудничество между старшим Джор- 152 джоне и молодым Тицианом, или полная принадлежность одному или другому. Уже при жизни Тициан был признан как великий живописец. Художественный критик Джованни Ломаццо в 1590 году объявил его солнцем среди малых звезд не только среди итальянцев, но и всех живописцев мира. Гениальность Тициана не подвергается сомнению и сегодня. Он был велик во всех аспектах искусства живописи. В портретах он блестяще проникал в человеческий характер. Его религиозные композиции охватывают полный диапазон эмоций, от обаяния его юных Мадонн до трагических глубин последнего Распятия и Положения во гроб. В основе культуры Ренессанса лежит возрождение культуры древнего мира вдохновленный поэзией Овидия, Катулла, Теокрита, Тициан новаторски возродил легенды о Греции и Риме в ряде несравненных живописных шедевров. В картинах на мифологические сюжеты он передал веселье и энергию древнего языческого мира его образы обнажённой Венеры (Венера и Адонис) и Данаи («Даная с няней) устанавливают стандарт телесной красоты и роскошного эротизма, который никогда не был превзойдён. Другие великие мастера – например, Ру- бенс и Никола Пуссен – порой имитировали его приёмы. Создателем архитектурывысокого Возрождения был Донато Бра- манте (1444–1514), который приехал в Рим в 1499, когда ему было 55 лет. Римский папа Юлий II (правил в 1503–13) назначил Браманте папским архитектором, и они вместе разработали план замены старого столетия) собора Св. Петра новым храмом гигантских размеров. Строительство собора было завершено лишь многие годы спустя после смерти Браманте с участием Микеланджело. 5.5.4. Позднее Возрождение Главным водоразделом в развитии искусства итальянского Ренессанса был захват Рима германскими войсками в 1527 году и его разграбление. Рим на какое-то время перестал быть покровителем искусств, и художники разъехались по городам Италии, Франции и Испании. Ещё перед смертью Рафаэля (1520) в римском искусстве начали проявляться антиклассические тенденции. Трения между христианской верой и классическим гуманизмом в конце XVI столетия привели к стилю, называемому маньеризмом. Маньеризм характерен для периода между Ренессансом и барокко (ок. 1520 – ок. 1570). Это не было художественное движение с определёнными принципами или бунт против предшествовавших 153 стилей. Напротив, маньеризм их как бы продолжали даже утрировал. Образцы совершенной манеры, или стиля, современники находили у Микеланджело и Рафаэля. Более поздние художники, подражая их достижениям, начали ценить виртуозность не как средство представления природы, но как самоцель. Маньеризм высоко ценил рафинированное изящество и элегантность – красивую манеру (maniera). К XVII веку слово стало уничижительным. Советские искусствоведы писали даже о разрушительном воздействии маньеризма на искусство. Сегодня о маньеризме часто пишут, что это стиль, который акцентировал технические навыки и причудливые эффекты и вместе стем отступил от стандартов классического искусства. Важным критерием художественных достижений стала демонстрация виртуозности, даже самореклама. Художники-маньеристы часто использовали примы, которые первоначально имели свои выразительные функции, и применяли их непривычно, так, чтобы демонстрировать своё мастерство. Изящество этого стиля и его тенденции абстрагироваться от природы часто порождали работы исключительной красоты (например, Мадонна с длинной шеей Пармиджанино и Мертвый Христос с ангелами Россо Фьорентино). Маньеризм возник в Риме, но быстро распространился по всей Италии в работах Джулио Романо и Перино Де Вага. У истоков маньеризма были живописцы Якопо Каруччи Понтормо, Пармиджа- нино и Россо (Россо Фьорентино). Последний уехал из Рима в 1530 году, получив приглашение оформлять дворец Фонтенбло; так он принёс этот стиль во Францию. К 1540 году маньеризм стал европейским явлением. Он оставался преимущественно итальянским стилем, но Жан Гужон развил непосредственно французский маньеризма в Нидерландах Хендрик Гольтциус приспособил его к фламандской традиции. В северной Европе Альбрехт Альтдорфер примирил маньеризм с поздним готическим искусством. Влияние маньеризма часто заметно в творчестве живописцев, которые не принимали его искренне. Сюда относятся Якопо Понтормо, Тинторетто и Эль Греко. Маньеристская скульптура достигла пика виртуозности в бронзовых фигурах Джованни да Болонья и Бенвенуто Челлини. Характерная для маньеризма любовь к художественному оформлению, оторванному от функции, и восхищение неисчерпаемой изобретательностью характеризуют итальянскую архитектуру середины столетия. В работах Джорджо Вазари и Бартоломео Ам- 154 манати (Флоренция, е годы, дворцы Уффици и Питти) использованы элементы классической архитектуры для неожиданных декоративных эффектов, безотносительно к их первоначальному назначению. Самого яркого выражения маньеризм достиг в творчестве Джорджо Вазари и Джованни да Болонья. В тоже время в северной Италии ив северной Европе продолжали создаваться великие произведения искусства, вдохновляемые духом Ренессанса. По-видимому незатронутые кризисом маньеризма, северные итальянские живописцы типа Корреджо (1494–1534) и Тициана (1488/90–1576) продолжали без видимых конфликтов воспевать и Венеру и Деву Марию. Техника масляной живописи, введённая в северной Италии Антонелло да Мессина и быстро принятая венецианскими живописцами, которые не могли использовать фреску из-за влажного климата, оказалась особенно подходящей к жизнерадостной, любящей удовольствие культуре Венеции. Череда блестящих живописцев – Джованни Беллини, Джорджоне, Тициан, Тинторетто и Веронезе – развивала лирический венецианский стиль живописи. |